Ce trottoir célèbre qui rend hommage aux stars du cinéma, de la télévision, de la musique, du théâtre, et de la radio a failli ne jamais voir le jour ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le travail pictural de Basquiat est intrinsèquement lié à la musique, nous allons voir pourquoi... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cette institution théâtrale qui existe depuis plus de trois siècles, et qui est le seul théâtre national en France à disposer d’une troupe permanente de comédiens est née d'une décision du roi Louis XIV. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Sarah Moon est à la base mannequin, mais l'absence inattendue d'un photographe lors d'un shooting va changé sa destinée ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’artiste ORLAN a produit des performances directement depuis son lit d'hôpital, en pleine opération, un sens de la prestation artistique assez singulier... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ces trois sœurs qui ont écrit des romans et des poèmes parmi les plus célèbres de la littérature anglaise. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1896, les frères Lumières organisent une projection de films grâce au cinématographe, l'occasion de montrer la captation d'un train arrivant en gare de la Ciotat... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le peintre Henri Rousseau, surnommé "Le Douanier", était passionné par la faune et la flore exotique... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Voilà l'histoire de Georgia on My Mind, la célèbre chanson de Ray Charles, qui est devenue l’hymne officiel de l’État de Géorgie aux États-Unis... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

 Steven Spielberg est aussi un passionné de jeux vidéo, et a été à l’origine de l’une des plus grosses sagas de jeu vidéo, celle de Medal of Honor ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L'anniversaire de Bouddha est un évènement très important en Corée du Sud ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pourquoi cette particularité de la toile la plus célèbre du monde est-elle si intrigante ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans ces bandes dessinées japonaises, on remarque que certains personnages ont souvent de grands yeux, parfois disproportionnés par rapport à leur visage, mais d'où cela vient-il ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Un seul personnage de fiction a eu l’honneur d’avoir une nécrologie dans le célèbre journal américain The New York Times... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Véritable œuvre d'art, le kimono est arrivé en Occident d'une manière assez originale... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est un événement qui a marqué l’histoire de l’art contemporain : l’exposition sans aucune œuvre d’art d’Yves Klein, en 1958. Voici son histoire. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement le code vert, ces lignes de caractères et de chiffres qui défilent sur un fond noir, et qui sont devenues le symbole de Matrix. Mais savez-vous d’où vient-il? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les "Nanas" de Niki de Saint Phalle sont aujourd'hui un symbole de l’art contemporain, découvrez l'histoire de ces sculptures un peu particulières ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est une technique très utilisée en restauration d'art... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La loi française interdit depuis 1968 la publicité pour certains secteurs culturels, dont le livre, sur les chaînes hertziennes. Mais est-ce vraiment une bonne chose pour la diversité éditoriale et le rayonnement de la littérature ?  Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les bovins étaient représentés de manière cubique par certains peintres anglais du 19eme... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est un instrument inventé par Benjamin Franklin qui sort vraiment de l'ordinaire... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour écrire son chef d'oeuvre, Marcel Proust a préféré s'isoler, mais pourquoi ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La souris la plus célèbre au monde à le bras long ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est un œuf un peu particulier ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le peintre Oskar Kokoschka débute sa carrière grâce à un évènement un peu particulier. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Un dessin d'Albrecht Dürer faisait fureur au 17e siècle, au point d'être de nombreuses fois copié... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La célèbre créatrice de la Collection Peggy Guggenheim à Venise a eu une vie particulièrement bien remplie... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Une station aujourd'hui interdite au public, continue d'exister grâce au 7eme art... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le sculpteur franco-allemand Jan Vormann fait un usage un peu particulier de ces briques multicolores... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les cathédrales françaises n'ont aujourd'hui plus grand chose à voir avec les cathédrales construites il y a des siècles... Pourquoi ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons tous déjà entendu parlé des histoires qui se cachent derrière les plans séquences les plus mythiques du cinéma, on pense à Birdman, 1917, ou encore La Corde, mais quel est le plus long plan séquence de l'histoire du cinéma ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Son souhait était d'être enterré au plus proche d'une de ses toiles... mais pourquoi ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Léonard de Vinci n'avait jamais vu la neige avant 1516 ! Et cette dernière va lui inspiré un théorème très célèbre... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour le film Le Parrain de Francis Ford Coppola sorti en 1973, la performance de Marlon Brando comme DOn VIto Corleone, chef de la mafia des Corleone, est récompensée lors de la cérémonie des Oscars de 1973, première du genre à être diffusée en direct dans le monde entier. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Monet est considéré comme le chef de file du mouvement impressionniste. Mais saviez-vous que Monet a continué à peindre même lorsqu'il a commencé à perdre la vue à la fin de sa vie ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Alan Smithee fait partie de ces noms propres qui ont intégré le monde du cinéma pour une raison assez singulière nous allons le voir. On commence à voir apparaitre ce nom aux alentours de 1955 à Hollywood... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La disparition de la Joconde au début du 20e contribue paradoxalement à la faire gagner en célébrité... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne, tout au long des deux semaines des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 31 décembre 2023, des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com et, surtout, passez de très bonnes fêtes ! ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le peintre Brueghel l'Ancien s'amusait à user de stratagèmes commerciaux pas toujours très reluisants... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1896, Julie Manet organise une exposition un peu spéciale... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La chanson "Another One Bites the Dust" de Queen a une histoire insolite qui implique non seulement le talent musical exceptionnel du groupe mais aussi l'influence inattendue de la légende de la pop, Michael Jackson. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Baby Peggy, enfant star du cinéma muet, a une relation très particulière avec le 7 eme art, qui s'étend sur la longueur... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour écouter le nouveau podcast "Franc-parler": Apple: https://podcasts.apple.com/us/podcast/franc-parler/id1719737952 Spotify: https://open.spotify.com/show/4ebaP6J0tjC8QTJaYHiUbu Deezer: https://deezer.com/show/1000488492 Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour écouter le nouveau podcast "Franc-parler": Apple: https://podcasts.apple.com/us/podcast/franc-parler/id1719737952 Spotify: https://open.spotify.com/show/4ebaP6J0tjC8QTJaYHiUbu Deezer: https://deezer.com/show/1000488492 Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La nudité dans l'art a reflété en général les standards sociaux de l'esthétique et la moralité de l'époque pendant laquelle s'est réalisée l'œuvre... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Certains projectionnistes doivent s'équiper attentivement avant d'entrer en salle de projection... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le chanteur aujourd’hui polémique Francis Lalanne a joué dans la série Les Aventures du jeune Indiana Jones. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Léonard de Vinci avait une manière très particulière de rédiger ses notes... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cette technologie de sécurité, encore utile de nos jours, a été inspirée d’un dessin animé américain... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne, tout au long des deux semaines des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 17 décembre 2023, des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com ! ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Quand une peintre réalise une satire de la principale institution de peinture française, cela ne passe pas inaperçu. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Iznogoud, le Grand Vizir avide de devenir Calife à la place du Calife, est né d'un autre personnage imaginaire de René Goscinny. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

 Le peintre néerlandais Willem de Kooning a été atteint dans les années 1980 de la maladie d’Alzheimer... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L'histoire part de Louis XV, qui à la fin du 18e siècle est gravement malade... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le nouveau podcast Le coin philo est disponible sur: Apple Podcasts: https://podcasts.apple.com/us/podcast/le-coin-philo/id1713311087 Spotify: https://open.spotify.com/show/09CceBeXcjCF1I3DlxT0ZE Deezer: https://deezer.com/show/1000376661 -------------------------------------- Le peintre espagnol Joaquin Sorolla a reçu une commande un peu particulière de "The Spanish Society of New York". Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est un catcheur français qui a inspiré le célèbre personnage vert de Dreamworks... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peindre des danseuses en mouvement, comme aimait le faire Degas, nécessite une précision extrème. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est pour des raisons techniques que Kubrick s'est tourné vers la Nasa pour son long-métrage... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Madonna a bien aidé la ville d'Amiens à reconnaitre un tableau perdu depuis des années... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Une pyramide moderne en plein milieu d'un bâtiment datant de plusieurs milliers d'années : un choix qui n'aura pas fait l'unanimité. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le Pasteur patinant est une toile conservée à la National Gallery of Scotland qui a une histoire assez particulière ... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Avant Disneyland, le parc Mirapolis était considéré comme le premier parc à thème français ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Song 2 est né d’une blague que le groupe a fait à ses producteurs... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les rôles féminins ont été de tout temps au centre des intrigues théâtrales, mais on ne peut pas en dire autant pour leurs interprètes... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La disparition est surement le "lipogramme" le plus célèbre de la langue française... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les films Pixar comportent à chaque fin de générique des noms de bébés. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Plus d'une trentaine de mètres de papier lui aura été nécessaire pour écrire son oeuvre... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Une équation a déterminé la chanson qui rendait le plus heureux au monde, selon des critères bien précis... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est un motif qui a beaucoup inspiré les artistes peintres : la condamnation à mort du philosophe grec Socrate. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le mot "snob" trouve ses origines dans la Rome Antique... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La statue de la Liberté devait à la base être construite près du canal de Suez... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Kochikame, qui a longtemps détenu la place de manga le plus long de l’histoire n'est pas accessible aux occidentaux, et nous allons voir pourquoi... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Léonard de Vinci avait une manière très particulière de rédiger ses notes... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

The Blind est un street-artist qui s'est donné pour mission de rendre accessible des graffitis aux personnes non-voyantes. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pixar n'a pas toujours été une société de production de films d'animation... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cervantes a écrit un second tome des aventures de Don Quichotte pour une bonne raison... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Certains long-métrage ont eu une influence sur des cultures implantées depuis plusieurs milliers d'années : c'est le cas du film James Bond 007 Spectre. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

De la simple chanson enfantine au morceau de musique classique en passant par la musique populaire ; la berceuse se retrouve dans toutes les strates de la société. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement l'œuvre Dune notamment remise en lumière par David Lynche et plus récemment par le réalisateur français Denis Villeneuve. Mais figurez-vous qu’en 1975, le réalisateur franco-chilien Alejandro Jodorowsky travaillait déjà sur une adaptation du roman. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Romain Gary a commis l'exploit de remporter le Goncourt à deux reprises alors que le règlement l'interdisait... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le "Big Five" est une consécration étroitement liée à la cérémonie des Oscars... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L'émission s'est inspirée d'un principe appliqué dans la musique classique : l'audition avec paravent... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Penchons nous sur l’une des histoires les plus célèbres du monde de l’art et de la poésie... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le relief peut être considéré comme l'ancêtre de ce que l'on nomme dans le 7e art la "3D"... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le 2 mars 1978, le corps de Charlie Chaplin, décédé quelques mois plus tôt, disparaît... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cinéma en plein air, le drive-in est très populaire aux USA (et plutôt boudé en France)... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Considéré comme l'un des fondateurs de la politique moderne, Machiavel a pourtant mauvaise presse dans notre vocabulaire... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La sœur Plautilla Nelli a un destin bien particulier dans l'Italie du 16e siècle... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La mafia américaine et Hollywood sont deux entités étroitement liées... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Colette fut une artiste très importante dans la première partie du 20e siècle, en plus d'être la première femme française à avoir droit à des funérailles nationales... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être qu’étant enfant, vous vous êtes amusés avec des amis à refaire des scènes de films célèbres et à les filmés juste pour rire... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Han van Meegeren a une histoire bien particulière... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le concours de l'Intervision a une histoire étonnante... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez sûrement déjà entendu parler de l’urinoir de Marcel Duchamp (nommé "Fontaine"). Cet objet d’art rentre dans une typologie d'œuvres d’art créée expressément par Duchamp que l’on nomme les "ready-mades" ... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’expression"Nouveau Roman" désigne un groupe d'écrivains qui s'attachent, dans la seconde partie du 20e siècle, à renouveler en profondeur les conventions présentes dans les romans... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

A côté de son travail de peintre,  Pierre Paul Rubens jouait également les diplomates... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Une oeuvre de Florentijn Hofman fait sensation dans plusieurs grandes villes du pays... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est un élément qui peut paraitre incongru aujourd'hui mais qui était essentiel à l'époque... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le titre de Queen "The show must go on" est la dernière chanson enregistrée du vivant de Freddie Mercury... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous employons fréquemment l’expression "septième art" pour qualifier le cinéma, mais savez vous pourquoi ce dernier est il le "septième art" ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est un mot qui existe depuis un moment mais qui n’est vraiment pas fréquemment utilisé, à part notamment par des spécialistes de la langue. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il était une fois l'histoire d'un conte de fée adapté plus de 70 fois au cinéma... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parfois, il faut savoir faire des copies de son travail... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est un groupe que vous connaissez forcément qui fut le premier à jouer un concert dans un stade... sans que personne ne puisse entendre grand-chose. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Figurez-vous que derrière les teintes les plus célèbres de l’histoire de l’art qui servent à la réalisation de chefs d'œuvres peuvent se cacher des choses étonnantes. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement le célèbre Jean Mineur... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez toutes et tous le peintre Charles Winter, et cela même si vous ne vous intéressiez pas forcément de près à la peinture. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le CV et la lettre de motivation sont des exercices délicats par lesquels il faut passer. Un exercice qui concernait même les artistes, au 17e siècle ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Au milieu des années 1990, le compositeur anglais Jem Finer s’est lancé dans un projet extraordinaire: composer une chanson qui durerait 1 000 ans.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Epcot est un projet que Walt Disney a cultivé secrètement jusqu'à la fin de sa vie... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Avant de trouver le succès à Londres, où elle fonde en 1835 le premier musée de cire à son nom, Madame Tussaud travaillait, dans sa jeunesse, au cabinet du sculpteur et anatomiste Philippe Curtius à Paris... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Brian Eno, c’est un nom qui ne vous dit peut-être rien et pourtant, vous avez surement déjà entendu ses réalisations musicales... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La disparition de la Joconde au début du 20e contribue paradoxalement à la faire gagner en célébrité... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez tous et toutes cette pose, qui symbolise en elle-même la danse classique, représentée sur les sculptures de danseuses à taille réduite... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Johnny Cash fut un symbole de la musique américaine du 20ème siècle... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est à la fin du 10e siècle qu'apparaît le mot "farce" pour la première fois... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le chanteur aujourd’hui polémique Francis Lalanne a joué dans la série Les Aventures du jeune Indiana Jones. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ce n’est pas uniquement pour gonfler le prestige du casting d’un long-métrage mais bien pour des raisons légales... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cette technologie de sécurité, encore utile de nos jours, a été inspirée d’un dessin animé américain... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Connaissez-vous Louis Delluc ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous l'avez surement déjà chantée avec la chorégraphie qui va de pair, mais savez vous d'où viennent les initiales YMCA dans les paroles de la chanson des Village People et la chorégraphie qui en découle ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Certains projectionnistes doivent s'équiper attentivement avant d'entrer en salle de projection... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Surnommée la Dame du cubisme, Marie Laurencin est une artiste du 20eme siècle qui a inventé son propre langage pictural... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pierre Boule eut une vie très singulière, il fut à la fois agent secret, infiltré et romancier, l’un des plus traduits dans le monde.. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le musée du Prado à Madrid inaugure une exposition permanente qui met sur le devant de la scène des copistes du XVᵉ au XXᵉ siècle... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’expression n’est pas à prendre au sens littéral, on ne se retrouve pas face à un vide sur une scène pendant plus d’une heure, au contraire, nous allons voir que le cet art invisible pose les bases du théâtre social... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez le mot swag qui fut à la mode un temps chez les jeunes. Nous devons bien l’origine de ce mot au très célèbre dramaturge William Shakespeare... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

A l'image du fameux sphinx, vous avez peut-être lu constater que beaucoup de statues grecques ont souvent le nez cassé, alors même qu'elles sont parfois intactes sur d'autres zones... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le Salon, institution du 18e siècle, était un lieu de rencontre assez particulier... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous nous concentrons aujourd'hui sur un syndrome qui tire son nom d'une oeuvre de Disney : le syndrome de Bambi. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les voitures, symbole d'un certain type d'action au cinéma, font aujourd'hui partie des grandes sacrifiées dans le 7e art. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L'affiche est un élément indissociable au processus de promotion d'un film. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Après avoir vainement cherché un éditeur pour son roman "La conjuration des imbéciles", John Kennedy Toole se suicide. C'est finalement sa mère, en apportant son manuscrit à un éditeur, qui fera connaitre son oeuvre, lauréate par la suite d'un prix Pulitzer. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La création d’un film est jalonnée d’étapes techniques complexes qui obligent certains corps de métiers à composer avec ce que l’on nomme le système D. Par exemple, comment recréer des sons de dinosaures, quand nous n’avons aucunes archives à disposition, qu’il faut partir de 0 ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

 Même si beaucoup ont longtemps suivi les règles qui régissent la langue française, certains poètes et artistes ont cherché à s'émanciper des contraintes de cette dernière... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Monet est considéré comme le chef de file du mouvement impressionniste. Mais saviez-vous que Monet a continué à peindre même lorsqu'il a commencé à perdre la vue à la fin de sa vie ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous sommes au 17ème siècle, à un moment ou la musique classique est solidement très solidement implanté dans le paysage artistique français... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L'effet Rashōmon est un effet très populaire dans le 7e art... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Depuis plusieurs semaines, une équipe du CNRS analyse des coulures inexpliquées sur des oeuvres du célèbre peintre abstrait Pierre Soulages, des tableaux de la fin des années 1950... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe des écrivains très prolifiques, qui ont incorporés à leurs écrits, leurs romans, de nouveaux, dans le but d’alimenter leur propre style, ou bien de désigner ce qui n’était pas désigné jusqu’à alors... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est un format qui est assez à la mode aujourd’hui, quasi chaque film qui sort aujourd’hui est accompagné de son making-of, sorte de documentaire qui accompagne la création du film, de ses prémices jusqu’au tournage. Le making-of fonctionne car il donne à voir ce que les spectateurs ne voient jamais, et ce depuis le début du cinéma ? Mais alors, quand a t on pu voir un making of en salle pour la première fois ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déjà vu que beaucoup d'expressions françaises nous viennent en réalité du théâtre. Mais saviez-vous que l’expression le jeu en vaut la chandelle vient elle même du domaine théatral ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Oui, ce n’est pas une blague, les quatre garçons dans le vent sortiront bientôt une nouvelle chanson, et cela grâce à l'intelligence artificielle ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Derrière un mot bien abstrait se cache en réalité une chose très concrète, un trésor précieux de l’histoire littéraire que l’on côtoie aujourd’hui encore dans sa forme moderne, derrière l'incunable se cache en fait le livre... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La nudité dans l'art a reflété en général les standards sociaux de l'esthétique et la moralité de l'époque pendant laquelle s'est réalisée l'œuvre... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

“Le monde est plein de voix qui perdirent visage Et tournent nuit et jour pour en demander un. ” Ces mots mystérieux sont ceux du poète Jules Supervielle... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

De la soupe sur Van Gogh, de la purée sur Monet, un crâne sur Vermeer… De nombreux actes de vandalisme contre des œuvres sont connus et certains objets, tels que La Joconde, La Ronde de nuit ou La Petite Sirène, ont été intentionnellement endommagés à plusieurs reprises... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Lorsque nous observons une peinture, l'une des premières choses qui attire notre attention est souvent la manière dont l'artiste a représenté la peau des personnages... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est un terme anglais qui est rentré dans notre vocabulaire français, le blockbuster est un film, une pièce de théâtre ou un jeu vidéo appelé à un grand succès populaire, et ayant généralement bénéficié d'un gros budget... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Une lapalissade consiste à affirmer une évidence immédiatement perceptible, ce qui déclenche en général le rire de l'interlocuteur. Un exemple célèbre pour parler de quelques chose de concret : la phrase “qui promène son chien est au bout de la laisse” est une lapalissade du chanteur Serge Gainsbourg. Mais alors quelle est l’histoire de ce terme singulier ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Avoir une œuvre de Banksy sur sa maison, un rêve ? Pour un couple anglais il y a peu, pas vraiment... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez tous et toutes déjà vu un ralenti, que ce soit dans une oeuvre de fiction au cinéma mais également dans des manifestations sportives. Figurez-vous que cette technique emblématique du 7e art est née par hasard et nous allons voir comment... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La joute musicale se répand au 18eme dans toute l’Europe et devient un véritable spectacle ou l’égo des deux participants est en jeu.... Mozart, Bach ou encore Liszt se prêtent alors à l'exercice. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ce tableau, le plus célèbre du peintre francais Théodore Géricault est considéré comme l'une des œuvres majeures du mouvement romantique français. Il représente en très grand format un événement tragique qui a eu lieu en 1816, lorsque le navire français La Méduse s'est échoué au large des côtes de la Mauritanie, entraînant la mort de nombreux passagers. Mais parmi ces naufragés désespérés que Gericault a retranscrit, figurez-vous que l’on retrouve le peintre romantique Eugène Delacroix ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le verlan est une forme de langage argotique populaire dans l’Hexagone, je ne vous apprends rien. Pour rappel, parler en verlan consiste à inverser l'ordre des syllabes ou des lettres dans un mot.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pendant longtemps et c’est encore la majorité de ce que l’on peut voir dans le musée, Le Louvre a accueilli exclusivement des oeuvres en tout genre d’artistes décédés. Mais, un jour, un peintre à eu l’honneur de voir son travail exposé au Louvre, alors qu’il était encore vivant, un honneur et un privilège. Mais qui est cet artiste ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Alan Smithee fait partie de ces noms propres qui ont intégré le monde du cinéma pour une raison assez singulière nous allons le voir. On commence à voir apparaitre ce nom aux alentours de 1955 à Hollywood... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Un vaudeville est une comédie fondée sur un comique de situation. C'était, à l'origine, un genre de composition dramatique ou de poésie légère, généralement une comédie, entrecoupée de chansons ou de ballets, mais savez d’où le vaudeville tire son nom ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déjà abordé des techniques utilisées en fiction pour étoffer un récit, et la technique du faux protagonistes fait partie des plus utilisées dans le milieu. Un faux protagoniste, c'est un procédé d'écriture consistant à présenter et faire croire au public qu'un personnage est le centre d’un récit avant de lui révéler par la suite que ce n'est pas le cas... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Un étudiant a mangé une oeuvre d’art évaluée à 120 000 dollars, rien que cela. Comment cela s'est-il passé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’entracte une période de pause entre deux actes d'une représentation qui s’est d’abord développé au théâtre, puis par la suite, au cinéma. Et nous allons le voir, l’entracte aura changé de fonction depuis sa mise en place, fonction purement technique, puis sociale, puis publicitaire, nous allons voir cela. Mais quand apparait le premier entracte au théâtre ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déja parlé de plusieurs techniques narratives utilisées dans des romans, des pièces de théâtres ou bien même au cinéma, comme le hareng rouge par exemple, et nous nous concentrons sur un classique du genre, le fusil de Tchekov, alors c’est quoi le fusil de tchekhov ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

 Jeff Koons est un artiste américain né en 1955, connu pour ses sculptures et installations extravagantes qui défient les normes traditionnelles de l'art. Koons a travaillé avec une grande variété de matériaux, notamment le métal, le verre, le plastique et le bois, pour créer des œuvres d'art qui sont à la fois surprenantes et captivantes. Il est notamment connu pour sa série de sculptures en acier inoxydable de grande taille, le célèbre "Balloon Dog". Ces sculptures sont souvent polies à un point tel qu'elles reflètent parfaitement leur environnement, créant ainsi une expérience visuelle pour le spectateur. Mais alors, pourquoi avoir choisit de représenter des chiens en ballon ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour écouter le podcast La rumeur: Apple Podcast: https://podcasts.apple.com/us/podcast/faits-divers/id1634132713 Spotify: https://open.spotify.com/show/206pWa4UKAgDLTLgx5l9ch?si=ac8911da8028483b Google Podcast: https://www.google.com/podcasts?feed=aHR0cHM6Ly9mZWVkcy5tZWdhcGhvbmUuZm0vRk9ETDc1NTQ3MTkxMzI%3D Deezer: https://deezer.com/show/3871907 Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Emma Lazarus est une poétesse américaine du 19ème siècle, qui s’affairait à la fois à écrire ses propres poèmes mais également à traduire ceux d'auteurs allemands, notamment Goethe. C’est à cette artiste que nous devons le poème inscrit sur le socle de la statue de la Liberté qui se nomme The New Colossus, Le nouveau colosse en français... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Alors que l’on a en tête la trilogie du Seigneur des Anneaux réalisée par Peter Jackson, adaptation au cinéma de ces aventures fantastiques au coeur de la Terre du Milieu aurait pu être tout autre. En effet, On aurait pu voir quelques années auparavant fleurir une adaptation des romans de JJ R Tolkien, parus entre 1954 et 1955, faite par les Beatles. C’est une information qui a été confirmée par Peter Jackson en personne. Mais alors, comment cela s’est-il passé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le Joker, c’est surement l’un des super vilains les plus connus au monde, considéré comme le pire ennemi du super héros, non moins célèbre Batman. Au fur et à mesure de ses apparitions dans les comics books, il acquiert la renommée de personnage emblématique de la culture populaire, considéré comme l’un des méchants les mieux écrits par certains. Inventé en 1940, il est plus que jamais aujourd’hui sur le devant de la scène, avec 4 films ou le personnage apparaît depuis 2019, dont un long qui lui est consacré entièrement. Mais, d'où vient l’inspiration pour ce personnage haut en couleur, clown psychopathe avec un sourire permanent gravé sur le visage ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1960, Hitchcock s'est imposé comme l'un des plus grands réalisateurs de l'époque. Il a commencé à travailler dans l'industrie cinématographique dans les années 1920 et n'a cessé de gagner en importance au cours des décennies suivantes. Dans les années 1950, Hitchcock atteint son apogée. Mais Walt Disney va sèchement lui interdire de tourner une des scènes d'un nouveau projet au sein de Disneyland... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il arrive parfois dans un processus de création, de changer légèrement d’idées en cours de route, de vouloir modifier des éléments d’une œuvre en développement. En peinture, ce processus porte un nom, le repentir. Concrètement, le repentir, c’est une partie d’un tableau qui a été recouverte par le peintre pour modifier en profondeur sa toile. Pour les spécialistes et amateurs de peintures, le repentir permet de fournir des indices sur les techniques et les ambitions du peintre, puisque l'on observe alors pleinement les secrets de la fabrication d’une toile.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne, tout au long de cette semaine des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 21 mai 2023, des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com et à dimanche prochain ! ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

"Les bourgeois de Calais", c’est une sculpture monumentale en bronze, qui représente six citoyens de la ville de Calais, en France, pendant la guerre de Cent Ans au XIVe siècle, qui a été réalisé par Auguste Rodin. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1929, lors de la première cérémonie des OScars, les spectateurs présent assistent alors à la seule apparition de l’Oscar des meilleurs intertitres qui remis à Joseph Farnham, scénaristique américain de l’époque du muet. 1929, c’est l'année même de l'arrivée du cinéma parlant; date charnière ou l'usage des intertitres, aussi appellés cartons devient alors un choix artistique. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En début 2020, aux archives nationales françaises, débutait le projet Rex. Une opération menée sur des lettres d’une correspondance secrète entre Marie-Antoinette et le comte de Fersen,. Si la majorité des lettres ont été déchiffrées, le texte en est cependant incomplet car il a été en partie censuré au moyen d'un caviardage recouvrant l'écriture et la rendant illisible. Mais qu’est-ce qu’un caviardage ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déjà parlé des origines des expressions côté cour et côté jardin, pour rappel ce sont des mots viennent d'une habitude prise à la Comédie-Française : la salle donnait effectivement d'un côté sur la cour du Louvre, et de l'autre sur le jardin des Tuileries. Mais saviez-vous qu’il existe un équivalent à ces mots dans la peinture ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La Palme d'or tire son nom des armes de la ville de Cannes, qui ont pour symbole une feuille de palmier... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La querelle du coloris a été un débat esthétique majeur de l’histoire de l’art qui a opposé les peintres français dans le dernier quart du XVIIe siècle. Plus précisément, cette querelle a émergé en 1671 à l'Académie royale de peinture et de sculpture de Paris, institution chargée de réguler et d'enseigner la peinture et la sculpture en France... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le flacking est une méthode artistique simple qui consiste à réparer les nids-de-poule et les entailles des rues en utilisant des mosaïques, des Lego ou des matériaux en céramique... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour le film "Le Parrain" de Francis Ford Coppola sorti en 1973, la performance de Marlon Brando comme DOn VIto Corleone, chef de la mafia des Corleone, est récompensée lors de la cérémonie des Oscars de 1973, première du genre à être diffusée en direct dans le monde entier. Seulement, plutôt que d’accepter l’Oscar du meilleur acteur pour lequel il a été nominé, ce qui se passe en direct du Dorothy Chandler Pavilion de Los Angeles va rester dans les annales du cinéma... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez peut-être la règle des tiers dont on se sert souvent en photographie, mais également dans d’autres domaines artistiques. La règle des tiers est une méthode utilisée en composition visuelle pour créer des images harmonieuses. Grosso modo, grâce à ce cadre apposé sur une image, il est plus facile pour le photographe ou le peintre de mettre en valeur ces éléments importants et de soigner sa composition. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez très certainement les César , cette célèbre cérémonie de remise de prix annuelle pour le cinéma français qui récompensent les meilleurs films, réalisateurs, acteurs, actrices et autres professionnels du secteur. Il arrive que des prix soient parfois attribués à des acteurs ou actrices étrangers. Mais, chose étonnante, le premier césar attribué à une actrice américaine hors césars d’honneur, a été décerné en 2015 seulement... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La coupe d'Hygie est un symbole important issue de la mythologie grecque. Dans la Grèce antique, beaucoup de statues et monuments représentent Hygie tenant un patera (bol médicinal) ainsi qu'un serpent enroulé autour d'elle et sur le point de se nourrir dans la coupe. De nos jours, la coupe d'Hygie est devenue un symbole important dans le monde de la pharmacie... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le pochoir est une technique bien connue aujourd’hui utilisée souvent dans le street art pour réaliser des dessins rapidement, en empilant des couches de peintures les unes sur les autres. Mais avant la technique du pochoir, les peintres se servaient d’une autre facon d’apposer leur peinture rapidement pour réaliser leurs œuvres, une technique de peinture que l’on nomme en italien “Alla prima” qui veut dire en français « au premier coup”. ... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

À la fin des années 1920 arrive le cinéma parlant, ce qui va provoquer un véritable bouleversement dans le paysage cinématographique international. D’un coup, d’un seul, les films muets se retrouvent complètement passés de mode. A quelques exceptions près comme Charlie Chaplin, les Marx Brothers; les acteurs qui avaient réussi à entamer une carrière grâce au cinéma muet se retrouvent vite oubliés. Le cinéma muet est jugé moins attractif et par conséquent moins rentable. Si bien qu’aujourd’hui, on estimerait entre 80 et 90 pourcent des productions du cinéma muet d’avant 1929 qui auraient ainsi été détruites. Comment cela s'est-il passé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous l’avons vu dans plusieurs épisodes, le lexique du théâtre accueille un vocabulaire bien spécifique que ce soit sur scène, côté comédiens ou bien dans la salle côté spectateurs. Nous nous penchons aujourd’hui sur un lieu que l’on retrouve dans tous les théâtres et les opéras, et qui porte un nom assez singulier: le poulailler. Alors qu’est ce que le poulailler ? Avec ce nom, on aurait pu penser qu’il s’agissait de la partie la plus basse collée à la scène, mais bien au contraire, le poulailler désigne le dernier étage d'une salle de théâtre à l’italienne, au-dessus de toutes les loges et de tous les balcons... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous vous doutez bien que ce n’est pas par pur plaisir que Tim Burton grand réalisateur américain connu pour ses films poético-gothiques tels que Beetlejuice, Edward aux mains d'argent, Batman, a demandé à ce que des écureuils soient dressés. Non, c’est bien pour un de ses films qu’il s’est intéressé temporairement au dressage de ces petites bêtes et nous allons voir pourquoi..... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le nom de Nickel Odéon vous dit peut-être quelque chose, vous connaissez peut-être une grande chaîne de télévision américaine qui se nomme ainsi et qui produit de nombreux programmes pour enfants. Est-ce que vous saviez que ce nom est un hommage à un élément important de l’histoire du cinéma ? Hé bien, nous allons voir ca. Je vous amène ans les années 1920 et 1930, à l'époque où les Nickel Odéons ont connu un véritable essor aux États-Unis et au Canada. Un Nickel Odéon était un cinéma de quartier de petite taille qui a émergé au début du 20ème siècle aux États-Unis et au Canada.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Alors, oui vous avez bien entendu, il existe bien des enfers dans nos bibliothèques, ou plutôt il existait bien des enfers. Rassurez vous, cela n’a rien de bien démoniaque concrètement, mais ces enfers furent pendant un long moment des lieux condamnés moralement par l’Eglise, d’où ce nom si connoté. Un enfer est une section d'une bibliothèque où sont conservés divers livres dont la lecture est interdite au public. Vous en voulez plus ? En fait, l’enfer est une salle, plus ou moins dissimulés selon les lieux, dont l’accès y est contrôlé. On ne peut y accéder sans avoir obtenu une autorisation des autorités religieuses ou civiles. Y étaient rassemblés des ouvrages jugés « contraires aux bonnes mœurs », c'est-à-dire, selon les époques, des livres à caractère choquant, obscène, ou encore érotiques.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne, tout au long de cette semaine des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 23 avril 2023, des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com et à dimanche prochain ! ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La manicule, c’est un symbole typographique qui ressemble à une main fermée avec un index pointé vers la droite historiquement (☞) et était utilisée à l'origine pour attirer l'attention du lecteur sur un passage important dans un manuscrit. C’etait un peu l’ancêtre d’un emoji que l’on retrouvait assez souvent notamment sur des avis de recherche dans les western, qui sert à mettre en valeur la somme donnée en récompense d’une capture d’un bandit. ... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Créé en 1962 par le scénariste Stan Lee et le dessinateur Jack Kirby, Hulk est apparu pour la première fois dans le comic book The Incredible Hulk (vol. 1) #1 en mai 1962. En France, Hulk est apparu pour la première fois en juin 1969. Dans le premier numéro de la série en 1962, le personnage de Hulk est au départ de couleur grise. Mais dès le second volume, sa couleur va changer... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez peut-être au moins de nom une peinture très célèbre appelée "Les Demoiselles d'Avignon" et réalisée par l’artiste espagnol Pablo Picasso en 1907 à Paris. Contrairement à ce que pourrait suggérer le titre de cette toile, Picasso ne peint pas des modèles venant de la ville d’Avignon, et nous allons voir pourquoi... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est l'une des pochettes d'album les plus célèbres de tous les temps, celle des Beatles pour l'album Abbey Road. La photo de ce fameux groupe britannique a été prise en 1969 devant les studios d'Abbey Road dans le nord de Londres. Sur la pochette, nous pouvons voir les quatre membres du groupe traversant un passage à niveau. Le photographe Iain Macmillan a pris six photos différentes en seulement 10 minutes, car la circulation devait être arrêtée par un policier. La photo finale est devenue très célèbre et a suscité beaucoup d'attention, en particulier après la publication d'un article affirmant que Paul McCartney était mort dans un accident de voiture en 1966 soit 3 ans avant la prise de la photo de couverture... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Bien plus que l’on ne le pense, les différentes formes d’art s’influencent et s’alimentent, par exemple, le cinéma s’inspire parfois de tableaux pour créer certains plans. C’est le cas d’un du film Django Unchained du réalisateur américain Quentin Tarantino. La tenue portée par le personnage de Django a été inspirée par une peinture du XVIIIe siècle... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement le Festival de Cannes et ses sections de remises de prix spécifiques, en marge de la compétition officielle. Pour cette 76e édition comme pour les autres, on retrouve ainsi la Quinzaine des réalisateurs, la Cinéfondation, la Semaine de la critique ou Un certain regard.  Mais dans tout cela, il existe aussi un prix qui passe plus inaperçu pendant cet évènement qui célèbre le 7e art, la Palme Dog ou Palm Dog, un prix qui est remis durant le Festival de Cannes depuis 2001... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Obey est certainement l’un des street-artists les plus influents aujourd’hui derrière Banksy. L’homme derrière l’empire Obey, qui en plus de réaliser de nombreuses sérigraphies, collabore avec des festivals pour créer des affiches, ou bien commercialise des habits depuis de longues années se nomme Shepard Fairey. Vous connaissez peut-être l’une de ses créations les plus célèbre la pièce «Hope représentant Barack Obama et créée en 2008... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Est-ce que le chessboxing vous dit quelques chose ? C’est un sport hybride, entre les échecs et la boxe anglaise, ou les deux participants enchainent 4 min d’échecs, 3 minutes de boxe, cela jusqu’au Ko sur le ring ou jusqu’à un échec et mat sur la table. Cette discipline est actuellement mise en lumière dans le documentaire "Mental Combat", sorti le 13 mars sur Canal+.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

À partir des années 1820, Victor Hugo qui a peine une vingtaine d’années, va commencer à participer à un large mouvement littéraire en opposition au classicisme, le romantisme. Alors le romantisme, c’est un courant qui veut s’émanciper des règles classiques que suivent les écrivains et dramaturges européens de l’époque. En 1827, Hugo va rédiger la pièce Cromwell, une pièce historique qui est à la fois une représentation historique de l'Angleterre du 17ème siècle et un portrait du lord protecteur Cromwell. Mais, pourquoi la pièce n’est elle quasi jamais jouée ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cela peut paraitre étonnant, car cela va à l’encontre même du principe d’un musée, mais il existe bien un musée de l’art mauvais, Museum of Bad art en anglais. Raccourci en MOBA, littéralement "Musée de l'art mauvais", est un musée privé dont l'objectif déclaré est de "célébrer le travail d'artistes dont les œuvres ne pourraient être montrées et appréciées ailleurs"... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le célèbre duo composé des comédiens Eric Judor et Ramzy Bédia font partie des duos comiques les plus populaires en France. Ils ont contribués, d’abord avec des sketchs, puis ensuite par le biais de long-métrages a popularisé un humour singulier, qui s’appuie sur des personnages simplets et des gags potaches. Seulement, ces deux improvisateurs dans l'âme vont être amenés à collaborer avec l’un des acteurs américains les plus célèbres du monde, Jim Carrey, pas pour n’importe qui en plus, pour le réalisateur Michel Gondry mais comment cela s’est -il fait ? Pecan Pie de Michel Gondry : https://www.youtube.com/watch?v=14KwkNiiQP4&ab_channel=PartizanOfficial Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le livre "Le Deuxième Sexe" de Simone de Beauvoir et sa célèbre phrase d'ouverture "On ne naît pas femme, on le devient" sont aujourd’hui des symboles des mouvements féministes... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons l’habitude dans notre cinéma moderne d’associer un film à un compositeur, on peut même citer quelques duos iconiques du 7e art, comme Sergio Leone et Ennio Moricconne, ou encore Georges Lucas et John Williams. Mais cette pratique de bande-son créée spécialement pour des œuvres de fiction, de sorte que la musique soit un complément du récit qui vienne l’épouser a bien dû commencer un jour.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1960, Hitchcock s'est imposé comme l'un des plus grands réalisateurs de l'époque. Il a commencé à travailler dans l'industrie cinématographique dans les années 1920 et n'a cessé de gagner en importance au cours des décennies suivantes. Dans les années 1950, Hitchcock atteint son apogée. Mais Walt Disney va sèchement lui interdire de tourner une des scènes d'un nouveau projet au sein de Disneyland... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les ouvrages les plus cryptiques qui existent à ce jour, un a subit de nombreuses analyses et tentatives de traductions, mais rien n’y fait, il reste complètement hermétique, nous parlons du manuscrit de Voynich, un livre illustré anonyme écrit au 15e siècle et rédigé dans une écriture à ce jour non déchiffrée et une langue non identifiée. 234 pages qui renferment des dessins de constellations du zodiaques, des herbiers,  des représentations de plantes, sans que l’on ne sache au final à quoi servait ce document... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 2017, c’était une grande première en Europe : un musée sous-marin peuplé de 300 sculptures aux figures humaines et disposées à 14 mètres de profondeur au coeur des fonds marins de l’île de Lanzarote, dans l’archipel des Canaries.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être avez- vous déjà vaguement entendu parler de ce qu’est le soap opéra et même si le terme en lui-même, vous êtes déjà sûrement tombé sur un programme de soap opéra sans le savoir. Alors, le soap opera (anglicisme, parfois abrégé en soap) ou roman-savon (au Québec) est un type de feuilleton radiophonique ou télévisé... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C'est une histoire assez étonnante, dont peu de personnes ont entendu parler : l'ancien ministre de la Culture, André Malraux, a été condamné pour avoir volé un temple cambodgien dans les années 20. Mais alors, comment cela est-il arrivé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La nuit américaine fait partie des techniques qui se repèrent assez facilement une fois que l’on connaît sa définition. Sur le papier, une nuit américaine est une scène cinématographique d'extérieur censée se dérouler la nuit, mais tournée en plein jour grâce à des artifices d'éclairage. Concrètement, dans une situation de nuit américain, ce que le spectateur va voir, c’est un effet de nuit avec un ciel noir et un éclairage contrasté où ressortent les sources de lumière. La plus grande partie de l'image est sous-exposée, obscure. Et on constate une forte dominante bleue sur l’écran... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

On parle beaucoup ces derniers temps d’attaques d’oeuvres d’art dans les musées, à coup de projectiles ou de nourritures, pour notamment revendiquer diverses causes sociales. Mais cette pratique de la revendication par l’attaque n’est pas nouvelle, et à l’époque ou les dispositifs de sécurité des oeuvres étaient plus léger, une toile du peintre espagnol Diego Velasquez en a fait les frais et nous allons voir comment.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Gérard Depardieu, ce monstre sacré du cinéma français, bouscule tout sur son passage, dans le bon sens du terme comme dans le mauvais, une chose est sûre, il ne passe pas inaperçu. Une de ses grandes performances cinématographique est à retrouver dans le film Cyrano de bergerac, réalisé par Jean Paul Rappeneau sorti en 1990 sur nos grand écrans. Précis, exubérant, animé, les adjectifs ne manquent pas pour désigner sa prestation qui a passionné les spectateurs francais passionné les spectateurs. Il fait alors assez logiquement figure de favori pour la célébration des Oscars le 25 mars 1991. Mais malheureusement pour lui, une simple erreur de traduction va venir tout chambouler. ... Voici les liens vers Choses à Savoir Actu : Apple Podcast : https://podcasts.apple.com/us/podcast/choses-%C3%A0-savoir-actu/id1668258253 Spotify : https://open.spotify.com/show/3jGBHbZGDe8U51nLDXAbco Deezer : https://deezer.com/show/5657137 Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’art contemporain divise toujours les foules, c’est un fait, et les nombreuses controverses qui traverse le mouvement renvoient fréquemment à la question suivante : qu’est-ce qui fait art et jusqu'à quel point peut on considéré une installation comme artistique ? Hé bien, c’est une question que de nombreuses personnes ont posé en entendant parler de l’oeuvre d’art du créateur Wim Delvoye réalisée en 2000 qui se nomme Cloaca, cloaque en francais. Cloaca, c’est une installation artistique qui représente un tube digestif humain géant et fonctionnel... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La danseuse Cubaine Alicia Alonso est devenue au 20e siècle un véritable phénomène.  En 1938, elle commence sa carrière de danseuse aux Etats-Unis à seulement 8 ans. Mais, elle devient quasiment aveugle à 20 ans à la suite de divers problèmes de santé. Longtemps immobilisée, elle racontera plus tard “Je dansais dans ma tête. Aveugle, immobile, à plat sur le dos, j'ai appris toute seule à danser”. Pour autant, elle n’abandonne pas la danse bien au contraire, elle dansera jusqu’à ses 70 ans rendez vous compte, et détiendra longtemps le record de longévité sur scène.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez sûrement déja entendu cette expression consacrée au  7e art, qui concerne le genre traditionnel du cinéma américain, le western. Mais qu’est ce qui a fait que l’on a rapproché ce genre venant des USA à un plat italien, hé bien nous allons voir ca. Alors qu’au début des années 60, la production des westerns en Amérique commencent à s’essouffler, le renouveau de ce genre historique va alors venir directement d’Italie. En fait, un western spaghetti, c’est tout simplement un western qui est produit et créée en Italie.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous parlons d’un élément technique d’une peinture, qui ne concerne d’ailleurs pas directement la toile mais ce qu’il y a autour de cette dernière. La Marie louise est un cadre que l’on positionne sur un tableau, mais c’est un cadre intermédiaire placé entre une œuvre encadrée sans vitre (en général, une peinture sur toile ou autre support) et le cadre proprement dit. Concrètement, on pourrait dire que la Marie Louise est un cadre sous le cadre. Elle est parfois considérée comme faisant partie intégrante du cadre : la partie extérieure est alors appelée moulure. Mais alors, pourquoi ce cadre porte-il un nom propre ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez peut-être la tradition qui existe en lien avec la fontaine de Trévi. Selon les croyances, si vous jetez,une pièce dans la fontaine : vous reviendrez un jour à Rome, deux pièces, vous trouverez le grand amour à Rome ou alors un de vos vœux personnels sera réalisé, trois pièces vous allez vous marier dans l’année. Une tradition instaurée il y a de cela des années mais qui réjouit la ville, qui récupère près d’un million d’euros de revenus par an.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous ne parlons aujourd’hui pas du livre le plus populaire ou bien le plus vendu à travers le globe, mais bien de celui qui a été le plus traduit, c'est-à-dire le plus décliné dans des langues et des patois différents. Hé bien, figurez vous que le lauréat est un roman francais.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Depuis sa construction en 1860, l’Opéra Garnier abrite à une dizaine de mètres sous la scène, au niveau du cinquième sous-sol, un intrigant bassin seulement connu d'une poignée d'initiés. Mais alors, à quoi sert cette eau et que fait elle en dessous d’un des édifices les plus importants de la ville de Paris ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez peut-être déjà observé cela dans un musée que cela soit sur une statue ou bien une peinture, une représentation de nue, où les parties intimes des modèles sont cachées par des feuilles de vignes. Hé bien, figurez vous que ce n’est pas pendant l’antiquité que cette pratique apparaît mais pendant la Renaissance... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez surement cette gourmandise en forme de petit triangle composé de chocolat qu’est le Toblerone. La principale caractéristique de ce chocolat est sa forme, des petits pics triangulaires qui rappellent les reliefs suisses de son créateur Théodor Tobler. Mais alors quel lien avec un spectacle de danse ? Hé bien, nous allons voir cela.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le domaine du théâtre est rempli de superstitions et de traditions en tout genre, et aujourd’hui, nous revenons sur une pratique qui n’est pas forcément très connue du grand public, bien qu’elle le soit des comédiens. Nous parlons de la trempette, et non cela n’a rien avoir avec le fait de prendre un bain directement... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

René Magritte, c'est un peintre belge du 20eme siècle qui a appartenu au courant surréaliste. Il fait partie de ces peintres qui plus que de seulement représenter et capter un moment ,un lieu ou bien une personne, préfère dessiner pour faire réfléchir... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il arrive que des poètes ou romanciers propulsent et popularisent des mots dans la langue française. Nous avons déjà parlé du mot abracadabrantesque d’Arthur Rimbaud, du mot pieuvre popularisé par Victor Hugo et aujourd’hui, nous continuons la série avec l'œuvre d’un poète français du 20eme siècle Stéphane Mallarmé. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe au théâtre des techniques très utilisées pour faire rire le public, et nous nous concentrons aujourd’hui sur une de ces dernières qui fut longtemps employée en Italie, le lazzo... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est une nouvelle surprenante, oui. Vous connaissez peut-être le célèbre duo formé par José Garcia et Antoine de Caunes qui officiait dans l’émission Nulle Part Ailleurs présentée par Philippe Gildas sur Canal +. Émission durant laquelle de Caunes José Garcia, tous deux déguisés, jouaient des petits sketchs souvent déjantés en interprétant différents personnages... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est une tendance prononcée que de se peindre soi-même dans un de se tableaux à la Renaissance. Pas de se peindre de manière évidente et visible, mais de se représenter parfois dans un coin d’une peinture, de manière plus discrète. On appelle cela la représentation in figura... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En sculpture, les positions sont des éléments à ne surtout pas négliger. C’est en effet grâce aux postures des statues que passent les émotions transmises par les sculpteurs. Nous nous concentrons donc sur une posture qui a été particulièrement populaire en Grèce Antique que l’on nomme le hanchement..... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le gaufrier n’a rien à voir avec le fond des bandes dessinées mais plutôt avec la forme. Le gaufrier, c’est une manière de mettre en page des  bande dessinée. C’est sûrement le découpage le plus classique et le plus régulier des bandes dessinées... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cela peut paraître incongru, mais l’offre du King de la Pop était très sérieuse.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1432, le peintre flamand Jan van Eyck présente une huile sur boite, qu’il prépare depuis six longues années. Un grand polyptique qui comporte 24 panneaux de bois, une oeuvre qui peut se replier sur elle-même, part en direction de l’église saint Jean Baptiste de Gand. Nous parlons bien du chef d'œuvre des peintures primitives flamandes, L’Adoration de l’Agneau mystique.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est un procédé d’écriture bien particulier dont nous parlons, qui a permis à certains écrivains de développer leur créativité. L'écriture automatique consiste à écrire sur une page tous ce qui nous passe par la tête, sans altérer nos écrits par la volonté ou bien la conscience. Cela a été utilisé par les surréalistes comme un moyen de création littéraire, permettant de se libérer des limites de la pensée régies par la raison... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans les domaines artistiques comme dans les autres, il existe des lois qui permettent de réglementer le marché. Et le droit de suite fait partie de ces règles là. Le droit de suite dans l’art essaie de répondre à une question assez simple en apparence : qu’arrive t-il à un artiste ou sa progéniture si une de ses oeuvres est vendue par une tierce personne... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cela peut à première vue paraitre étonnant, mais oui, un type de pièce de théâtre a un lien avec de la graisse servant à nourrir des faucons. Commençons par le commencement : Une saynète dans l’art, est une petite comédie bouffonne, à mi-chemin entre l’opérette et la chanson comique et humoristique... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le code Hays est le surnom communément donné au code de production du cinéma américain (officiellement appelé Motion Picture Production Code en anglais), établi en mars 1930 est une sorte de code de censure établie pour réguler la production des films. Appliqué de 1934 à 1966, ce texte fait suite à de nombreux scandales entachant l'image de Hollywood, dont l'affaire Roscoe Arbuckle. Cette affaire est un des premiers grands scandales hollywoodiens.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez peut-être le célèbre personnage de bande-dessinée Spirou. Il est le héros d'une série de bandes dessinées du même nom, qui a connu un grand succès en Belgique et en France. Spirou est un groom de palace qui devient reporter-photographe pour le journal "Le Journal de Spirou". Il est accompagné dans ses aventures par son ami le comptable Fantasio et son animal de compagnie Spip le petit écureuil. On attribue souvent la paternité du personnage au dessinateur belge André Franquin, popularisé pour les aventures de Spirou et Fantasio, mais également Gaston Lagaffe et le Marsupilami. Mais en réalité, Franquin n’a fait que reprendre le personnage de Spirou après ses créateurs originels.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’effet Woozle, c’est un biais cognitif que l’on a tous rencontré une fois dans notre vie. L’effet Woozle apparaît lorsqu’une citation qui était à la base erronée, est tellement reprise et répétée sur différents supports médiatiques, mais également dans des cercles plus restreints, qu’elle finit par être acceptée par tout le monde comme vraie. Pourquoi effet Woozle ? Hé bien car c’est le nom d’un personnage imaginaire dans le livre de A. A. Milne Winnie l’Ourson publié en 1926... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

"Les Ambassadeurs" est une œuvre ambitieuse, faite à partir de dix panneaux de chêne, peinte par Hans Holbein le Jeune. Cette œuvre est considérée comme un des premiers double portrait en Europe du Nord. On y voit Jean de Dinteville, ambassadeur de France à la cour de Henry VIII et son ami George de Selve. Réalisé en 1533, elle fourmille de détails, instruments de musique, d’astronomie et de science qui reflètent l’idéal humaniste du 16eme siècle. Mais plus que cela, c’est un détail assez visible qui font tiquer les spectateurs qui admirent cette oeuvre.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe nombre de philosophes reconnus pour leurs travaux, mais contrairement à ces derniers Jean Baptiste Botul doit sa célébrité à tout autre chose. En effet, Jean-Baptiste Botul est un philosophe fictif qui a été créé en 1995 par Frédéric Pagès et ses amis de l'Association des amis de Jean-Baptiste Botul. Son œuvre constitue une blague littéraire... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le nom de Nickel Odéon vous dit peut-être quelque chose, vous connaissez peut-être une grande chaîne de télévision américaine qui se nomme ainsi et qui produit de nombreux programmes pour enfants. Est-ce que vous saviez que ce nom est un hommage à un élément important de l’histoire du cinéma ? Hé bien, nous allons voir ca. Je vous amène ans les années 1920 et 1930, à l'époque où les Nickel Odéons ont connu un véritable essor aux États-Unis et au Canada. Un Nickel Odéon était un cinéma de quartier de petite taille qui a émergé au début du 20ème siècle aux États-Unis et au Canada.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

On pourrait penser de prime abord qu’une féerie est seulement une histoire ou un conte merveilleux où apparaissent des fées. Mais la féerie loin de ne se cantonnait qu’à ça désigne également un genre théâtral qui fut un des piliers de cet art pendant un temps. Mais alors qu’est ce que la féerie ? Hé bien, nous allons voir cela. Une féerie, c’est un genre théâtral qui a connu un grand succès en France au XIXe siècle.. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous vous doutez bien que ce n’est pas par pur plaisir que Tim Burton grand réalisateur américain connu pour ses films poético-gothiques tels que Beetlejuice, Edward aux mains d'argent, Batman, a demandé à ce que des écureuils soient dressés. Non, c’est bien pour un de ses films qu’il s’est intéressé temporairement au dressage de ces petites bêtes et nous allons voir pourquoi..... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous parlons ici d’un écrivain qui exerce une grande influence sur la littérature mondiale. Fiodor Dostoïevski est en effet un écrivain russe célèbre pour ses romans et ses nouvelles, "Crime et châtiment", "Les Frères Karamazov". Parmi son oeuvre riche, se trouve le roman "Le Joueur" publié en 1866. Il raconte l'histoire d’un jeune officier russe qui est accro au jeu et qui se retrouve impliqué dans une série de mésaventures à cause de sa dépendance. Au moment ou il écrit "Le joueur", il est dans une situation délicate : sa femme est morte il y a peu tout comme son frère dont il entretient son épouse et ses enfants. Cette phase inconfortable l’oblige à signer un contrat avec son éditeur : alors même qu’il est en train d’écrire Crimes et Châtiments, il s’engage pour un autre roman, qui devra paraitre dans un délai très court, sans quoi il perdrait ses droits sur 10 longues années.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1938,Orson Welles, grand réalisateur américain, notamment père du cultissime film Citizen Kane a réussi un exploit. Faire croire à un grand nombre d’auditeurs américains de la CBS qu’une véritable invasion martienne avait lieu. Mais alors, comment s’y est-il pris pour réussir ce tour de force, qui contribua à sa célébrité ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

John Taylor (dit le chevalier John Taylor) a une histoire étonnante et plutôt macabre. Il est à l’origine de la cécité de deux des plus grands compositeurs de musique classique, Jean-Sébastien Bach et Haendel. Mais comment cela s’est-il passé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La saga de film Retour vers le Futur réalisé par Robert Zemeckis est une des plus cultes de la culture populaire internationale. Parmi les symboles de cet univers forgé par Zemeckis et Bob Gale, l’un des plus important concerne la voiture des protagonistes principaux, La DeLorean, une voiture de fiction qui est en fait une machine à voyager dans le temps. Il s'agit d'une réplique d'un modèle bien réel de la DeLorean DMC-12, créée par le constructeur américain DeLorean Motor Company. Hé bien cette voiture, étroitement liée au films, a failli être remplacée par un frigo.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Des peintures comme la Joconde ou encore le Saint Jean Baptiste de Léonard de Vinci ont quelque chose en commun qui n’est peut être pas repérable du premier coup d’oeil, elle sont élaborés avec la même technique, popularisé parce génie du 15eme siècle, une technique nommée sfumato qui ajoute aux tableaux réalisme et mouvement. Mais alors qu’est ce que le sfumato ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Alors, oui vous avez bien entendu, il existe bien des enfers dans nos bibliothèques, ou plutôt il existait bien des enfers. Rassurez vous, cela n’a rien de bien démoniaque concrètement, mais ces enfers furent pendant un long moment des lieux condamnés moralement par l’Eglise, d’où ce nom si connoté. Un enfer est une section d'une bibliothèque où sont conservés divers livres dont la lecture est interdite au public. Vous en voulez plus ? En fait, l’enfer est une salle, plus ou moins dissimulés selon les lieux, dont l’accès y est contrôlé. On ne peut y accéder sans avoir obtenu une autorisation des autorités religieuses ou civiles. Y étaient rassemblés des ouvrages jugés « contraires aux bonnes mœurs », c'est-à-dire, selon les époques, des livres à caractère choquant, obscène, ou encore érotiques.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

John Taylor a une histoire étonnante et plutôt macabre. Il est à l’origine de la cécité de deux des plus grands compositeurs de musique classique, Jean-Sébastien Bach et Haendel. Mais alors, comment cela s’est-il passé ? John Taylor est médecin itinérant, voyageant de villes en villes pour proposer ses services auprès des populations... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons l’habitude de parler de mouvements artistiques, mais ici, nous allons nous attarder sur une expression, une expression qui a été à l’origine de la destruction de plus de 5000 oeuvres au milieu du 20e siècle. L’art dégénéré, c'était l'expression officielle adoptée par le régime nazi pour interdire l'art moderne, en faveur d'un art officiel appelé l'« art héroïque »... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Un hapax, c’est un mot que l’on ne retrouve qu’une seule fois dans un texte donné. Ainsi, pendant longtemps, le terme « hapax » a qualifié les mots (ou expressions) que les traducteurs ne pouvaient traduire de façon certaine, car il n'en existait qu'une seule occurrence dans la littérature. Ainsi, un hapax est donc en linguistique un nouveau terme qui n'est attesté que dans une seule source (corpus, état d'une langue, etc.) ou rencontré trop rarement pour être considéré comme une preuve valable de son emploi avéré et motivé de sa forme dans une langue donnée. L’hapax peut donc être un mot rare mais également une erreur (de copie, de grammaire…). Concrètement, c’est donc un mot intraduisible ou inaccessible... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous l’avons vu dans plusieurs épisodes, le lexique du théâtre accueille un vocabulaire bien spécifique que ce soit sur scène, côté comédiens ou bien dans la salle côté spectateurs. Nous nous penchons aujourd’hui sur un lieu que l’on retrouve dans tous les théâtres et les opéras, et qui porte un nom assez singulier: le poulailler. Alors qu’est ce que le poulailler ? Avec ce nom, on aurait pu penser qu’il s’agissait de la partie la plus basse collée à la scène, mais bien au contraire, le poulailler désigne le dernier étage d'une salle de théâtre à l’italienne, au-dessus de toutes les loges et de tous les balcons... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Qui aurait pu croire que l’un des écrivains les plus lus et célébrés de notre langue française ait pu à ce point être boudé par une institution comme l’Académie Française. L’auteur des vingts volumes de la fresque romanesque des Rougons Macquart, Emile Zola, est le romancier qui fut le chef de file du naturalisme. Concrètement, il s’attachait ainsi dans ses récits à dépeindre la réalité telle quelle grâce à une combinaison d’informations et d’observations récoltées, comme ce fut le cas pour la condition des ouvriers dans son livre Germinal. Journaliste littéraire, politique, nouvelliste et romancier, Emile Zola aura de son vivant connu le succès. Tant de facettes d’une personnalité qui n’auront pas convaincu l’Académie Française de lui laisser une place parmi les Immortels. Mais alors pourquoi tant de refus face à un écrivain de la trempe d’Emile Zola ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons toutes et tous affaire dans nos boites mails à ce que l’on appelle communément des Spam, ou en version francisée de façon beaucoup moins courante des Pourriel. D’abord précisons un peu ce qu’est un SPAM, c’est une communication électronique non sollicitée , en général effectuée à des fins publicitaires. Il reste dans notre vie numérique fortement présent, et représentait dans les années 2010 plus de la moitié des courriers qui étaient envoyés dans le monde. Et si je vous disais que ce terme a été forgé à partir d’une marque de viande précuite créée en 1937, à la base utilisée par les soldats pendant le Seconde Guerre Mondiale. Mais alors, comment est-on passé d’une boîte en conserve à des messages électroniques non désirés ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Chaque artiste développe et entretient des méthodes de travail qui lui sont propres, et nous allons voir que l’écrivain Gustave Flaubert avait une façon bien à lui de fluidifier ces phrases. Pour cet auteur majeur du 19ème siècle, le travail sur la sonorité de ses textes et l’équilibres de sa prose était alors essentielle. "Il est 1 h. du matin. Je ne sais pas comment je n’ai pas la poitrine défoncée, depuis 4 h. que je hurle sans interruption." Voici ce qu’écrivait Gustave Flaubert, exposant ainsi en plus de son emploi du temps nocturne une technique qu’il affectionnait particulièrement pour affiner son style. Mais alors, quelle est donc cette habitude prise par l’écrivain ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peter Parker, Bruce Banner, Otto Octavius ou encore Stephen Strange, tous ces noms de superhéros issus de l’univers Marvel ont une chose en commun, le fait d’avoir deux lettres identiques en guise d’initiales. Alors vous vous doutez qu’a cette fréquence, ceci n’est pas une simple coïncidence, c’est un véritable phénomène développée dans l’univers construit par la société Marvel Comics, plus simplement appelée Marvel, mais alors comment cela se fait-il ? Hé bien, nous allons voir que cela est dû principalement au scénariste américain Stan Lee. Stan Lee, c’est l’homme qui a imaginé de nombreux personnages de super-héros chez Marvel, nous pouvons même aller jusqu'à dire des milliers de personnages qui constituent la base de l’univers.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être que sans le savoir, vous avez déjà assisté à ce que l’on appelle un Deus ex Machina dans une œuvre théâtrale. Littéralement Dieu sorti de la machine en latin, le Deus ex Machina qualifie à l’origine l’intervention sur scène d’une divinité, qui ne suit pas forcément la logique du récit mais qui pourra alors résoudre une situation qui était jusqu’alors désespérée. Mais avec le temps, l’expression s’est élargie et désigne dans une œuvre de fiction un événement inattendu et improbable qui vient régler les problèmes du protagoniste à la dernière minute. En somme, ce procédé théâtral scénaristique permet au dramaturge de pouvoir conclure sa pièce de la manière dont il désire, c’est un peu sa carte joker, dont il se sert pour faire correspondre son intrigue à sa guise.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les mouvements de caméras que l’on peut retrouver sur nos écrans, l’effet Vertigo est sûrement l’un des plus renommés, un effet auquel son créateur, Alfred Hitchcock aura songeait de nombreuses années avant de le mettre en place. D’abord, l’effet Vertigo, c’est quoi ? C’est un mouvement de caméra au cinéma, qui va donner l’impression de prendre du recul sur la scène, tout en faisant se rapprocher les éléments au centre de l’objectif. En fait techniquement, l’effet Vertigo est un travelling arrière, un mouvement arrière, que l’on combine avec un zoom avant. C’est cet effet, qui va par exemple, faire en sorte que le sujet filmé ne change pas de taille apparente, alors que l'arrière-plan s’élargit au contraire. Généralement, l’effet Vertigo sert à retranscrire le malaise d’un personnage, et c’est dans cette optique qu’il fut utilisé pour la première fois par son créateur, le célèbre maître du suspense, Alfred Hitchcock. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

On aurait pu croire que cette histoire soit sortie de l’imagination de la célèbre romancière Agatha Christie. Pourtant, il n’en est rien, les faits sont bien la, et sont loin des scénarios fictifs que l’auteur fait vivre à ses personnages comme Hercule Poirot ou Miss Marple. En 1926, dans sa maison familiale du comté de Berkshire en Angleterre, la célèbre romancière Agatha Christie disparaît subitement et ne donne plus signe de vie pendant près de 11 jours. Dans la nuit du 3 au 4 décembre 1926, vers 22h après avoir fait remettre une lettre à son mari et à sa secrétaire, “la reine du crime” et s’en va au volant de sa voiture grise. Mais à ce moment-là, personne ne connaît sa destination. Ce n’est que le lendemain que sa voiture est retrouvée abandonnée avec à l'intérieur son manteau de fourrure, son permis de conduire et un sac à main, Agatha Christie, elle reste introuvable... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne, tout au long des deux semaines des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 1 janvier 2023, des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com et passez de très bonnes fêtes ! ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il y a des concepts dans les arts dont les restent méconnus du grand public mais que l’on retrouve assez fréquemment, que ce soit à la télévision au cinéma ou même au théâtre. Cela concerne notre mot du jour, qui est né en 1939, donc finalement  assez tard dans l’histoire des arts, nous parlons de l’eucatastrophe. Un terme étonnant, mais qui vous allez voir n’est pas si difficile à cerner. L’eucatastrophe, c’est un néologisme forgé par J. R. R. Tolkien, le célèbre père des  romans Le Hobbit et Le Seigneur des anneaux. Il développe ce concept dans un essai nommé Du conte de fée, un texte considéré comme très important dans l’analyse littéraire du conte merveilleux.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

À la fin des années 1920 arrive le cinéma parlant, ce qui va provoquer un véritable bouleversement dans le paysage cinématographique international. D’un coup, d’un seul, les films muets se retrouvent complètement passés de mode. A quelques exceptions près comme Charlie Chaplin, les Marx Brothers; les acteurs qui avaient réussi à entamer une carrière grâce au cinéma muet se retrouvent vite oubliés. Le cinéma muet est jugé moins attractif et par conséquent moins rentable. Si bien qu’aujourd’hui, on estimerait entre 80 et 90 pourcent des productions du cinéma muet d’avant 1929 qui auraient ainsi été détruites. Comment cela s'est-il passé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Au début du 20ème siècle, le thème du baiser est un thème assez populaire chez les artistes , qui se mettent à explorer les relations amoureuses et sensuelles. Les sculpteurs Rodin et Brancusi s'attèlent à construire leurs représentations de cet acte d’amour au travers de deux chefs d'œuvres, tandis que Edvard Munch, la création du Tableau le Cri, en exploite la part sombre. Parmi ces propositions et d’autres, celle du peintre autrichien Gustav Klimt sort complètement du lot, et acquiert avec les années une grande renommée lié à sa représentation très personnelle et stylisée de l’amour sensuel, nous parlons de son oeuvre Le Baiser. Le Baiser, c’est un homme, dont on ne voit que le cou et les mains qui attirent les lèvres de sa bien-aimées vers les siennes, et une femme dont on percoit le visage, un bras, les mains qui enlacent son interlocuteur et ses pieds... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement ce visage qui trône dans toutes les mairies ou bâtiments officiels de France. Représenté sous la forme d’une femme coiffée d’un bonnet phrygien, elle est censée symboliser la République Française, ses valeurs et également sa devise. Si vous ne la voyez pas dans les mairies, hé bien vous pouvez aussi l’apercevoir sur les documents gouvernementaux officiels, sur les timbres, et sur les pièces de monnaie françaises. Mais alors, pourquoi a-t-on choisi ce prénom plutôt qu’un autre pour nommer l’un des symboles de notre pays ? Hé bien, nous allons voir que le choix s’est fait d’après une chanson.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il arrive parfois dans un processus de création, de changer légèrement d’idées en cours de route, de vouloir modifier des éléments d’une œuvre en développement. En peinture, ce processus porte un nom, le repentir. Concrètement, le repentir, c’est une partie d’un tableau qui a été recouverte par le peintre pour modifier en profondeur sa toile. Pour les spécialistes et amateurs de peintures, le repentir permet de fournir des indices sur les techniques et les ambitions du peintre, puisque l'on observe alors pleinement les secrets de la fabrication d’une toile.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En Occident dans la deuxième moitié du XVIe siècle se développe le phénomène musical des castrats. Le fait de castrer un jeune chanteur d’opéra avant sa puberté l’empêcher de muer, ce qui fait que ce dernier garde une voix aiguë, tout en acquérant la puissance sonore de l’âge adulte. C’est d’abord dans des chapelles privées ou public que l’on retrouve des castrats.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe des curiosités littéraires que l’on utilise dans la langue française, avec certaines qui peuvent s'avérer plus utiles que d’autres. Parmi les exercices de styles avec contraintes que l’on peut trouver, le pangramme s’inscrit comme un type de phrase assez difficile à construire et surtout à placer que ce soit à l’oral comme à l’écrit. Le pangramme est tout simplement une phrase comportant toutes les lettres de l’alphabet.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement de vue l’une des œuvres du sculpteur César Baldaccini dit César, le fameux trophée en bronze de la cérémonie des César du cinéma français. Ce rectangle doré en relief est donné chaque année en honneur aux personnalités qui contribuent à représenter le 7ème art. Mais alors, comment ce sculpteur célèbre et pourtant peu reconnu de son temps, fut amené à réaliser ce qu’il nommait ces compressions ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement cette appellation qui sert à désigner communément des jumeaux ou des jumelles fusionnés symétriquement et réunis par une partie de leurs corps. Mais savez-vous d'où vient le fait d'appeler siamois ce genre de gémellité singulière ? Cela n’est pas en lien avec des termes médicaux ou spécialisés mais avec l’histoire de deux jumeaux reliés par le foie, les frères Chang et Eng Bunker, et du cirque du célèbre Phineas Barnum.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Chaque artiste développe et entretient des méthodes de travail qui lui sont propres, et nous allons voir que l’écrivain Gustave Flaubert avait une façon bien à lui de fluidifier ces phrases. Pour cet auteur majeur du 19ème siècle, le travail sur la sonorité de ses textes et l’équilibres de sa prose était alors essentielle. "Il est 1 h. du matin. Je ne sais pas comment je n’ai pas la poitrine défoncée, depuis 4 h. que je hurle sans interruption." Voici ce qu’écrivait Gustave Flaubert, exposant ainsi en plus de son emploi du temps nocturne une technique qu’il affectionnait particulièrement pour affiner son style. Mais alors, quelle est donc cette habitude prise par l’écrivain ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les éléments que l’on attache à l’artiste post-impressioniste Vincent Van Gogh dans l’inconscient collectif, on peut citer sa nuit étoilée, ses tournesols, mais également le fait qu’il se soit coupé l’oreille. Cet ancien marchand de tableau développa un style aux couleurs chaudes combiné avec une puissance de touches qui renvoient à des émotions intenses, comme pour dépeindre ce qu’il ressentait. Événement tragique de l’histoire de l’art, le mystère a longtemps planer quant aux motivations de l’artiste qui souffrait déjà à ce moment-là d'hallucinations visuelles et auditives liées à son état mental. Mais alors, comment et pourquoi a-t-il commis un tel geste ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il y a parfois des œuvres d’arts qui appellent d’autres œuvres d’art. C’est précisément le cas du réalisateur britannique Ridley Scott, adepte des grosses productions cinématographiques. Au début des années 2000, RIdley Scott, après une relative discrétion dans les années 1990, se fait remarquer pour avoir réalisé le peplum Gladiator, qui connaitra un succès commercial et critique avec 5 Oscars obtenus dont celui du meilleur film et du meilleur acteur. Peut-être vous souvenez vous de l’intrigue : la chute d’un général romain qui va devenir esclave, pour ensuite conquérir le cœur du peuple romain par ses talents de combattant dans l'arène du Colisée et finalement affronter son ennemi. Mais alors, comment Ridley Scott a-t-il été convaincu de s’engager dans un tel projet ? Hé bien, cela s’est fait grâce à une huile sur toile réalisée en 1872 par le peintre français Jean-Léon Gérôme. Jean-Léon Gérome, son nom ne vous dit peut être rien, et pourtant il fut l’un des artistes français les plus célèbres de son temps.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez peut-être déjà utilisé ce que l’on nomme un faux-texte, qui sert alors généralement à bien calibrer une mise en page. Alors, qu’est ce que faux texte me direz vous ? Le faux texte est un assemblage de mots, sans forcément de significations qui est apposé sur une mise en page de manière provisoire, et qui sera une fois la mise en page ajustée, remplacée par le texte définitif, écrit par son auteur. Hé bien, le Lorem Ipsum, c’est un peu la référence dans ce domaine de faux textes que l’on retrouve le plus fréquemment en ligne. Généralement, ces morceaux de textes assemblés sont en latin, ou plutôt en faux latin, car ce sont des mots piochés et et accolés les uns à côté des autres.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne tout au long de la semaine des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 4 décembre des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Malgré le fait qu’elle fut jusqu’au 19ème siècle la 27ième lettre de l’alphabet, le signe esperluette occupe une place assez peu visible parmi les signes de langue française. Ce n’est pas pour lien que l’esperluette est surnommée le et commercial, car son utilisation en français est essentiellement réservée à un usage commercial et publicitaire, comme pour les marques "Sciences & Vie", "Nature & Découvertes", ou encore "M&M’s". L’esperluette, c’est un signe qui résulte du lien fait entre un e et un t, qui à la même signification que le et. Mais alors quelle est son origine ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La Cène, c’est sûrement l’une des œuvres de Léonard de Vinci les plus célèbres au monde, une peinture si influente qu’elle fut l’objet de nombreuses parodies dans la culture, allant de Andy Warhol à Salvador Dali. L'œuvre est à la base une commande du mécène de Léonard de Vinci à Milan, le duc Ludovic Sforza, pour décorer le réfectoire du monastère dominicain de Santa Maria delle Grazie, qui abritait la chapelle de sa famille. L'œuvre qui représente le dernier repas de Jésus en compagnie des 12 apôtres devint célèbre dès son inauguration en 1498 et sera d’ailleurs copiée par de nombreux artistes comme Rubens. La Cène était un thème assez fréquent dans les réfectoires de monastère, religieux et religieuses dinaient en silence devant la représentation du Christ et des apôtres attablés.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le pop-corn fait entièrement partie des symboles de l’industrie cinématographique, notamment américaine. Cet élément indissociable du 7ème art a fait son entrée dans les salles obscures dans le courant du 20ème siècle. Mais alors comment a-t-il réussi à s’imposer entre les spectateurs et le grand écran ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Au 17ème siècle, le secteur de l’édition d’ouvrages religieux, et plus précisément de la bible aura connu quelques secousses, et cela notamment à causes d’erreurs liées à l’impression. En 1631, une version de la Bible sort quelque peu de l’ordinaire et commence à défrayer la chronique. Pourquoi cela ? Hé bien en raison d’une conception assez étonnante du 7e commandement en raison de deux petites erreurs typographiques.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les caméos sont maintenant des éléments très connus de la grammaire cinématographique. Clin d'œil réservé à certains connaisseurs ou bien information grand public, le caméo fait partie du 7è art. Un caméo, c’est en fait concrètement est l'apparition furtive (souvent muette) d'une personnalité célèbre dans un film. Mais des années avant tout cela, un réalisateur en particulier en avait fait une des caractéristiques de ses oeuvres, nous parlons du père de Psychose. Alfred Hitchcock, le maître du suspense était en effet réputé pour apparaître directement dans ses propres films, comme figurant. Mais alors, pourquoi a-t-il fait cela ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le peintre Giosseppe Archimboldo est un peintre italien du 16eme siècle, considéré comme surréaliste avant l’heure, qui a marqué les esprits notamment par ses têtes composées de divers éléments entres autres, venant de la nature. peut-être avez-vous déja vu un de ses fameux portraits, comme l’allégorie de l’automne réalisée en 1573, dans laquelle des fruits et des légumes sont assemblés pour former le visage d’un homme de profil. Une poire constitue son nez, en guise de cheveux ce dernier a des raisins et on distingue pour représenter son oreille la forme d’un champignon. Cette manière de peindre des portraits si caractéristiques, que l’on nomme têtes composées, deviendra sa signature. Mais alors, comment en est-il arrivé à construire ce genre de représentation ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le Joker, c’est surement l’un des super vilains les plus connus au monde, considéré comme le pire ennemi du super héros, non moins célèbre Batman. Au fur et à mesure de ses apparitions dans les comics books, il acquiert la renommée de personnage emblématique de la culture populaire, considéré comme l’un des méchants les mieux écrits par certains. Inventé en 1940, il est plus que jamais aujourd’hui sur le devant de la scène, avec 4 films ou le personnage apparaît depuis 2019, dont un long qui lui est consacré entièrement. Mais, d'où vient l’inspiration pour ce personnage haut en couleur, clown psychopathe avec un sourire permanent gravé sur le visage ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En voilà un terme bien mystérieux. L'œil du prince est une expression qui est prononcée le plus fréquemment dans une salle de théâtre comme dans toute autre salle destinée à mettre en scène un spectacle. En fait, ce n’est pas un terme de vocabulaire qui désigne précisément un mécanisme de jeu ou une partie des coulisses, mais plus simplement une place, un point de vue assez particulier. Le point de vue appelé œil du prince est tout simplement la place d'où l'on voit le mieux le spectacle, en regardant de la salle vers la scène. C’est en général la place prisée du metteur en scène du spectacle, notamment lors des dernières répétitions, car c’est pour lui l’endroit idéal où se poser et capter les moindres faits et gestes de ses comédiens. Mais alors, où se situe cette place ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe des techniques dans l’histoire, qui ont étés pensées pour permettre la conservation et la réutilisation de matériaux précieux, notamment dans la littérature. Le palimpseste, justement, fait partie de ces solutions trouvées pour économiser des supports d’écritures. Alors, un palimpseste, c’est quoi ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le nom de Carrare ne vous dit peut-être rien, et pourtant, cette ville de 65 000 habitants d’Italie est réputée pour une chose très particulière. Si je vous dit sculpture antique, une des choses qui revient le plus en tête est la blancheur particulièrement intense de ces statues. Hé bien, figurez vous que c’est l’utilisation du marbre récolté à Carrare qui est à l’origine de cette blancheur très pure.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Comment faire pour montrer qu’un personnage de bande-dessinée dit des gros mots, sans pour autant afficher des grossièretés sur une page ? C’est une problématique récurrente dans le 10ème art, et une solution fut trouvée pour contourner le problème, et c’est notre sujet du jour, le Grawlix. Alors qu’est ce que le Grawlix ? Hé bien, le grawlix est généralement un ensemble de symboles typographiques comme le arobase, le dollar ou le point d’exclamation, qui sont donc utilisés dans les bandes dessinées pour représenter une injure ou un mot grossier... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Emma Lazarus est une poétesse  américaine du 19ème siècle, qui s’affairait à la fois à écrire ses propres poèmes mais également à traduire ceux d'auteurs allemands, notamment Goethe. C’est à cette artiste que nous devons le poème inscrit sur le socle de la statue de la Liberté qui se nomme The New Colossus, Le nouveau colosse en français... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La romancière et dramaturge Georges Sand fut une des personnalités les plus prolifiques de son temps, avec pas moins de 70 livres publiées dans le courant du 119ème siècle, mais également des poèmes, des contes, tc. Au-delà de ses créations, elle marqua son temps par sa vie amoureuse tumultueuse, ses habitudes de vies et son indépendance, cela malgré les critiques misogynes auxquelles elle dut faire face, notamment celles d’un certain Charles Baudelaire. Née sous le nom très aristocratique d'Amantine Aurore Lucile Dupin de Francueil, cette artiste va au cours de sa carrière changer de nom pour se mettre à porter celui qui sera transmis à la postérité, Georges Sand.  Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Alors que l’on a en tête la trilogie du Seigneur des Anneaux réalisée par Peter Jackson, adaptation au cinéma de ces aventures fantastiques au coeur de la Terre du Milieu aurait pu être tout autre. En effet, On aurait pu voir quelques années auparavant fleurir une adaptation des romans de JJ R Tolkien, parus entre 1954 et 1955, faite par les Beatles. C’est une information qui a été confirmée par Peter Jackson en personne. Mais alors, comment cela s’est-il passé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’émergence des prénoms à travers l’histoire reste un terrain immense, en perpétuelle évolution. Dans la majorité des cas, les prénoms sont le fruit de plusieurs siècles d’influences et de modifications, parfois remontant jusqu’à l’Antiquité, pour arriver sous la forme que nous connaissons d’eux aujourd’hui. Mais il arrive que certains prénoms soit le l’objet de l’action d’une seule personne, qui plus est d’un ou d’une artiste, et c’est le cas de notre exemple du jour, le prénom Jessica.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est une des grandes figures françaises de l’art urbain, un graffeur français qui opère à l’aide de ses pochoirs depuis maintenant 40 ans, nous parlons aujourd’hui de l’artiste Blek Le Rat, alias Xavier Xou. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Lorsque l’on écoute une musique qui passe dans un film, il reste peut fréquent de se poser cette question suivante : est-ce que le personnage à l’écran l’entends également ? Dans un long-métrage, il y a tout un ensemble de règles qui régissent ce que l’on nomme la narration. Il existe ainsi deux principales catégories de sons lorsque l’on regarde un film.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Voilà une information pour le moins déconcertante : il existe un lien entre le gâteau brownie et le personnage inventé par l'auteure J.K Rowling Dobby, l’elfe de maison. Reprenons les choses depuis le début. Il existe dans le folklore écossais une catégorie de petits personnages nommés Brownies, que l’on écrit comme le gâteau que nous connaissons. Généralement, un brownie est décrit comme un petit Génie domestique sympathique et travailleur. Il effectue les tâches ménagères de la famille chez qui il s'est installé en échange d'un repas ou de la liberté de se balancer sur un fer à cheval accroché à côté de la cheminée.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ces petites créatures bleues qui logent dans un village champignon en plein milieu d’une foret, vous les connaissez peut-être, ils sont devenus des personnages de premier plan de notre culture populaire. Au même titre que Lucky-Luke ou Garfield, les Schtroumpfs sont des personnages d'une bande dessinée célèbre créée par le dessinateur belge par Peyo en 1958. Des films, des expositions ou encore des séries se sont ajoutés à la bande-dessinée originale, contribuant à la renommée internationale de la vie des Schtroumpfs. Mais d'où vient ce nom ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les différentes catégories de syndromes qu’il y’a de recensé, il en existe un que l’on nomme le syndrome du voyageur. Pourquoi le syndrome du voyageur, car c’est le voyage lui-même qui suscite des troubles chez un sujet qui n’avait par le passé pas montré d'antécédents. Dans la catégorie de syndrome du voyageur, l’un des plus connus est le syndrome de Stendhal que l’on nomme également syndrome de Florence. Alors pourquoi ces deux noms ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ce sont des éléments que nous retrouvons dans toutes les bandes dessinées, qui peuvent parfois prendre des formes différentes mais qui sont nécessaires pour faire s’exprimer les personnages, nous parlons bien des bulles de bande-dessinées. Le vrai nom d’une bulle, dans des termes plus soutenus, est le phylactère. Des  éléments graphiques permettant de placer le texte d'un dialogue ou d'un monologue dans une case de bande dessinée. Pour faire parler ou penser des personnages, ces bulles comme on les surnomme aujourd’hui sont généralement ovales ou rectangulaires et lier à ce que l’on nomme un appendice, un trait continu qui le rattache au personnage en train de parler. Les phylactères ont été pendant longtemps surnommé les ballons, et ce n’est que depuis les années 70 que l’on a renommé en français les ballons en bulles, nous allons voir cela... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

On retrouve dans le monde théâtral bien évidemment beaucoup de rôles que nous voyons directement sur scène mais il y a tous les métiers qui sont exercés dans l’ombre des projecteurs, et le rôle de claque fait partie de ceux qui se font plus discret. La claque, au théâtre mais également à l’opéra, c’est un ensemble de personnes, que l’on nomme les claqueurs, qui ont été engagés pour soutenir, ou à l’inverse, huer, une pièce par diverses manifestations bruyantes, applaudissements, rires, sifflets, etc… Disparue au 20ème siècle, la claque a longtemps occupé un rôle important dans les salles de spectacles vivants, et cela depuis l’Antiquité.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les œuvres du peintre Amedeo Modigliani, que ce soit des toiles ou des sculptures, ont marqué le public par une esthétique très spécifique, faisant de lui l'un des peintres les plus appréciés du 20ème siècle. Ses tableaux, consacrés en grande partie à la figure féminine, sont d’une simplicité trompeuse et se concentrent sur deux grands genres de la peinture figurative, le nu féminin et surtout le portrait. Ces portraits et ses nus, qui arrivent tardivement dans sa carrière, touchent immédiatement le spectateur par leurs expressions hors de toute catégorie, entre le calme et la quiétude. Parmi ce qui les caractérise particulièrement, comme la longueur de ses représentations, on note des yeux asymétriques en amandes sans prunelles voire vides. Mais alors, pourquoi cela ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Robinson Crusoé, c’est un roman d’aventure qui s’est imposé comme l’histoire par excellence d’un naufragé solitaire devant survivre sur une île déserte. Écrite en 1719 par l’anglais Daniel Defoe, le récit s’inspire librement de la vie du marin écossais Alexandre Serkik. C’est un des premiers romans d’aventure moderne de langue anglaise, qui reste encore aujourd’hui toujours étudié dans les salles de classes, et considéré par JJ Rousseau comme un livre d’éducation. Il faut dire que ce grand succès l’aurait été peut-être un peu moins, si son titre avait été à chaque édition écrit en entier..... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Marcel Pagnol, écrivain, dramaturge  et entre autres cinéaste français à succès, a donné au cinéma une grande place dans sa carrière. Après des succès au théâtre à partir de 1924, d’abord avec Tonton, puis véritablement avec Topaze au théâtre des variétés, Marcel Pagnol comprend, je le cite, « qu'une œuvre locale, mais profondément sincère et authentique peut parfois prendre place dans le patrimoine littéraire d'un pays et plaire dans le monde entier ». En 1929, il assiste à Londres à la projection d’un des premiers films parlant, Broadway Melody, et décide de se consacrer au cinéma parlant... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

“Un livre doit être la hache qui fend la mer gelée en nous ; voilà ce que je crois." Voici ce que dit l’écrivain autrichien Franz Kafka à propos de la littérature. Pour lui, l’écriture est un combat intérieur, intime, qui transcende le corps et l'âme. Né en 1883, Franz Kafka sera voué à être l’un des écrivains les plus importants du 20ème siècle, construisant à travers son oeuvre un style très singulier, où l'individu est submergé par l’univers qui l’entoure, univers sinistre et crypté voire cauchemardesque... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe d'innombrables effets qui touchent au monde des arts, et celui dont nous parlons tire son nom d’une célèbre marque de fromage industriel, la Vache-qui-rit. L’effet Vache-qui-rit aussi appelé effet Droste, c’est est en fait l’application graphique de ce que l’on nomme une mise en abyme. La mise en abîme, c’est ce procédé consistant à représenter une œuvre dans une œuvre similaire comme un « film dans un film ». Dans notre cas du jour, l'effet Vache-qui-rit, c’est donc le fait d’incruster dans une une scène cette image elle-même de taille réduite, image réduite contenant à son tour contenant à son tour une plus petite image, et ainsi de suite.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En visitant innocemment le Louvre au second étage, la peinture nommée Intérieur de Cuisine de l’artiste alsacien du 19ème  Martin Drolling ne vous aurait pas forcément attirer l’oeil plus que cela.  On peut y voir deux femmes faisant de la couture dans une cuisine, un enfant qui joue avec un chat, une scène tout ce qu’il y a de plus typique du siècle d’or hollandais. Et pourtant, cette oeuvre sort de l’ordinaire, puisqu’elle aurait été réalisée avec des organes de familles royales en guise de pigments. Mais alors comment des restes royaux se sont-ils retrouvés finalement au Louvre sur cette peinture ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le compositeur et pianiste polonais André Tchaïkovski a, toute sa vie, était fortement intéressé par le théâtre, et plus particulièrement par un dramaturge, William Shakespeare. Ce n’est pas le seul me direz-vous, à avoir été touché profondément par le créateur de Roméo et Juliette, oui c’est vrai, mais c’est sûrement un des seuls à avoir fait quelque chose d’un peu particulier en hommage à ce dernier. Après une relative courte vie à composer, notamment des sonates et des concertos, Tchaïkovski meurt d'un cancer du côlon à 46 ans en 1982. Après sa mort, ses dernières volontés sont respectées, son corps est alors donné à la science, tout son corps sauf son crâne. Non, lui est légué à la Royal Shakespeare Company l'une des troupes de théâtre britanniques les plus prestigieuses du Royaume-Uni.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Giuseppe Verdi, c’est l’un des compositeurs d’opéras italiens les plus importants du 19ème siècle. Ses œuvres comme Nabucco ou La Traviata qui vous disent peut-être quelque chose,  sont encore 200 ans plus tard jouées dans les opéras du monde entiers, faisant de lui un des acteurs influents du monde de l’art italien avec d’autres noms comme Gioacchino Rossini. A côté de ces accomplissements artistiques, Giuseppe Verdi était assez peu engagé politiquement, et malgré cela, il va devenir un des symboles de ce que l’on nomme le Risorgimento dans l’Italie morcelée du 19ème. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est un terme qui est étroitement relié au monde du cinéma et plus généralement au "star-system" et qui porte une connotation assez péjorative. Les paparazzis, ce sont ces photographes de presse qui ont pour spécialisation la vie privée des célébrités, le plus souvent pour la presse people, en France, pour Gala, Voici ou encore Paris Match. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les mouvements artistiques qui sont nés au début de 20ème siècle, et il y’en a eu beaucoup, nous nous arrêtons aujourd’hui un courant au nom assez énigmatique, et qui n’eut que deux artistes principalement pour le représenter, nous allons parler de l’Orphisme. Que se cache-t-il derrière ce nom opaque et mystérieux ? Hé bien, l’Orphisme, c’est un mouvement qui s’apparente à une forme plus abstraite et plus colorée du cubisme. Pour contextualiser, en ce début de siècle, certains artistes malgré des théories un peu divergentes s’accordent à penser qu’une nouvelle forme d’art doit se développer pour changer la société, une forme d’art qui prendrait plus radicalement le chemin de l’abstraction. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Que ce soit Bugs Bunny, Mickey Mouse, Tom et Jerry ou encore Bob l'Éponge, tous ces personnages de bande dessinée ont une particularité anatomique assez étonnante, le fait de n’avoir que 4 doigts à chaque main. Ce n'est pas forcément quelque chose que l’on remarque au premier coup d’oeil en regardant nos programmes favoris, mais une fois qu’on le sait, cela devient assez flagrant. Mais pourquoi donc les dessinateurs ont-ils adoptés cette manière de dessiner leurs héros ou leurs héroïnes ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez peut-être déjà utilisé ce que l’on nomme un faux-texte, qui sert alors généralement à bien calibrer une mise en page. Alors, qu’est ce que faux texte me direz vous ? Le faux texte est un assemblage de mots, sans forcément de significations qui est apposé sur une mise en page de manière provisoire, et qui sera une fois la mise en page ajustée, remplacée par le texte définitif, écrit par son auteur. Hé bien, le Lorem Ipsum, c’est un peu la référence dans ce domaine de faux textes que l’on retrouve le plus fréquemment en ligne. Généralement, ces morceaux de textes assemblés sont en latin, ou plutôt en faux latin, car ce sont des mots piochés et et accolés les uns à côté des autres.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Encore des expressions qui nous viennent du monde théâtral, après celle sur le quatrième mur la semaine dernière, nous nous attardons aujourd’hui, sur deux autres qui apparaissent comme plus péjoratives,et que je ne vous souhaite pas d’entendre souvent, "faire un bide" et "faire un four"... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous parlons aujourd’hui d’une artiste qui est devenue une véritable icône outre-Atlantique, et même si nous entendons moins son nom en France, vous avez peut-être déjà vu une des ses oeuvres. Georgia O'Keeffe est une figure à part dans l’art du 20ème américain qui reste à l’écart des grands courants, flirtant avec l’abstraction sans y tomber totalement, empruntant au figuratif sans s’y résoudre, tout en gardant un lien constant avec la nature et ses grands espaces. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez peut-être déjà entendu de cette expression étroitement rattachée au monde de la danse, celle qui évoque les petits rats de l’Opéra. Cette expression sert à désigner les jeunes élèves, généralement des jeunes filles qui étudient à l’Ecole de Danse de l’Opéra Paris et que l’on peut voir aux côtés des danseurs ou danseuses étoiles sur scène. De prime abord, cette qualification pourrait apparaître comme péjorative, de notre temps, mais en réalité, nous allons voir que l’explication qui se cache derrière les petits rats de l’opéra est toute autre. Pour écouter le podcast Affaires criminelles: Apple Podcast: https://podcasts.apple.com/us/podcast/affaires-criminelles/id1640810213 Spotify: https://open.spotify.com/show/4W6nRWNkr7B95TTt25ywNO?si=23e4eb85bc6440a7 Deezer: https://deezer.com/show/4522937 Google Podcast: https://www.google.com/podcasts?feed=aHR0cHM6Ly9mZWVkcy5tZWdhcGhvbmUuZm0vRk9ETDcwMDA3NTQ3MTU%3D Castbox: https://castbox.fm/channel/Affaires-criminelles-id5049360 Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est une des notions les plus médiatisées dans le monde à la base du spectacle vivant, mais qui s’est également développée sur d’autres supports, comme le cinéma ou bien les romans, je parle ici du fameux quatrième mur. Vous avez peut-être déjà entendu l’expression “briser le quatrième mur”, mais alors à quoi tout cela fait-il référence ? Originaire du théâtre, le quatrième mur est un mur imaginaire situé sur le devant de la scène, entre les comédiens et le public. Concrètement, avec cette notion les comédiens sur scène jouent comme s'ils ne voyaient pas de public en train de les observer. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour découvrir le podcast "Dodo, sons de la nature et bruit blanc": Apple Podcast: https://podcasts.apple.com/us/podcast/dodo/id1609342835 Spotify: https://open.spotify.com/show/5Y9yr2NlSPEX7mPbNiEWIf Deezer: https://deezer.page.link/v9kNaNjzDEjE1jfq9 Google Podcast: https://podcasts.google.com/feed/aHR0cHM6Ly9mZWVkcy5hY2FzdC5jb20vcHVibGljL3Nob3dzL2RvZG8tZGVzLW1vdHMtcG91ci1zZW5kb3JtaXI?ep=14 --------------------------------------------- Vous l’avez peut-être déjà vu passer sur les réseaux, le mot ultracrépidarianisme fait partie de la catégorie des termes à la mode. Revenu en force dans les discours, notamment avec la pandémie de Covid 19, l’utilisation du mot ultracrépidarianisme peut faire peur lorsqu'on l’entend pour la première fois. Pourtant, le comportement qui se cache derrière ce concept n’est pas si complexe à saisir. Le physicien et philosophe des sciences Étienne Klein le définit assez clairement, c’est le fait, pour une personne, de donner son avis sur des sujets à propos desquels elle n’a pas de compétences avérées ou crédibles. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être avez- vous déjà entendu la chanson Scatman du chanteur Scatman John, qui fut un succès international à partir de 1994, et dans laquelle le chanteur expose comment il a surmonté ses difficultés avec le fait de bégayer en les transformant en capacité à chanter. Cette chanson popularise et reprend un principe musical emblématique du jazz, le scat. Le scat, c’est une forme de jazz vocal, formé d’improvisation musicale à base d’onomatopées, d’imitations vocales d’instruments et autre en guise de parole. C’est une forme musicale qui laisse libre cours à l’improvisation sans que l’interprète n’est à se soucier des paroles, un peu comme des vocalises chantées... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il y a des aliments que l’on associe rapidement avec le 7ème art, on pense en premier lieu au popcorn, mais il en existe également d’autres, comme la glace esquimau dont le lien a été créé dans le temps et s’est défait peu à peu avec les années.. La glace esquimau, c’est à la base une crème glacée enrobée de chocolat et montée sur un bâtonnet commercialisée par la marque Gervais, qui a apporté ce concept en France, repris par la suite par des entreprises comme Magnum. Mais cette idée, avant d'arriver en France, elle avait été pensée aux Etats-Unis, précisément en 1919 par l'américain Christian K. Nelson. Inventeur danois, il trouve la propriété qui sert à fixer le chocolat autour du bâtonnet, lui permettant de développer son entreprise. Et c’est ici que le cinéma rejoint notre histoire.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les événements reliés au monde de la peinture, les vernissages sont des passages importants pour les artistes, qui précèdent traditionnellement l’exposition publique des œuvres. Un vernissage est généralement l’occasion pour un artiste d’inviter des personnalités, d’organiser une réception, un buffet et de pourquoi pas, commencer à vendre des toiles. A la base, pendant ce genre d'événement, les peintres en profitaient pour vernir directement sur place ses tableaux lors de séances prévues avant la visite du public, d'où le nom de vernissage. Le terme aura persisté dans le temps, même s’il est maintenant plus rare de voir des artistes vernir pendant un vernissage de nos jours. Notre artiste du jour, le célèbre peintre du 19 ème siècle William Turner, considéré comme le peintre de la lumière, avait lui-même la réputation d’apporter des changements importants à ses œuvres, la ou ses camarades se contenter de seulement vernir les leurs.  Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être que vous avez déjà vu, écouté ou lu une oeuvre de fiction que l’on pourrait ranger dans la catégorie de l’uchronie sans le savoir, car même si l'appellation en soi n’est pas des plus connus, hé bien le principe qui se cache derrière est lui bien utilisée depuis des années. Une uchronie, dans une histoire de fiction, c’est un genre , au même titre qu’un récit historique ou policier, qui repose sur un principe simple : une réécriture de l’histoire à partir de la modification du passé. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

A l’annonce de la mort de la reine Elisabeth II après 70 années de règne, à 96 ans, une des questions que l’on aurait pu se poser concernant l’hymne national anglais, God Save the Queen, Que Dieu protège la Reine c’est de savoir ce qu’il allait se passer. Cela a été annoncé officiellement, avec l'accession au trône de Charles III, l’hymne national va devenir God Save the King, avec une version masculinisée des paroles. Cela risque quelque peu de bouleverser les habitudes des britanniques qui entonnent ce chant depuis maintenant 1952. Mais d'où vient cet hymne anglais, God Save the Queen ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est sûrement l’un des hommes de lettres les plus célèbrés et les plus lus de son temps, nous parlons bien ici du dramaturge, poète, et écrivain français Victor Hugo. L’une des personnalités les plus importantes de la langue française, qui occupe une place marquante dans les arts du 19ème siècle, fut admiré de son vivant. Son œuvre reste au fond, étroitement lié à la France et plus précisément à sa capitale, on pense notamment aux “Misérables” ou encore à “Notre Dame de Paris” , et de ce lien, naîtra ce fait étonnant, mais bel et bien réel : Victor Hugo a habité dans une avenue à son nom à Paris. Mais alors, comment cela est arrivé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous sommes tous plus ou moins passés par la case dictée quand nous étions petits en cours de français, une épreuve qui pouvait alors effrayer plus d’une écolière ou d’un écolier. La dictée, c’est l’un des principaux moyens pour tester le niveau d'orthographe et de grammaire des élèves en France, un procédé qui s’est généralisé à partir des années 1850. Avant cela, les enseignants utilisaient ce que l’on nomme des cacographies, qui sont simplement des textes dans lesquels des fautes d'orthographe ont été volontairement faites afin d'entraîner les élèves à les détecter et les corriger. Bien que la dictée soit devenue avec le temps le symbole des épreuves redoutées par les enfants, notre histoire du jour se penche sur un autre rôle qu’elle occupa au 19ème siècle, celui de passe-temps pour les adultes. Cette tendance de dictée ludique, comme on pourrait dire, se développe à la cour de Napoléon III. A ce moment, l’Impératrice d’Eugénie, femme de Napoléon III, connait depuis longtemps l’écrivain francais et créateur de l’oeuvre Carmen, Prosper Mérimée. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous parlons d’un des courants considérés comme incontournable dans la peinture moderne, dont vous avez peut-être entendu parler à l’école au travers de ses grands représentants comme Claude Monet ou Edouard Manet. Alors , qu’est ce que l'impressionnisme ? Hé bien l'impressionnisme, c’est à la fois un mouvement qui regroupe des artistes qui ont exposé en marge du Salon Officiel à partir de 1874, nous en avons déjà parlé dans un podcast consacré au Salon des Refusés. Dans cette mouvance impressionniste, on retrouve ainsi des peintres comme Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Caillebotte, ou encore Berthe Morisot. Tous se rencontrent à la fin des années 1860 au café Guerbois pour discuter de théories artistiques. Maintenant, au niveau de l’esthétique, concrètement, qu’est ce que l'impressionnisme va apporter de nouveau dans le paysage artistique du 19ème siècle ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En voila un lien qui de prime abord pourrait paraître très étrange, d’un coté l’un des poètes les plus influents de langue anglaise William Shakespeare et de l’autre des étourneaux qui vivent sur le sol américain. Celui qu’on surnomme “le barde” a exercé une grande influence sur le monde des arts, que ce soit le théâtre, les romans, ou plus simplement la langue anglaise, cette dernière étant surnommée en français, la langue de Shakespeare. Mais les influences du père de Roméo et Juliette sur la faune américaine ont été beaucoup moins connus. Il faut dire que ce lien avec les étourneaux dont nous parlons n’est pas un lien direct. Mais, alors, quelle connexion bien qu’indirecte pourrait-il y avoir entre un des plus grands écrivains et dramaturge anglais et une espèce d’oiseaux ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

On aurait pu croire que cette histoire soit sortie de l’imagination de la célèbre romancière Agatha Christie. Pourtant, il n’en est rien, les faits sont bien la, et sont loin des scénarios fictifs que l’auteur fait vivre à ses personnages comme Hercule Poirot ou Miss Marple. En 1926, dans sa maison familiale du comté de Berkshire en Angleterre, la célèbre romancière Agatha Christie disparaît subitement et ne donne plus signe de vie pendant près de 11 jours. Dans la nuit du 3 au 4 décembre 1926, vers 22h après avoir fait remettre une lettre à son mari et à sa secrétaire, “la reine du crime” et s’en va au volant de sa voiture grise. Mais à ce moment-là, personne ne connaît sa destination. Ce n’est que le lendemain que sa voiture est retrouvée abandonnée avec à l'intérieur son manteau de fourrure, son permis de conduire et un sac à main, Agatha Christie, elle reste introuvable... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les mouvements de caméras que l’on peut retrouver sur nos écrans, l’effet Vertigo est sûrement l’un des plus renommés, un effet auquel son créateur, Alfred Hitchcock aura songeait de nombreuses années avant de le mettre en place. D’abord, l’effet Vertigo, c’est quoi ? C’est un mouvement de caméra au cinéma, qui va donner l’impression de prendre du recul sur la scène, tout en faisant se rapprocher les éléments au centre de l’objectif. En fait techniquement, l’effet Vertigo est un travelling arrière, un mouvement arrière, que l’on combine avec un zoom avant. C’est cet effet, qui va par exemple, faire en sorte que le sujet filmé ne change pas de taille apparente, alors que l'arrière-plan s’élargit au contraire. Généralement, l’effet Vertigo sert à retranscrire le malaise d’un personnage, et c’est dans cette optique qu’il fut utilisé pour la première fois par son créateur, le célèbre maître du suspense, Alfred Hitchcock. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe tellement de figures de styles dans la langue française que l’on pourrait passer une vie entière sans en rencontrer certaines, et notre exemple du jour peut facilement faire partie de cette catégorie. Et plus qu’un simple exemple insolite des possibilités que nous réserve notre langue, les vers holorimes peuvent mettre en valeur l’importance de la grammaire et de l'orthographe de certains mots que nous utilisons. Mais alors, les vers holorimes c’est quoi ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être avez vous déjà entendu parler ici ou ailleurs de ce qu’était le Salon dans la seconde moitié du 19ème siècle. Le Salon était une exposition périodique de peinture basée à Paris. Concrètement, le Salon au 19ème siècle est coordonné par l’école des beaux arts, et sélectionne les tableaux qui forment aussitôt ce qu’on appelle l’art officiel, c’est à dire l’art académique. C’est le fameux art pompier dont on a parlé dans un autre épisode, l’art académique considéré comme celui d’une catégorie sociale privilégiée, largement opposé aux expériences des romantiques, des réalistes et des impressionnistes. Un succès au Salon peut ainsi rapidement assurer la renommée officielle d’un artiste, ce qui veut dire plus de commandes et de clientèle à la clé . Mais les places sont chères, et pour qu’un artiste se voit accepter un tableau, il faut alors que ce dernier corresponde en chaque point à ce que voulait l’école des beaux-arts. Vous vous doutez bien, qu’avec autant de points à respecter de la part de cette institution, les peintres recalés sont nombreux. Et c’est ici qu’intervient notre Salon des Refusés... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans le milieu théâtral, la répétition, qui est appelée également le filage, est un exercice nécessaire à la bonne mémorisation du texte de la pièce par les comédiens, sous l'œil attentif du metteur en scène. Elle représente un des enjeux majeurs d’une pièce, et permet entre autres, le réajustement au fil des représentations de certains éléments, mais aussi l’apprentissage corporel des placements et du positionnement des corps face aux décors. Mais, au théâtre, avant d’arriver à la générale, la dernière répétition accueillant la totalité de la pièce dans les conditions de mise en scène de la représentation publique, souvent en compagnie de la presse, il existe alors plusieurs étapes de répétitions qui ont un rôle bien précis. Mais alors où intervient la répétition à l’italienne, et que représente-elle concrètement ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous vous en doutez, la combinaison entre surdité et virtuosité peut apparaître comme très complexe, notamment pour un musicien. Et pourtant, en examinant l’histoire du célèbre compositeur Beethoven, nous arrivons au constat que la perte de l'ouïe n’est pas irrémédiablement synonyme de fatalité. Ludwig Van Beethoven, compositeur de génie allemand, aura marqué l’histoire de la musique, et ce malgré une importante surdité qui le toucha à partir de ces 27 ans. Inclassable, représentant la figure de l’artiste libre et indépendant, le virtuose né à Bonn en Allemagne en 1770 n’aura cessé de montrer son talent en improvisation et son indiscutable capacité de composition en dépit de sa perte de l’audition. Comment Beethoven a-t-il vécu sa surdité, et comment cela s'est-il traduit dans ces œuvres ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les éléments de notre ponctuation, il existe un signe que nous ne voyons presque jamais, et pourtant son existence est bel et bien attestée, je parle ici du point d’ironie. Oui, le point d’ironie est un signe de ponctuation qui apparaît un petit peu en décalage avec ses camarades, comme le point d'exclamation ou d’interrogation. Il sert comme son nom le suggère à indiquer qu’une phrase doit être prise au second degré, et pour ce faire il suffit de le positionner à la fin de cette dernière. Mais alors, à quoi ressemble t-il ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Aujourd’hui le terme “tube” désigne bien de façon familière un titre musical qui rencontre un grand succès commercial ou populaire. Outre le fait qu’il semble en perte légère d’inertie ces dernières années, il est considéré comme la version française de l’anglicisme “hit”. Mais alors comment est-on arrivé à associer le terme tube au domaine musical, au fil des années ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nourri par les influences de sa jeunesse et par ses diverses luttes, le peintre Jean-Michel Basquiat va devenir dans les années 70 et 80 un artiste majeur d’avant garde de la culture underground new yorkaise. En 1976, âgé d'à peine 16 ans, au même moment ou Keith Haring recouvre les murs de ses Radiats Babies, Jean Michel Basquiat va se faire connaître en graffant près des galeries d’art de Manhattan le mot SAMO, qui signifie Same Old shit, pour faire référence au quotidien des jeunes afro américains. Sa créativité lui servant à exprimer ces réflexions, mais également son intérêt pour des thèmes comme la lutte pour la cause afro-américaine, la musique jazz, le corps humain, ou encore la religion l’amène rapidement vers les galeries d’arts. La couleur et les mouvements de sa peinture transmettent pour l’époque l’énergie de toute une génération, il devient à 23 ans en 1983 le plus jeune artiste jamais exposé à la Biennale du Whitney Museum of American Art, musée d’art à Manhattan. Parmi les éléments récurrents de sa peinture, on peut retrouver le symbole de la couronne, mais alors que représente-elle pour l’artiste Basquiat ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne, tout au long de la semaine des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 28 aout, des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peter Parker, Bruce Banner, Otto Octavius ou encore Stephen Strange, tous ces noms de superhéros issus de l’univers Marvel ont une chose en commun, le fait d’avoir deux lettres identiques en guise d’initiales. Alors vous vous doutez qu’a cette fréquence, ceci n’est pas une simple coïncidence, c’est un véritable phénomène développée dans l’univers construit par la société Marvel Comics, plus simplement appelée Marvel, mais alors comment cela se fait-il ? Hé bien, nous allons voir que cela est dû principalement au scénariste américain Stan Lee. Stan lee, c’est l’homme qui a imaginé de nombreux personnages de super-héros chez Marvel, nous pouvons même aller jusqu'à dire des milliers de personnages qui constituent la base de l’univers.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être que sans le savoir, vous avez déjà assisté à ce que l’on appelle un Deus ex Machina dans une œuvre théâtrale. Littéralement Dieu sorti de la machine en latin, le Deus ex Machina qualifie à l’origine l’intervention sur scène d’une divinité, qui ne suit pas forcément la logique du récit mais qui pourra alors résoudre une situation qui était jusqu’alors désespérée. Mais avec le temps, l’expression s’est élargie et désigne dans une œuvre de fiction un événement inattendu et improbable qui vient régler les problèmes du protagoniste à la dernière minute. En somme, ce procédé théâtral scénaristique permet au dramaturge de pouvoir conclure sa pièce de la manière dont il désire, c’est un peu sa carte joker, dont il se sert pour faire correspondre son intrigue à sa guise.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez peut-être déja regarder une cérémonie de remise de prix comme les Césars ou son équivalent américain, les Oscars. Que ce soit en version française ou anglaise, ces soirées qui célèbrent le cinéma et récompense tous ses acteurs nous montrent chaque année des moments qui peuvent rapidement devenir délicats, les discours des vainqueurs. Selon la personne qui a été récompensée, le discours de remerciement peut être plus ou moins long et surtout plus ou moins ennuyeux. Nous allons voir que nos deux cérémonies ont fait en sorte de pouvoir prévenir ces fameux moments de flottements que l’on redoute.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être avez vous déja entendu une personne dire d’un enfant qu’il est à croquer, peut-être que vous avez vous même déjà employé ces mots par le passé. Alors que l’on pourrait penser que cette expression à croquer est une formule qui tend à la limite du cannibalisme, en réalité il n’en est rien, nous allons le voir. On utilise généralement cette expression pour faire savoir que quelque chose ou quelqu’un est très beau, et qu’il est impossible d’ignorer sa beauté. Mais alors, pourquoi dit-on de quelqu’un qu’il est à croquer ? Dans les faits, l’origine de l’expression est à aller chercher dans le monde de l’art.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous l’avons vu dans plusieurs épisodes, le lexique du théâtre accueille un vocabulaire bien spécifique que ce soit sur scène, côté comédiens ou bien dans la salle côté spectateurs. Nous nous penchons aujourd’hui sur un lieu que l’on retrouve dans tous les théâtres et les opéras, et qui porte un nom assez singulier: le poulailler. Alors qu’est ce que le poulailler ? Avec ce nom, on aurait pu penser qu’il s’agissait de la partie la plus basse collée à la scène, mais bien au contraire, le poulailler désigne le dernier étage d'une salle de théâtre à l’italienne, au-dessus de toutes les loges et de tous les balcons... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ce sont sûrement les gaulois les célèbres de France, qui sont encore de nos jours ancrés dans la culture populaire, autant sur leurs supports d’origine, la bande dessinée, que sur les dérivés arrivés avec le temps, comme le cinéma. Astérix et Obélix sont devenus des figures incontournables de la bande dessinée, plébiscités par le public, que de chemin parcourue depuis leurs première apparition dans le journal Pilote pour son lancement le 29 octobre 1959. Parmi les éléments récurrents de l’univers de nos deux gaulois, le fait que les prénoms des personnages soient composés à partir de jeux de mots, auxquels on ajoute un suffixe particulier, comme ix pour les gaulois ou us pour les romains. Mais alors, pourquoi avoir choisi les prénoms d’Astérix et Obélix pour nos deux protagonistes principaux ? Hé bien nous allons voir cela. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez peut-être l’artiste Marcel Mangel, qui acquis une renommée internationale avec son personnage silencieux dans la seconde moitié du 20ème siècle. EN fait, vous le connaissez surement mieux sous son nom de scène de Marcel Marceau, que l’on associe souvent avec la spécialité qui fera sa célébrité, le mime. Grace à ses gestes universels, ces “cris silencieux”, et aux émotions qu’il arrivait à transmettre avec son corps, il devint certainement l’un des français les plus connus du monde à sa mort en 2007 Mais alors, pourquoi Marcel Mangel a-t-il pris le synonyme de Marceau ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Quand on pense portrait en peinture et sourire, notre esprit nous ramène rapidement à l’unes des œuvres les plus célèbres de l’histoire de l’art : La Joconde. Hé bien, figurez vous que nous ne tombons pas si loin de la réponse attendue. En effet, avec ce visage et cette bouche si mystérieuse, le sourire de Mona Lisa contribue à construire un mythe, le mythe d’un portrait énigmatique qui traverse les générations depuis 1503, année de sa création. Mais figurez vous que La Joconde n’est pas le premier portrait présumé souriant en soi de la peinture occidentale mais bien le second, Mais alors quel est donc ce fameux premier portrait occidental qui montre un sourire ? Hé bien, il s’agit d’un tableau que l’on nomme de manière non officielle« Portrait d'un marin inconnu “... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Voilà un mot de vocabulaire qui paraît de prime abord un peu obscur ou péjoratif, mais loin de cela, le bousillage renferme une véritable pratique atypique et unique. Le bousillage correspond ainsi à une coutume qu’avaient les ouvriers à partir de la fin du 19ème siècle qui travaillaient le verre à utiliser leurs temps de pause pour réaliser des pièces originales et uniques. Pour développer ce qu’est véritablement le bousillage, il faut poser un peu de contexte. Au 19ème siècle et au 20ème siècle, dans les industries, le fait pour les ouvriers de faire de la perruque, c'est-à-dire, à travailler pour son propre compte, en fraude, sur le temps de travail, avec les matériaux de l'entreprise, est très répandu.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le très célèbre héros Sherlock Holmes est devenu avec le temps le symbole même du détective privé, appuyé par son univers aux influences fortes de l’époque victoriennes, et par les personnages qui l’entoure, comme le fameux docteur Watson. Le personnage né des mains de l’écrivain anglais Sir Arthur Conan Doyle dans le roman policier Une étude en rouge en 1887. Au fur et à mesure des nouvelles, le personnage et les intrigues qu’il tente de résoudre marquent le public, qui reconnaît alors une façon nouvelle de construire une histoire policière, des années avant Agatha Christie. Mais en 1891, 4 ans seulement après la première apparition de son héros, Conan Doyle choisit de faire disparaître pour toujours Sherlock Holmes..... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il y a parfois des œuvres d’arts qui appellent d’autres œuvres d’art. C’est précisément le cas du réalisateur britannique Ridley Scott, adepte des grosses productions cinématographiques. Au début des années 2000, RIdley Scott, après une relative discrétion dans les années 1990, se fait remarquer pour avoir réalisé le peplum Gladiator, qui connaitra un succès commercial et critique avec 5 Oscars obtenus dont celui du meilleur film et du meilleur acteur. Peut-être vous souvenez vous de l’intrigue : la chute d’un général romain qui va devenir esclave, pour ensuite conquérir le cœur du peuple romain par ses talents de combattant dans l'arène du Colisée et finalement affronter son ennemi. Mais alors, comment Ridley Scott a-t-il été convaincu de s’engager dans un tel projet ? Hé bien, cela s’est fait grâce à une huile sur toile réalisée en 1872 par le peintre français Jean-Léon Gérôme. Jean-Léon Gérome, son nom ne vous dit peut être rien, et pourtant il fut l’un des artistes français les plus célèbres de son temps.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être l’avez vous vu passer, en 2020, l’écrivain français Hervé le Tellier obtient le prix Goncourt, un des plus prestigieux prix littéraire français, avec son roman L’anomalie. Cet artiste été alors président depuis 2019 de l’oulipo, s’inscrivant comme l’un des continuateur les plus médiatisés d’un mouvement né au milieu du XXe siècle. Mais alors, concrètement, qu’est ce que l’Oulipo, dans quel but ce groupe a-t-il été créé ? Hé bien, nous allons voir que ce rassemblement littéraire a un lien direct avec les mathématiques. L’Oulipo, c’est déjà un acronyme, qui signifie L'Ouvroir de littérature potentielle, que l’on peut traduire plus concrètement comme l’atelier pour fabriquer de la littérature. Le projet du groupe est simple : découvrir de nouvelles potentialités de langage et inventer de nouvelles formes d’expressions au travers de jeux d’écritures..... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les éléments que l’on attache à l’artiste post-impressioniste Vincent Van Gogh dans l’inconscient collectif, on peut citer sa nuit étoilée, ses tournesols, mais également le fait qu’il se soit coupé l’oreille. Cet ancien marchand de tableau développa un style aux couleurs chaudes combiné avec une puissance de touches qui renvoient à des émotions intenses, comme pour dépeindre ce qu’il ressentait. Événement tragique de l’histoire de l’art, le mystère a longtemps planer quant aux motivations de l’artiste qui souffrait déjà à ce moment-là d'hallucinations visuelles et auditives liées à son état mental. Mais alors, comment et pourquoi a-t-il commis un tel geste ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’année 2022 est une année symboliquement importante pour l’Irlande, puisqu’on y fête un double centenaire : celui de la fondation de la république irlandaise mais également celui de la publication du roman "Ulysse" de James Joyce. 100 ans donc, que ce romancier, devenu l’un des plus influents du XXème siècle, a partagé sa grande fresque romanesque Ulysse, dans laquelle de nombreuses façons d’écrire sont expérimentées par l’auteur., Vous vous en doutez avec ce titre, James Joyces structure ce roman complexe et technique en prenant appuie sur l’Odyssée d'Homère, pour décrire la journée banale d’un habitant Dublinois, nommé Léopold Bloom. En Irlande, et plus précisément à Dublin, tous les ans, le 16 juin, une fête est organisée pour célébrer la vie de cet écrivain, on la nomme en anglais le Bloomsday. Après la Saint-Patrick, le Bloomsday est la plus importante fête célébrées par la population irlandaise dans le monde.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sans doute au moins de nom le groupe américain de hard rock nommé Kiss. Connu pour des titres comme "I was made for Loving You", avec plus de 150 millions de disques vendus dans le monde, le groupe  est également célèbre pour le maquillage et les costumes très caractéristiques de ses membres. Mais les Kiss se sont également révélés être de bons vendeurs de produits dérivés, commercialisant à leur effigie des  figurines, jeux de société, jeux de cartes et jeux vidéo qui ont fini par envahir le marché mondial. Et nous nous intéressons aujourd’hui à un type de produit dérivé particulier développé par le groupe de hard-rock, la bande dessinée. Toujours dans cette logique de publicité qui se révèle être très rentable pour le groupe, ce dernier conclut un partenariat avec la société Marvel Comics en 1977.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les nombreux mouvements artistiques qui se développent au 19ème siècle, le réalisme, le romantisme, un pourrait attirer l’attention par son nom qui semble détoner du reste du groupe. Nous parlons bien ici de l’art pompier, qui est aussi connu sous le nom d’art académique, apparu dans le milieu du 19ème. Mais alors concrètement qu’est ce que l’art pompier ? Hé bien, c’est donc ce que l’on considère comme l’art officiel de la seconde moitié du 19ème siècle, qui apparaît comme celui d’une catégorie sociale privilégiée, largement opposé aux expériences des romantiques, des réalistes et des impressionnistes... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Construit par le roi François 1er à partir de 1519, le château de Chambord situé dans le Loir et Cher, est l’édifice le plus vaste des châteaux de la Loire. En 1930, il est racheté par l’Etat Français à la famille héritière, et rentre ainsi dans un système de gestion public. C’est dans ce contexte-là que le château de Chambord devient entre 1939 et 1945 un des éléments importants en ce qui concerne la protection des œuvres d’arts du pays. Mais alors comment cela s’est-il passé ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est un terme que l’on entends de plus en plus souvent ces derniers temps, et pourtant il n’est pas nouveau, son origine remonte au 18ème siècle et nous allons voir qu’elle est liée au Sri Lanka. Je m’explique. La sérendipité, peut-être la connaissez vous, c’est l’art de trouver ce que l’on ne cherche pas, en d’autres termes, c’est un mot qui désigne l’action de faire par hasard ou par intuition une découverte qui donnera des résultats positifs.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Alice Prin, alias Kiki est l’une des plus célèbres artistes françaises du quartier de Montparnasse. Chanteuse, danseuse mais également peintre, Kiki de Montparnasse mena une vie intense, alternant entre monde de la nuit et des cabarets et cercles d’intellectuels de la première partie du 20ème siècle. Surnommée la reine de Montparnasse, elle fut un modèle et une muse pour beaucoup d’artistes, allant du peintre Foujita, dont il tira un tableau nommé Nu couché à la toile de Jouy, qui fut un succès public, jusqu'à bien évidemment le photographe Man Ray. C’est ensemble, en 1924, qu’ils réalisent une photographie en noir et blanc nommée Le violon d’Ingres... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il est possible de confondre ces deux courants que sont l’art naïf et l’art brut, car ces derniers partagent quelques caractéristiques en commun. Néanmoins, nous allons voir que malgré le constat d’une base commune, ces deux formes d’expressions artistiques se différencient sur divers plans. D’abord, l’art naïf et l’art brut partagent tout deux le fait de ne pas être des mouvements académiques, qui sont alors pratiqués par des personnes dépourvues de culture artistique au sens théorique du terme, et qui sont généralement autodidactes.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe de nombreux termes qui nous ont étés légués directement du vocabulaire argotique, et notre mot du jour, le mot loufoque fait partie de cette liste. Seulement, le terme loufoque nous vient d’un argot bien particulier, que l’on nomme le Louchebem.  Le Louchebem est un jargon qui était essentiellement employé dans le milieu des bouchers et des bouchères parisiens à partir du milieu du 19ème siècle. A quoi servait cet argot ? Comme pour tous les argots, le Louchebem avait des fonctions culturelles et pratiques bien définies.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déjà parlé de ce qu’était un Macguffin au cinéma, l’objet d’une intrigue que l’on ne voit jamais à l’écran, et aujourd’hui, nous allons évoquer l’équivalent du Macguffin pour les personnages dans les œuvres de fiction. Peut-être connaissez vous l’expression qui concerne l’Arlésienne. Tiré de la pièce d’Alphonse Daudet du même nom, elle désigne une personne ou une chose dont on parle tout le temps mais que l’on ne voit jamais, car l’intrigue de l'œuvre de Daudet repose sur ce principe. Mais alors qu’en est-il de l’Arlésienne dans l’art et dans les œuvres de fiction ? Hé bien, dans la même logique, au théâtre ou entre autres au cinéma, une arlésienne est donc un personnage fictif décisifs d’une intrigue, mais qui n’apparait jamais à l’écran en chair et en os pour différentes raisons.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

De manière générale, les logos de marque sont l'œuvre de graphistes ou de communicants travaillant pour l’entreprise en elle-même, mais il existe quelques exceptions dont Chupa CHups fait partie. On pourrait ainsi dire en extrapolant un peu qu’au même titre que La persistance de la mémoire, le logo Chupa Chups est une œuvre de Salvador Dali. Mais alors comment se fait-il que l’artiste surréaliste ait ainsi accepté de collaborer avec une marque de sucette ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être connaissez vous l’un des symboles du cinéma américain, les fameuses lettres blanches qui forment le mot Hollywood, peut-être même avez vous eu la chance de les voir en vrai. Mais alors, pourquoi a-t-on dressé sur une colline le nom de ce quartier de Los Angeles ? Nous allons voir qu'initialement, ce projet n’est pas tant lié au domaine cinématographique, mais plutôt au secteur immobilier... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous parlons bien de ce que l’on considère actuellement comme un des symboles français, une chanson qui a à la base était écrite à Strasbourg par un soldat Jurassien pour être par la suite scandée en chœur par des révolutionnaires à Paris. Nous sommes donc en droit de nous demander pourquoi cette hymne qui a tant voyagé, fut finalement nommée en hommage à cette si vieille cité phocéenne, Marseille. Hé bien nous allons voir cela.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le célèbre auteur des Fleurs du Mal restera dans l’histoire comme un homme partagé entre la lumière et l’obscurité. Son œuvre réaliste elle-même, reflète cette dualité, ce combat permanent entre la lueur et les ténèbres. Albert Camus avait Maria Casarès, Victor Hugo avait Juliette Drouet et bien Charles Baudelaire avait Jeanne Duval.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe différentes techniques scénaristiques que l’on retrouve fréquemment dans des longs métrages, et nous allons parler de l’une d'entre elles, qui se nomme l’impasse mexicaine et que l’on peut admirer particulièrement dans les films d'action. Peut être avez vous en mémoire l’une des scènes restée célèbre du film  Le Bon, la Brute et le Truand (1966) de Sergio Leone, l’affrontement final entre les trois protagonistes. Hé bien, cette scène devenue l’un des symboles du genre western constitue un bon exemple de ce qu’on appelle une impasse mexicaine. Concrètement, l’expression au sens strict, désigne donc une situation dans laquelle minimum 3 individus se menacent, et ou aucune des personnes impliquées n’aurait intérêt à attaquer en premier. Ainsi dans une scène d’impasse mexicaine, la stratégie gagnante consiste tout simplement à attendre qu’un autre agisse, ce qui finit par bloquer toute forme d’action.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Chaque artiste développe et entretient des méthodes de travail qui lui sont propres, et nous allons voir que l’écrivain Gustave Flaubert avait une façon bien à lui de fluidifier ces phrases. Pour cet auteur majeur du 19ème siècle, le travail sur la sonorité de ses textes et l’équilibres de sa prose était alors essentielle. "Il est 1 h. du matin. Je ne sais pas comment je n’ai pas la poitrine défoncée, depuis 4 h. que je hurle sans interruption." Voici ce qu’écrivait Gustave Flaubert, exposant ainsi en plus de son emploi du temps nocturne une technique qu’il affectionnait particulièrement pour affiner son style. Mais alors, quelle est donc cette habitude prise par l’écrivain ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En août 2010, l’écrivain français Maxime Gellio lance sur Facebook un défi d’écriture qui réunit 80 auteurs. En respectant les contraintes du réseau social, pas plus de 480 caractères, les 80 contributeurs ont pu ainsi construire tour à tour un récit sur un tueur à l’andouillette en suivant une version numérique de ce que l’on appelle un cadavre exquis. Peut-être avez-vous déjà entendu parler du jeu du cadavre exquis, peut-être même y  avez-vous déjà joué, mais connaissez-vous son histoire qui est assez originale. Le cadavre exquis, c’est une création ludique d’écriture, ou de dessin collective, qui a été imaginée par le groupe artistique des surréalistes, et notamment par Jacques Prévert, à partir de 1925... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être avez vous été témoin en novembre dernier de l’oeuvre réalisée en hommage aux artistes Christo et Jeanne-Claude : l’arc de triomphe recouvert de toiles blanches qui sera resté au total 2 semaines comme cela et aura accueilli 820 000 visiteurs. Cette image de la rencontre entre l’art contemporain et l’architecture, les artistes Christo Vladimiroff Javacheff et Jeanne-Claude Denant en ont fait leur marque de fabrique. En 1962, l’idée d’emballer l’arc né dans la tête du couple en contemplant l’édifice de la fenêtre de leur appartement. C’est ainsi après leur mort que se concrétisera l’un de leurs projets artistiques les plus ambitieux, symbolisant l’entoilement final d’une œuvre riche placée sous le signe de la démesure. A côté de cet arc, les artistes auront recouvert le Pont Neuf à Paris, des mètres carrés d'îles, ou encore le Reichstag à Berlin. Mais alors, qu’est ce qui a amené le couple d’artistes à emballer des monuments Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peut-être avez vous déjà entendu en allant voir une pièce de théâtre, ces fameux trois coups qui sont déclenchés au commencement d’une représentation. Dans la tradition théâtrale, ces 3 coups sont alors frappés avec ce que l’on appelle un brigadier. Un brigadier, ce n’est pas un général de brigade rassurez vous, mais bien un bâton souvent fait avec un morceau de bois du théâtre, du velours et des clous dorés construit pour avertir le début d’une pièce, qui est martelé sur le plancher du théâtre. Pourquoi appelle t-on ce bâton comme cela ? Hé bien, cela vient du fait que les régisseurs de théâtre travaillaient souvent en équipe, ou comme on disait en brigade. Le régisseur qui dirigeait l’équipe était alors appelé le brigadier. C’était donc à lui que revenait la tâche de frapper le sol avec le bâton, pour envoyer le signal de lancement, et avec le temps, le terme de brigadier s’est alors transmis au bâton en lui-même pour le qualifier. Maintenant que l'on en sait un peu plus sur l’objet, concentrons-nous sur son action. Pourquoi tape-t-on trois coups avant chaque représentation ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous vous doutez que certains détails au cinéma qui peuvent apparaître comme anecdotiques pour la majorité des spectateurs déclenchent parfois quelques petits problèmes. Prenons parmi la liste d’exemples un point bien connu, les numéros de téléphones. Voilà un enjeu particulier qui s’est développé dans le 7ème art, comment ne pas afficher un numéro qui existe réellement, sans pour autant pénaliser la vraisemblance d’un film ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il est certainement considéré comme l’un des baisers, si ce n’est le baiser le plus célèbre de l’histoire de la photographie, nous parlons bien ici du Baiser de l'Hôtel de Ville, un cliché aux airs romantiques pris par le français Robert Doisneau. Sur cette photo en noir et blanc, on peut y voir représenté au centre un couple s’embrassant. Un instant de tendresse et d’amour, en plein milieu de l’ébullition qui prend place rue de Rivoli à Paris devant l’ombre de l'hôtel de ville. Cette photographie, qui fête aujourd’hui ses 72 ans, vole un baiser qui semble stopper la course du temps.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le lien entre des syndromes et l’écrivain français connu sous le nom de plume de Stendhal, est en général présenté sous sa forme la plus connue, tout simplement,  le syndrome de Stendhal. Et pourtant, ce n’est pas le seul syndrome a être relié à l'œuvre d’un des grands représentants du roman français au xixe siècle. En effet, il existe également le syndrome de Brulard. Mais là où le syndrome de Stendhal renvoie à des troubles chez des voyageurs exposés à des œuvres d’arts qui prennent une signification particulière pour eux, à quoi correspond le syndrome de Brulard ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

C’est un des symboles les plus célèbres du 7ème art, qui a traversé le temps et les innovations technologiques pour rester encore de nos jours aussi indispensable qu'à ses début, nous parlons bien du clap. Nommé par rapport au bruit caractéristique qu’il émet, le clap est donc cet outil utilisé sur les tournages depuis l’avènement du cinéma muet. Mais alors concrètement, nous le voyons notamment dans les making-of de nos films préférés mais à quoi sert-il vraiment ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les éléments de notre ponctuation, il existe un signe que nous ne voyons presque jamais, et pourtant son existence est bel et bien attestée, je parle ici du point d’ironie. Oui, le point d’ironie est un signe de ponctuation qui apparaît un petit peu en décalage avec ses camarades, comme le point d'exclamation ou d’interrogation. Il sert comme son nom le suggère à indiquer qu’une phrase doit être prise au second degré, et pour ce faire il suffit de le positionner à la fin de cette dernière. Mais alors, à quoi ressemble t-il ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pierre augustin Caron de Beaumarchais était un personnage haut en couleur du 18ème siècle, à la fois dramaturge et entre autres, espion et marchand d’armes pour le roi. Figure empreinte de l’esprit des lumières, il connaîtra un réel succès dans le théâtre, alors même que sa carrière de dramaturge reste pour lui secondaire. Il écrivit 6 pièces dont celles qui ont fait sa renommée restent Le Barbier de Séville, et le Mariage de Figaro, qui n’est qu’un sous-titre à sa pièce nommée La Folle Journée. Avec cette dernière par exemple, son utilisation de toutes les formes de comiques et son esprit satirique envers la société de son époque, en l'occurrence la noblesse ,le place dans le digne héritage du style de Molière. Mais alors, pourquoi Beaumarchais est-il à l'origine de la première loi concernant le droit d’auteur ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Qui aurait pu croire que l’un des écrivains les plus lus et célébrés de notre langue française ait pu à ce point être boudé par une institution comme l’Académie Française. L’auteur des vingts volumes de la fresque romanesque des Rougons Macquart, Emile Zola, est le romancier qui fut le chef de file du naturalisme. Concrètement, il s’attachait ainsi dans ses récits à dépeindre la réalité telle quelle grâce à une combinaison d’informations et d’observations récoltées, comme ce fut le cas pour la condition des ouvriers dans son livre Germinal. Journaliste littéraire, politique, nouvelliste et romancier, Emile Zola aura de son vivant connu le succès. Tant de facettes d’une personnalité qui n’auront pas convaincu l’Académie Française de lui laisser une place parmi les Immortels. Mais alors pourquoi tant de refus face à un écrivain de la trempe d’Emile Zola ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons toutes et tous affaire dans nos boites mails à ce que l’on appelle communément des Spam, ou en version francisée de façon beaucoup moins courante des Pourriel. D’abord précisons un peu ce qu’est un SPAM, c’est une communication électronique non sollicitée , en général effectuée à des fins publicitaires. Il reste dans notre vie numérique fortement présent, et représentait dans les années 2010 plus de la moitié des courriers qui étaient envoyés dans le monde. Et si je vous disais que ce terme a été forgé à partir d’une marque de viande précuite créée en 1937, à la base utilisée par les soldats pendant le Seconde Guerre Mondiale. Mais alors, comment est-on passé d’une boîte en conserve à des messages électroniques non désirés ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe de nombreux genres relativement peu connus en peinture, car peu représentés ou alors tombés en désuétude avec le temps. Les genres de la nature morte, du portrait, ou du paysage vous disent peut-être quelque chose, mais saviez-vous ce que représente une bambochade ? Drôle de nom pour une catégorie d’art pictural, mais pourtant, la bambochade aura un temps eu sa place dans l’art académique au travers des frères peintres, les frères Lenain, et aura séduit critique comme public. La bambochade autrement appelée la bamboche, représente généralement un petit tableau, c’est important,  qui a pour sujet une scène de campagne ou bien au contraire une scène citadine, montrant le quotidien du peuple de manière burlesque... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Radhia Novat, plus connue sous le nom de Miss.Tic était une street-artiste connue française pour ses pochoirs poétiques engagés dispersés sur les murs de Paris et des autres villes de France. Elle est décédée il y a peu, le 22 mai 2022 à 66 ans, laissant derrière elle une oeuvre de street art poétique et féministe. Peut-être avez vous déjà croisé une de ces oeuvres dans la rue, pour les reconnaitre, rien de plus simple, au pochoir noir avec de légères teintes vives, une phrase poétique et inspiré est écrite accompagnée de silhouettes de femmes brunes ou d’hommes dansant, chantant, s’embrassant. Ces phrases forment la plupart du temps un jeu de mot comme “Je prête à rire mais je donne à penser”, “Pas d'idéaux, Juste des idées hautes” ou encore “J'enfile l'art mur pour bombarder des mots coeurs. D’abord d'où vient son pseudonyme Miss.Tic ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les mots dont on attribue la paternité à des écrivains ou des poètes ont toujours un petit quelque chose en plus. En ce qui concerne la création ou la popularisation d’expressions comme nous l’avons vu avec Boris Vian et le tube, ou bien encore Victor Hugo et le mot pieuvre, nous ne manquons pas d’exemples dans la langue française. Mais notre mot du jour est un peu particulier, il fut un temps oublié pour être finalement réintroduit de manière étonnante dans notre vocabulaire. Peut-être y avez-vous assisté, le 21 septembre 2000, le président français de l’époque Jacques Chirac, donne une interview sur France 3. C’est durant cet entretien qu’il qualifie d’abracadabrantesque des accusations posthumes sur des financements occultes de son parti. Le terme se serait selon Le Monde à partir de ce moment la popularisé et sera par la suite utilisé dans les médias. Sa définition était alors entendue comme synonyme d’« abracadabrant », invraisemblable. Mais alors quelle est l’histoire de ce néologisme ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Je ne vous apprends rien si je vous dis que Michel-Ange fut sans conteste le plus grand artiste européen de son temps, inspirant à ses contemporains un respect profond. Né à Caprese en Italie en 1475, Michelangelo Buonarroti va pendant sa longue carrière, manifester aussi bien en peinture qu’en sculpture une maîtrise des nus masculins, mêlée à une spiritualité intense qui se retranscrit dans ses choix de sujets. Son œuvre exerce une importante influence sur des générations entières d’artistes, inspirant le mouvement du maniérisme qui se développe dans la renaissance tardive. Michel-Ange se concentre sur des sujets sérieux et religieux traités la plupart du temps dans une grandeur de l’ordre du surhumain. La statue de David, celle de Moïse, La création d’Adam dans la chapelle Sixtine, tant d'œuvres marquantes de l’artiste qui reste ancrées dans l’histoire de l’art. Mais alors, quelle est donc la seule création de Michel-Ange qu’il a signée de son nom ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Reconnu dans le monde entier pour son travail en tant qu’artiste, Andy Warhol aura été dans la seconde partie du 20ème siècle une personnalité prolifique de l’histoire de l’art et l’un des principaux représentant du Pop-Art. Le Pop-art, c’est un mouvement qui va dominer la scène artistique américaine et anglaise des années 1960, et qui va remettre en cause la distinction entre culture savante et abstraite. S’opposant à l'élitisme de l’art abstrait d’après-guerre, le mouvement va se servir des icônes de la culture pop, des bandes dessinées, du cinéma d’Hollywood, des publicités, pour régénérer un art considéré comme souffrant. Dans ce contexte, Andy Warhol, qui sera d’abord un illustrateur publicitaire de talent avant de devenir une figure majeure de l’art du 20ème, va s’inspirer des images diffusées en masse par les médias et la publicité. Celui qui aura été controversé pour s’être considéré comme un businessman, dont les œuvres étaient l’équivalent produits fabriqués en masse va se faire connaître à partir de 1961. A ce moment, il sort sa première création artistique, la célèbre série de Campbell’s Soup Cans... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ce nom ne vous dit peut-être rien, mais vous connaissez sûrement Georges Rémi. Ayant marqué les esprits sous le nom d’Hergé, né en 1907 et mort en 1983, il est comme vous le savez un auteur de bande-dessinée belge de renom. Il reste inscrit dans l’histoire comme le créateur des aventures de TINTIN, un jeune reporter globe-trotter accompagné de son chien Milou et de ses acolytes, comme le capitaine Haddock, ou encore le professeur Tournesol. Mais savez vous d'où vient le fameux pseudonyme de Georges Rémi ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La Sagrada Familia, de son nom complet le Temple Expiatoire de la Sainte Famille, est sûrement l’un des monuments espagnols les plus connus du pays à l’international. Cette œuvre phare de l’architecte Antoni Gaudi a été commencée en 1882 et reste 140 ans plus tard toujours en construction... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cela peut sembler étonnant au vu des catégories actuellement présentes, mais il a bel et bien existé des épreuves d’arts aux Jeux Olympiques. Hé oui, les Jeux olympiques modernes inaugurés en 1894 dans la ville d’Athènes n’ont pas accueilli uniquement des catégories sportives au cours de leurs histoire. Mais dans un premier temps, comment l’art est-il apparu au programme des JO ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il faut bien différencier les 7 nouvelles merveilles du monde à celles du monde antique. Les 7 merveilles du monde antique sont une liste établie à l’origine par les Grecs anciens qui consiste à nommer les œuvres architecturales et artistiques les plus extraordinaires du monde. Considérée pendant l’époque romaine comme un savoir commun et populaire, cette liste est donc établie depuis des milliers d’années. Les 7 nouvelles merveilles du monde ,elles, ont une histoire fondamentalement différente. Elles sont, en effet, le résultat d’une opération médiatique de grande ampleur et d’un vote mis en place par l’homme d'affaires suisse Bernard Weber... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Tout d’abord, dans cette histoire, ce sont deux grands univers qui se rencontrent.  Deux mondes nourris par l’imaginaire et la créativité de leurs maîtres. D’un côté, nous retrouvons Salvador Dali, l’un des peintre les plus célèbres du 20ème siècle, apprécié pour son art surréaliste et pour la manière dont il s’est approprié des thèmes comme le rêve ou encore la sexualité. De l’autre, nous retrouvons Walt Disney, pionnier de l’animation et célèbre producteur de films, recordman du nombre d’oscars du cinéma obtenu avec 22 récompenses à son actif. Mais quel est donc le projet qui a pu réunir ces deux icônes, qui ont chacun suscité légendes et controverses ? Hé bien, nous allons voir ça ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous pourrez retrouver sur cette chaîne, tout au long de la semaine des rediffusions d’anciens épisodes et à partir du dimanche 5 juin, des podcasts inédits ! N'hésitez pas à aller découvrir toute la gamme des podcasts Choses à savoir sur www.chosesasavoir.com ;) Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

S’il y a une personnalité en France à laquelle on associe le genre de la fable de nos jours, c’est bien l’auteur du 17ème siècle Jean de La Fontaine. Malgré le fait que ce dernier ait également produit des contes, des romans ou des pièces de théâtres, ce sont bien ces courtes histoires à la fin desquelles nous retrouvons ces célèbres morales, qui sont restées dans nos mémoires. "Tel est pris qui croyait prendre", "aide-toi et le ciel t’aidera" ou encore "Ventre affamé n'a point d'oreilles", tant de vers de La Fontaine devenus proverbes chez nous. Comment en est-il venu aux fables ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La légion d’honneur, vous savez, c’est cette décoration française qui récompense les personnes ayant rendu des « services éminents » à la Nation. Mais alors quelle femme a été la première à recevoir cette décoration ? hé bien, il s’agit d’une artiste française qui se nomme Rosa Bonheur, et vous allez le constater, cette peintre mena une vie hors du commun. Derrière le nom de Rosa Bonheur se cache une artiste à contre-courant, célébrée comme un symbole d’anticonformisme, qui se fait connaître dans la seconde partie du 19ème siècle... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déjà vu que le monde du théâtre fait vivre de nombreuses superstitions et de multiples termes techniques, et c’est également le cas en ce qui concerne l’orientation dans l’espace lors d’une représentation ou d’une répétition. Vous le savez, sur une scène, que cela soit dans un théâtre ou un opéra, interdit de prononcer les mots gauche et droite, à la place, on utilise les termes côté jardin et côté cour. Mais alors, comment sont apparus ces substituts dans le monde du théâtre et pourquoi ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La tradition du célèbre tapis rouge est devenu un symbole du Festival de Cannes qui reste indissociable de la montée des marches, et à partir du 17 jusqu’au 28 mai cette année pour sa 75ème édition, nous le verrons réapparaître sur nos écrans. De nos jours utilisé notamment dans les cérémonies célébrant le 7ème art, le tapis rouge apporte prestige, luxe et standing. Mais alors comment en est-on venu à associer montée des marches à ce tapis ? Tout d’abord, la tradition du tapis rouge nous vient droit de l’antiquité... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Peintre célèbre de la renaissance italienne et décorateur du palais des Doges qui a vécu entre 1460 et 1525 à Venise, Vittore Carpaccio est principalement reconnu pour ses grands tableaux religieux. Dans ces toiles, il situe l’action dans la ville où il fit la totalité de sa carrière, Venise, et parmi ses personnages récurrents, il représente des aristocrates vénitiens. Il fut l’un des premiers peintres à se servir de la présence de l’architecture dans ces tableaux, anticipant un genre artistique, celui du védutisme, qui se concentre sur la représentation en perspective de paysages urbains. Mais alors quelle est la particularité de son art que l’histoire a retenue ? Hé bien,  vous devez vous en doutez en entendant son nom, nous parlions bien ici de son traitement de la couleur, notamment de la couleur rouge... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Distillées dans toutes la ville, les bouches de métro parisiennes sont devenues l’un de ses symboles forts, au même titre que le Sacré-Coeur ou l'Arc de triomphe, et constituent un patrimoine important. Mais quelle est l’histoire de ce type de structure devenue par son style floral l’un des emblèmes de l’art Nouveau ? Hé bien, l’histoire de ces entrées de métros démarre avec l’annonce de l’Exposition Universelle de 1900.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe, dans le monde, de multiples formes d’art qui sont accompagnées de rites religieux, et l’art du Paubha en fait partie. Le Paubha, c’est un art traditionnel religieux réalisé par les habitants du Népal. Les motifs de cet art sacré représentent des sujets bouddhistes et hindous, telles que des divinités. Cette tradition remonterait au XI siècle, conformément à l’âge de la plus ancienne toile Paubha découverte et conservée au Los Angeles County Museum. A cette époque, cet art pratiqué par les Népalais était recherché jusqu’en Chine, et mais également au Tibet, région autonome qui va prendre cet art comme base pour concevoir sa propre tradition sacrée, que l’on nomme le Thangka tibétain. Mais alors à quoi ressemble une œuvre issue du Paubha ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Do, ré, mi, fa, sol la si, vous connaissez sans doute ces noms de notes qui construisent et structurent de nos jours le langage musical français. Mais à l’origine de l’écriture musicale, on retrouve deux grands systèmes de notations, qui ont traversé les siècles pour parvenir jusqu'à nous.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans le domaine de l’architecture, nous parlons souvent des différents types d’édifices religieux sans pour autant savoir connaître les particularités de chacun d’entre-eux. Ainsi, églises, cathédrales, basiliques, qu’ont ces bâtiments en commun et qu’est ce qui les différencie ? D’abord, il faut savoir que toutes les cathédrales et les basiliques sont des églises, alors que toutes les églises ne sont pas des cathédrales ou des basiliques... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La côte d’azur, peut être l’avez vous déjà visité ou vu en photo, c’est cette portion du littoral français accolé à la Mer méditerranée située dans la région Provence-Alpes-Côtes d’Azur. Cette dernière est ce qu’on appelle un choronyme, mot complexe pour désigner un nom de lieu ou de région qui a été inspiré par une de ses caractéristiques géographique physique. Pour revenir à la côte d’azur, bien que ces délimitations varient selon les auteurs, généralement, on la fait aller de la ville de Cassis à Menton, . Contrairement aux hésitations sur son emplacement exact, son origine est, elle, bien connue et identifiée. Nous devons l’invention de l’expression Côte d’Azur à l’écrivain, poète et homme politique Stéphen Liégeard... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les superstitions au théâtre sont nombreuses, et entre autres, se caractérisent par le fait de porter la couleur verte sur scène , le fait de souhaiter bonne chance directement à des comédiens ou bien encore de prononcer le mot corde. Mais de toutes les superstitions théâtrales, celle qui reste la plus mystérieuse concerne sûrement la pièce Macbeth écrite par William Shakespeare. En effet, au Royaume-Uni et en Amérique du Nord, Macbeth a la réputation d’être maudite. Ainsi, interdiction formelle de prononcer son nom à l’intérieur d’un théâtre, à la place, les comédiens et comédiennes se doivent de la surnommer la pièce écossaise... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Un premier jour de travail est toujours compliqué, mais celui d’un gardien russe nommé Aleksandr Vasiliev intervenant au Centre Yeltsin, à Yekaterinburg, dans l'ouest de la Russie, sort complètement du commun. En effet, ce centre d’art russe mettait à l’honneur en février 2022 une exposition intitulée « Le monde comme non-objectivité. La Naissance d’un Nouvel Art » . A cette occasion, des tableaux de l’artiste peintre Anna Leporskaïa étaient présents. Anna Leporskaïa, c’est une peintre d’avant-garde russe, qui a été l’élève de Kasimir Malevitch, l’un des grands maîtres de l’abstrait au 20ème siècle. On peut voir sur ces tableaux des formes, qui ressemblent à des silhouettes humaines, mais qui n’ont pas de visages, qu’elle nomme des “figures”, qui deviendront sa marque de fabrique. Justement un de ces plus célèbres tableaux, nommé Trois figures, a été exposé pendant cette période dans le centre. Seulement deux visiteurs passionnés d’art, venus admirer l'œuvre d’Anna Leporskaïa, se rendent compte à la vue de ce fameux tableau que quelque chose a changé. En effet, certains détails supplémentaires semblent détonner avec le reste de l'exposition : deux des trois figures d’Anna Leporskaïa, sur ce tableau précisément, se sont vues ajoutées des yeux.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déjà abordé dans un précédent épisode la manie du peintre Bonnard à venir retoucher ses toiles vendues directement dans les musées. Hé bien, dans la même dynamique, nous allons voir que le peintre Chaïm Soutine était également un éternel insatisfait, bien qu’il ait manifesté d’une toute autre manière son exigence... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez surement Hollywood, le nom de Bollywood vous dit peut-être également quelque chose mais savez vous ce que représente l’industrie nommée Nollywood ? La ou Bollywood est un mot valise prenant le B de Bombay rattaché au mot -olliwood, le terme Nollywood se réfère alors à la première lettre d’un pays africain, le N de Nigéria. Ainsi, Nollywood évoque l'industrie cinématographique du Nigéria, ou la production de film est alors très importante. En effet, depuis 2009, Nollywood est la seconde puissance cinématographique au monde en nombre de films produits par an, juste derrière l’Inde et devant les Etats-Unis ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous connaissez sûrement cette appellation qui sert à désigner communément des jumeaux ou des jumelles fusionnés symétriquement et réunis par une partie de leurs corps. Mais savez-vous d'où vient le fait d'appeler siamois ce genre de gémellité singulière ? Cela n’est pas en lien avec des termes médicaux ou spécialisés mais avec l’histoire de deux jumeaux reliés par le foie, les frères Chang et Eng Bunker, et du cirque du célèbre Phineas Barnum.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La célèbre tour de Pise attire chaque année de nombreux visiteurs venant du monde entier. Et cette renommée, elle la doit en particulier à une chose : le fait de ne pas être droite, comme si cette dernière défiait les lois de la gravité et de l’équilibre. Le campanile de la cathédrale Notre-Dame de l’Assomption de Pise, cette tour qui abrite des cloches et servait originellement à appeler les fidèles, est surveillée attentivement en raison de son inclinaison qui progresse au fil des ans. Mais cette dernière ne rompt pas, et c’est bien cela qui fascine les 31 millions de personnes venus l’admirer au cours des soixante années précédentes : pourquoi la tour de Pise est -elle penchée, et comment fait-elle pour ne pas s’écrouler ? Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le Festival d'Avignon est avec le festival d'Edinburgh, la plus grande manifestation de théâtre et de spectacle vivant du monde, autant par le nombre de pièces et œuvres qui y sont présentées que par les spectateurs que cette dernière réunit chaque été. Cette année, du jeudi 7 juillet au mardi 26 juillet, le festival d’Avignon revient animer les rues de la cité des Papes pour une 76ème édition. De la cour d’honneur du Palais des papes jusqu’aux petits théâtres, cette nouvelle édition s’annonce importante pour un festival qui a connu des difficultés liées à la crise sanitaire lors de son dernier déploiement en 2021. Au programme évidemment des pièces de théâtres, mais également des lectures, des expositions, des débats et des films. Bien en amont de cette manifestation, le directeur du festival, le metteur en scène Olivier Py qui prépare sa dernière édition, et son équipe ont révélés un programme éclectique ainsi que l’affiche officielle de l’événement. Accompagné des célèbres 3 clés qui symbolisent le festival depuis ses débuts, le visuel montre sur fond blanc six femmes nues, positionnées les unes derrières les autres. Le dessin est l'œuvre de Khubra Khademi, peintre et plasticienne féministe afghane réfugiée à Paris depuis 2015. Seulement, Le Dauphiné Libéré révèle que l’affiche n’est pas du goût de tout le monde, certains internautes la qualifiant d’obscène ou de vulgaire... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La légende des poètes maudits est parvenu jusqu'à nous, et se caractérise principalement par des figures comme celle de Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud ou encore Tristan Corbière. Ils ont tous connu la marginalité en passant par la misère, la précarité ou encore les vives critiques des institutions à leurs égards. D’abord, quand émerge le terme de “un poète maudit” ? Cette formule est apparue en 1883 comme titre d’une série d’essais de Paul Verlaine, publiés sous forme de recueil en 1888. Dans cette optique, le poète maudit est un artiste talentueux, mais incompris de ses contemporains et qui rejettent les valeurs de la société dans laquelle il vit. Sa vie est ainsi ponctuée de comportements provocateurs, asociaux voire autodestructeurs comme la consommation d’alcools et de drogues. Mais alors qui est donc considéré comme le premier poète maudit.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il y a moins d’un mois, un article de Libération remettait en lumière les doutes de certains experts sur l’authenticité de deux chefs d’oeuvres francais, un monochrome et d’un ready-made du XIXe siècle, qui appartenaient tout deux à un mouvement artistique assez peu connu, le mouvement des Arts Incohérents. Penchons nous sur ce courant, qui à la base se revendique comme humoristique, et qui va devenir à la fin du 19ème siècle un mouvement artistique à part entière, pris au sérieux par le public et la critique. Tout démarre en juillet 1882, quand Jules Levy, écrivain et un temps rédacteur en chef de la revue du cabaret Le Chat Noir de Rodolphe Salis, fonde un mouvement dont l’objectif est d’amuser les francais en cette fin de siècle... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Que ce soit dans l’imaginaire collectif ou dans la plupart de nos musées, il est établi que les statues de marbres grecques et également romaines soient blanches, cela en devient même un de leurs attribut significatif. Mais toutes ces statues que l’on peut admirer aujourd’hui n’ont pas toujours été blanches, et pour la majorité d'entre elles, étés même entièrement colorées au moment de leurs premières expositions. Loin des clichés d’une Grèce idéalisée d’une blancheur totale, les créations en marbre devaient être peintes pour être considérées comme réellement achevées. Cela pouvait alors être des pigments de couleurs bleus, verts, pourpres ou rose, on retrouve même également des traces de dorures, et toutes servaient ainsi à se rapprocher d’un réel idéal... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’histoire de l’artiste Margaret Keane est singulière, au point d’avoir été adaptée au cinéma par Tim Burton en 2014 dans le film Big Eyes. Notre récit commence en 1927, année de naissance de Peggy Doris Hawkins qui changera plus tard son nom pour Margaret qui voit le jour dans le Tennesse. Elle commence très tôt, dès ses dix ans, à peindre les motifs qui deviendront plus tard sa marque de fabrique, des portraits de personnages avec des yeux surdimensionnés. A ses 18 ans, elle entame une formation artistique à la Traphagen School of Fashion à New York, et développe en parallèle ses peintures de petits personnages qui fixent tristement le spectateur, ce malgré la difficulté qu’elle rencontre à essayer de les vendre. En effet, elle subit, comme une grande partie des femmes artistes de l’époque, le sexisme du milieu... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Même si vous n’êtes pas un fan inconditionnel de rock, ou plus particulièrement de métal, vous connaissez sûrement ce geste de la main, qui symbolise à lui seul cette culture musicale. Pour le réaliser rien de plus simple, gardez votre poing fermé et tendez seulement votre index et votre petit doigt. Attention de ne pas le confondre avec le signe de ILY à trois doigts, position du signe des cornes à laquelle on ajoute un pouce dressé et qui sert à exprimer l’amour en langue des signes. Le signe des cornes, dans le cadre de la culture rock, est donc ce geste d’appartenance et de complicité que vont s’adresser les fans, à la base en concert, mais qui a largement dépassé ce seul cadre, et s’étant diffusé dans l’ensemble de la culture populaire. Mais en réalité, ce geste a traversé l’histoire, au point de trouver ces origines dès la Grèce Antique... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe de nombreux long-métrages, dessins animés ou sagas qui sont prohibés en Chine pour divers motifs. Peut-être étiez-vous déjà au courant, les films Ghost Buster sont y introuvables car les fantômes sont interdits selon la législation chinoise , ou encore également la saga Retour vers le futur car les lois interdiesent les voyages dans le temps et les décalages vis à vis de l’histoire. Mais, encore plus étonnant, depuis quelques années maintenant, le personnage de Winnie l’ourson est devenue la principale figure à occulter pour le pays. Pour une raison bien plus incongrue que celles précédemment citées : la ressemblance de Winnie l’ourson avec l'actuel président de la République populaire de Chine, Xi Jinping.... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nourri par les influences de sa jeunesse et par ses diverses luttes, le peintre Jean-Michel Basquiat va devenir dans les années 70 et 80 un artiste majeur d’avant garde de la culture underground new yorkaise. En 1976, âgé d'à peine 16 ans, au même moment ou Keith Haring recouvre les murs de ses Radiats Babies,  Jean Michel Basquiat va se faire connaître en graffant près des galeries d’art de Manhattan le mot SAMO, qui signifie Same Old shit, pour faire référence au quotidien des jeunes afro américains. Sa créativité lui servant  à exprimer ces réflexions, mais également son intérêt pour des thèmes comme la lutte pour la cause afro-américaine, la musique jazz, le corps humain, ou encore la religion l’amène rapidement vers les galeries d’arts. La couleur et les mouvements de sa peinture transmettent pour l’époque l’énergie de toute une génération, il devient à 23 ans en 1983 le plus jeune artiste jamais exposé à la Biennale du Whitney Museum of American Art, musée d’art à Manhattan. Parmi les éléments récurrents de sa peinture, on peut retrouver le symbole de la couronne, mais alors que représente-elle pour l’artiste Basquiat ? Qu’elle soit d’épines ou à 3 branches, la couronne est devenue l’un des plus forts emblèmes de l’art criant et revendicateur de Jean-Michel Basquiat. Apparue très tôt dans ses dessins, la couronne pourrait transcender une envie chez lui de reconnaissance, qu’il entretient depuis sa jeunesse dans une famille relativement instable. Elle ferait également écho à ses racines, les Basquiat étant des nobles français ayant émigrés aux Etats-Unis et à ses vocations. Son ami l’artiste Francesco Clemente dira je cite “ La couronne de Jean-Michel a trois pointes, une pour chacun de ses trois lignages royaux : le poète, le musicien et le champion de boxe “ Mais bien plus loin que ces seules hypothèses, la couronne à trois branches est un moyen pour Basquiat de se réapproprier les lois de domination dans ses œuvres. Il suffit ainsi de remarquer que ces ornements sont fréquemment positionnés au-dessus de mots, de questions ou de personnages, sur lesquels Basquiat met alors l’emphase, et redéfinit la verticalité dans ses toiles. Cela rentre d’autant plus en résonance avec sa situation personnelle :  premier street-artist à entrer dans le monde de l’art contemporain, la très importante commercialisation de ses oeuvres le propulse loin de son passé modeste, dans des milieux ou le luxe est commun, et où il lui ait difficile de s’adapter aux codes sociaux des sphères élitistes du monde de l’art qu’il commence à fréquenter dans les années 80. Il peint ses héros, capte la culture populaire américaine, dessine les griots africains qui transmettent leurs histoires, et refuse tout au long de sa courte vie jusqu'à sa mort en 1988 d’une overdose, de voir l’art comme marchandise, en écrivant par exemple sur certaines de ces toiles les mots ; “Not for sale”. Voilà, j’espère vous en avoir appris un peu plus sur le street-artist Jean-Michel Basquiat et de son utilisation de la couronne, comme symbolique de son monde, de ses luttes, et comme l’un des plus célèbres éléments de son art. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans le paysage artistique moderne, Louise Bourgeois est considérée comme une des  figures majeures du 20ème siècle et ce, malgré une reconnaissance qui sera arrivée sur le tard. Née en 1911 dans une famille de tapissiers, elle est rapidement mise en contact avec les arts manuels. Dans les années 1930, Louise se met alors à fréquenter les salons et ateliers parisiens où elle rencontre des artistes comme André Lhote ou Fernand Léger, et va par la suite prendre des cours au musée du Louvre. Elle épouse l’historien d’art américain Robert Goldwater en 1938 et va partir dans la foulée pour les États-Unis. C’est la bas qu’elle commencera réellement sa carrière artistique, après une tentative infructueuse d'intégrer le groupe des surréalistes, André Breton s’y étant opposé. D’abord s’étant adonnée à la peinture,  elle se concentre au début des années 50 sur ce qui lui construira sa renommée, le marbre, le plâtre et le latex. Des thèmes comme la maternité, la féminité, le corps et la sexualité, déjà présents dans son œuvre se placent à partir de 1970 au centre de son travail. Mais alors d'où vient l’idée de sculpter ces gigantesques araignées ? Pour comprendre ce qu’elles représentent pour Louise Bourgeois, il faut préciser la place qu’occupe l’art pour cette dernière. L’artiste place sa vie personnelle et ses émotions au cœur de son processus créatif. Comme elle le dit elle même, je cite : « Pour exprimer des tensions familiales insupportables, il fallait que mon anxiété s'exerce sur des formes que je pouvais changer, détruire et reconstruire. » Ces sculptures, sont ainsi imprégnées de ces pensées, ces réflexions et des ses traumas personnels et aborde par conséquent son travail dans une dimension quasi-thérapeutique, Louise Bourgeois étant très proche du monde de la psychanalyse. Dans ce sens, ces sculptures gigantesques d’araignées représentent symboliquement la figure de la mère, la ou le symbole du pénis, autre élément récurrent de son art, fige la figure du père. Louise  Bourgeois elle-même dira que l’araignée symbolise la mère, je cite, « parce que ma meilleure amie était ma mère, et qu'elle était aussi intelligente, patiente, propre et utile, raisonnable, indispensable qu'une araignée’. Symbole des tapisseries que réparait sa mère, l’araignée sculptée est parfois rapprochée avec des motifs en lien direct, tels que le fil ou bien les aiguilles. Comme elle sait si bien le faire, Louis Bourgeois joue sur l'ambiguïté de l’araignée telle qu’elle est perçue dans l'inconscient collectif, mais l’Aranéide reste pourtant bien positive dans sa vision des choses. La consécration en temps qu’artiste se développe dans les années 70, et elle aura droit à sa première exposition rétrospective au Moma à New York en 1982-1983.Bien loin de ne se limiter qu'à des sculptures d’araignées, Louise Bourgeois, artiste polyvalente et transtemporelle aura multiplié les supports de créations et aura développé des thèmes de prédilections tout au long de sa  carrière jusqu'à sa mort en 2010 à travers son art qui restait pour elle “une garantie de santé mentale.’ Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La célèbre marionnette Guignol qui fascine encore de nos jours les enfants est, de par ses origines, directement en lien avec le métier d’arracheur de dents. D’abord qui est concrètement Guignol ? Marionnette française née à Lyon vers 1808, elle rassemble dans son concept les traditions de la Capitale des Gaules à celles du théâtre français de la marionnette. Plus généralement, Guignol désigne un style de spectacle de marionnette comique, dont découle une littérature propre, mais également des compagnies, une historiographie et des déclinaisons médiatiques dont la plus célèbre reste celle diffusée sur Canal +, les Guignols de l’info. La technique pratiquée pour donner vie à Guignol et ses partenaires, comme Gnafron ou Madelon, implique une gestuelle particulière et de nombreux accessoires, le tout renvoyant à un comique de situation typique de la commedia dell'arte. Mais alors, comment est concrètement né Guignol, dans quelles circonstances ? Tout comme la barbe à papa est née par le biais d’un dentiste, Guignol est né par l’entremise d’un arracheur de dents. Penchons-nous sur son créateur. Laurent Mourguet, jeune lyonnais qui voit le jour en 1769, embrasse jeune la profession de ses parents, celle de canut, des ouvriers tisserands de la soie. Avec la Révolution Française, la pénurie de travail guette les ouvriers lyonnais, et nombre d'entre eux sont obligés de se reconvertir. Laurent Mourguet, déja immergé dans le monde de la culture dans sa jeunesse, se fait alors marchand ambulant dans la campagne lyonnaise, et découvre de ce fait le patois local. En 1797, il revient sur Lyon même pour s’installer comme arracheur de dent sur les places de la ville. Un problème se pose alors à lui, comment réussir à attirer une nouvelle clientèle ? Il décide alors de rassembler ses connaissances pour monter un spectacle de marionnettes, comme cela se faisait déjà à Paris 150 ans auparavant, et ainsi éveiller l’attention des populations qui circulent. Sur la base du théâtre classique de Polichinelle, personnage important de la commedia dell'arte, un texte est ainsi improvisé selon les humeurs du marionnettiste et les actualités du jour afin de réaliser un spectacle qui remplit de ce fait le rôle d’une gazette orale. Et cela marche, son spectacle commence à avoir du succès, à tel point que Laurent Mourguet va abandonner la profession d’arracheur de dents. Avec le temps, Laurent Mourguet se professionnalise, apprend à manipuler, et en vient à créer Guignol, dont on date traditionnellement la première apparition le 24 octobre 1808. La marionnette prend alors les traits de son créateur lui-même : fossettes et large sourire dans un visage rond. Guignol s'impose comme porte parole des petites gens de l’époque, par opposition à Polichinelle qui lui, symbolise plutôt l’individualisme. Par sa simplicité et sa bonne humeur Guignol va gagner en succès avec les ans, et pas seulement auprès du jeune public, notamment en étant joué des cafés théâtres à Paris. Digne représentant de la culture et du parler lyonnais, on consacre aujourd’hui à Guignol 4 théâtres à Lyon, et plus d’une douzaine à Paris, ou le style a bien évidemment évolué et se veut plus interactif, et enrichi de contes populaires. Quant à son nom, plusieurs versions sont affirmées par différents historiens, mais d’après le dictionnaire Larousse, Guignol était le nom d'un canut lyonnais, que Laurent Mourguet donna à sa marionnette. Voila, j’espère vous en avoir appris un peu plus sur l’histoire de la création de Guignol, à la base intervenue pour attirer la clientèle auprès de son père. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons déjà évoqué, dans un précédent épisode, ce qu’était un Macguffin dans un scénario. Aujourd’hui, nous nous concentrons sur un autre élément scénaristique dont vous ne connaissez peut-être pas le nom mais que vous avez sûrement déjà croisé, le hareng rouge. Rassurez-vous, nous ne parlons pas du poisson, mais bien d’une technique utilisée assez fréquemment au cinéma et en littérature. Le hareng rouge, ou en anglais, red herring, fait référence à un procédé de narration utilisé par les scénaristes ou les écrivains, qui vise à mettre en place une ou plusieurs fausses pistes dans une histoire, qui donnera un retournement final que le spectateur ne pouvait pas anticiper. Par ce procédé, les créateurs d’une œuvre s'assurent également du fait que cette ultime révélation donne un tout autre sens à l’intrigue qui s’est précédemment déroulée, que cela amène d’autres possibilités d’interprétations aux spectateurs. Mais alors pourquoi appelle t-on cela un hareng rouge ? L’origine de l’expression reste complexe à déterminer, mais on suppose principalement que cette dénomination viendrait du kipper, un poisson fumé très odorant alors utilisé dans la chasse pour éduquer les chiens à suivre une piste ou à les détourner de celle-ci. Toute la difficulté de cette technique réside donc dans le fait d’amorcer et de disséminer des indices tout au long du film ou du livre afin que le rebondissement final ne donne pas l’impression de sortir de nulle part. Des éléments qui ne sont pas trop évidents, qui se doivent de rester ambigu. Le hareng rouge reste donc une technique subtile, que les réalisateurs et romanciers doivent manier avec attention, pour pouvoir garder l’effet de surprise intact. Dans quelles œuvres peut-on trouver ces fameux harengs rouges ? Hé bien, parmi les long métrages les plus célèbres qui se servent de ce procédé, on peut trouver le film “Sixième Sens” réalisé par Night Shyamalan, qui pour ce faire met en place des ellipses qui permettent de cacher des éléments importants de l’intrigue en se mettant dans la logique et le point de vue du spectateur. De cette manière, le spectateur comble les espaces laissés par la narration avec ses hypothèses, et permet au hareng rouge de donner du sens au tout. On retrouve également les films “Usual suspects” de Bryan Singer, ou bien “Fight Club” de David Fincher qui se servent eux aussi d’un hareng rouge pour étoffer leurs récits. En littérature, on peut noter l’utilisation de ce procédé dans les romans d’Agatha Christie qui en fait même explicitement référence et usage dans son histoire “Ils étaient dix”, en l’évoquant dans la comptine qui fait office de fil rouge. Dans cette dernière, le red herring, traduit par hareng sault ou rouge, peut être interprété de manière littérale comme le poisson, mais également dans le sens technique du terme, alors que Agatha Christie joue sur cette ambiguïté. Voilà, j’espère vous en avoir appris un peu plus sur le hareng rouge, une technique populaire des scénaristes et romanciers notamment dans le genre policier, sur laquelle vous pourrez maintenant poser un nom. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La civilisation égyptienne antique est caractérisée par une certaine longévité et stabilité en ce qui concerne l’art. En environ 3120 ans d’histoire et d’évènements, l’Egypte antique a pu développé et adapté sa propre conception de ce que nous appelons aujourd’hui l’art, et parmi les nombreuses occupations artisanales pratiquées à l’époque, nous nous arrêtons aujourd’hui sur la peinture et le dessin. D’abord, comme de nombreuses civilisations de ce temps, l'art égyptien est avant tout un art fonctionnel. Bien entendu, les artistes égyptiens cherchaient à représenter de la plus belle des manières qui soient, mais le concept de “l’art pour l’art” était absent des mentalités de l’époque. Et c’est dans cette logique que prennent place ces fameuses représentations de pharaons, de dieux, ou bien d’autres acteurs importants de la société. Les artistes Égyptiens, qui faisaient partie de l’élite de la population sachant lire et écrire, ne s'intéressaient pas au fait de capter le réel tel qu’il est, à figer un portrait du monde par la peinture ou la gravure. Au contraire, la représentation du corps est alors extrêmement normée. Comme vous le savez peut-être, les personnages dans l’art égyptien ne sont pas totalement représentés de profil. Que ce soit sur des papyrus, des poteries, dans des tombeaux ou autre, ils sont alors fréquemment dessinés et sculptés avec le visage de profil, un oeil vu de face, des jambes séparées et de profil tout comme les hanches et enfin une poitrine de face faisant apparaître leurs deux bras. Mais alors pourquoi cette hybridation dans leurs retranscriptions picturales ? Partant de ce constat, ce type de représentation est considéré par l'Égyptologie comme aspective, c'est-à-dire qu’elle occulte toute notion de perspective. Elle vise donc à transmettre une version purement conceptuelle et la plus exhaustive possible de l’être humain, et c’est en cela qu’elle se rapproche par nombres de ces aspects du mouvement cubiste qui apparaîtra des milliers d’années plus tard dans l’histoire de l’art. Pour résumer cette manière de construire une œuvre, on peut alors dire que les artistes égyptiens ne dessinent pas ce qu’ils voyaient, mais ce qui donnait du sens pour eux. C’est pour cela que les deux épaules des personnages apparaissent sur les représentations, les deux seins, les deux bras, les deux jambes, etc. pour éviter de reproduire partiellement une entité. Une hypothèse plus religieuse est également avancée pour expliquer cette représentation. Une personne devait être montrée sous tous ses aspects car c’était comme cela qu’elle devait se réincarner par la suite, il fallait alors détailler chacun de ces membres. Si vous vous demandez comment les artistes faisaient pour construire ce genre de représentations, ils utilisaient des grilles préparatoires qu’ils peignaient sur leurs dessins pour réaliser les bonnes proportions et ainsi normaliser la scène. Ces grilles n’avaient pas vocation à rester sur le dessin et n’étaient pas une nécessité absolue pour la création d’une œuvre, mais on en retrouve de nombreuses encore présentes et visibles . Voilà, vous en savez maintenant un peu plus sur l’art Egyptien et notamment sur l’importance accordée aux représentations complètes et non photographiques des personnages. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Sandro Botticelli est considéré aujourd’hui comme l’un des peintres les plus aimés et les plus importants du XVème siècle et de la Renaissance Italienne. Il précise tout au long de sa carrière son style ornemental, linéaire et gracieux en reprenant des éléments de la peinture gothique et en évitant volontairement l’exactitude anatomique dans ses dessins. On compte parmi ses tableaux les plus connus des toiles comme Le printemps, Mars et Vénus ou encore La naissance de Vénus. Mais un point commun lie étroitement tous ces succès du peintre florentin : le personnage féminin principal prend les mêmes traits physiques fins et élégants, ceux de la muse de Botticelli. Mais alors qui était cette femme qui a grandement inspiré le travail de l’artiste ? Cette femme, c’était Simonetta Vespucci. La légende raconte qu’elle fut la plus belle femme qui ait jamais vécu à Florence au XV ème, Yvan Cloulas, historien francais, écrira qu’elle je cite « incarnait l'idéal féminin ». Celle qui était surnommée la “sans pareille” par les florentins était une femme noble, arrivée dans la capitale de la Toscane pour célébrer son mariage avec Marco Vespucci, cousin du navigateur Amerigo Vespucci, en 1469. Elle se rapproche rapidement d’une famille importante de l’époque à Florence, la famille des Médicis, et plus particulièrement de Julien de Médicis qui deviendra son amant. Simonetta Vespucci sera également approchée dès son arrivée, entres autres peintres, par Sandro Botticelli qui voyait en elle un modèle de beauté envoûtant. Simonetta vivra à partir de leurs rencontre un véritable amour platonique avec Botticelli, l’artiste et celle qui était devenue sa muse se suivant étroitement jusqu'à la mort de cette dernière. Obnubilé par son modèle, Botticelli en produira deux portraits, et s’en inspirera à de nombreuses reprises dans ses œuvres mythologiques. Malheureusement, Simonetta Vespucci sera emportée par la tuberculose très jeune, à 23 ans en 1476. Elle n’aura pas pu admirer ses représentations dans les oeuvres de Botticelli, comme Le Printemps dans lequel elle incarne l’allégorie vernale sous le nom de Flore, et dans ce que l’on considère comme le principal chef d’oeuvre du peintre, La Naissance de Vénus ou elle représente alors la déesse grecque de l’Amour, peint respectivement en 1482 et 1485. Ainsi, Botticelli continuera de peindre les traits de sa muse disparue quasiment, jusqu'à la fin de sa carrière. 10 ans avant sa mort, en 1510, il représentait Simonetta, et ses longs cheveux blond vénitiens dans son dernier nu, La Calomnie d'Apelle en 1495. Signe du lien étroit que les deux entretenaient, Sandro Botticelli fut enterré près de Simonetta dans l’église d'Ognissanti à Florence, comme il l’avait expressément demandé sur son testament. Ainsi, peu d’éléments du tempérament et du caractère de Simonetta en tant que tel nous sont parvenus, occultés par sa beauté qui correspondaient aux normes de l’époque. Elle restera néanmoins une personnalité importante du XV ème siècle à Florence malgré sa courte vie, et aura habité l'œuvre de Botticelli au point de devenir le personnage central de quelques-unes de ses toiles les plus populaires. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Aujourd’hui le terme “tube” désigne bien de façon familière un titre musical qui rencontre un grand succès commercial ou populaire. Outre le fait qu’il semble en perte légère d’inertie ces dernières années, il est considéré comme la version française de l’anglicisme “hit”. Mais alors comment est-on arrivé à associer le terme tube au domaine musical, au fil des années ? Déjà au 20 ème siècle, il était de coutume de donner un nom aux chansons qui obtenaient du succès commercial. Dans les années 50, avant le mot tube, on employait alors le terme saucisson . Pourquoi ? Dans l’argot musical de l’époque, un saucisson, était de la musique produite et vendue pour subvenir aux besoins alimentaires de l’artiste. Boris Vian, poète, écrivain, et entre autres parolier français était à ce moment également directeur artistique chez le label de musique Philips. Et c’est lui, qui au milieu des années 50 commence à employer le terme tube à la place de saucisson. Ce terme faisait directement référence au fonctionnement du premier appareil de reproduction sonore destiné à un public amateur, le phonographe. Grâce à cet appareil apparu en 1877, il était possible de graver sur de petits cylindres des notes de musiques dans le même esprit que pour une boîte à musique ou un orgue de barbarie., Pour le très imaginatif auteur de “J’irai cracher sur vos tombes.”, le terme tube fait donc référence dans son utilisation au cylindre du phonographe, mais comporte également une dimension plus négative qui se sera perdue avec le temps. Boris Vian fait allusion aux chansons à succès dont les paroles sont creuses comme des tubes. Il appuie cette dimension péjorative du tube en écrivant une chanson en 1957 pour Henri Salvador, sobrement intitulée Le Tube, dans laquelle il décrit avec humour les mécanismes de composition d’une chanson à succès dans laquelle les paroles comptent peu. Quelques mois plus tard, dans le même sillon, il sortira en librairie une critique contre le fonctionnement du showbizz dans laquelle il pose à l’écrit son terme, “En avant la zizique… et par ici les gros sous”. Par un glissement sémantique, au fil du temps, “tube” s’est imposé nationalement et a complètement perdu sa dimension négative originale instaurée par Boris Vian. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

De nos jours, les marques se sont installées durablement dans nos paysages médiatiques et artistiques contemporains. Que ce soit sur les plateformes de partage comme Youtube ou bien au cinéma, il devient parfois même complexe, dans certains des cas les plus extrêmes, d’arriver à discerner une apparition fortuite d’une opération marketing. Bon, mais alors, d’abord, qu’est ce qu’un placement de produit ? C’est une technique publicitaire utilisée par les marques qui vont se servir de moyens audiovisuels pour promouvoir un produit ou une gamme de produits, et qui en contrepartie permet à un producteur d’obtenir des sources de financements supplémentaires. Alors que le placement de produit dans le 7ème art apparaît comme un enjeu relativement récent, nous allons voir qu’en vérité, le lien entre cinéma et marques est plus vieux que ce que l’on pourrait penser. Alors, quand a-t-on vu pour la première fois un placement de produit dans un film ? Il nous faut remonter à la fin du XIX ème siècle, à une époque ou le cinéma n’en est qu'à ses balbutiements. Delphine Le Nozach, maître de conférences en sciences de l’information et de la communication à l’université de Lorraine, explique qu’en 1895, les frères Lumières qui ont joué un rôle primordial dans l’histoire du cinéma dévoilent avec cela, je cite, “ toutes ses possibilités communicationnelles et publicitaires". En 1896, un an après la production de “L’arrivée d’un train en Gare de la Ciotat, les deux frères ingénieurs qui réalisent les premières projections gratuites sur grand écran sortent un court métrage nommé Les Laveuses, qui est à ce jour le le premier placement de marque au cinéma, en l'occurrence celui de la marque de savon Sunlight. Mais, ceci n’est pas un film, Les laveuses correspond plutôt au premier spot publicitaire alors cela ne marche pas. Il faut ainsi attendre quelques années plus tard pour retrouver un autre personnage très connu de l’époque dans le milieu cinématographique, Georges Méliès. Pionnier dans la création des premiers effets spéciaux et trucages du 7ème art, il sort en 1901 le film “Barbe Bleue”. Dans cette adaptation du célèbre conte de Charles Perrault, Méliès fait apparaître à l’écran une bouteille géante de la marque de champagne Mercier, qui se fond dans la mise en scène et dans le scénario du film. Et c’est ici que l’on peut voir le premier placement de produit concret dans un film. Certains des grands acteurs du monde cinématographique à ses débuts se révèlent d’une certaine manière être également les premiers à mettre la publicité au centre de leurs arts, en comprenant que cela leurs permettraient d’avoir accès à du matériel gratuitement et à des financements. Depuis 1901, les placements de produits tels que nous les connaissons aujourd’hui sont devenus monnaie courante dans les films, notamment dans le courant des années 1980, et cela, selon le magazine Vulture, en partie à cause des marques de soda. En réponse à la marque Coca cola qui rachète en 1982 la société de production cinématographique Columbia Pictures, Pepsi Cola commence à accumuler les placements de produits pour tenter d'asseoir son influence, se retrouvant à collaborer avec des films comme Retour vers le Futur 2, Whiplash, ou encore World War Z, la plupart du temps par le biais de distributeurs de canettes. Voilà, j’espère vous en avoir appris un peu plus sur les premiers placements de produits de l’histoire du cinéma . Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il arrive parfois qu’une œuvre, comme un long-métrage, permette de faire d’étonnantes découvertes, et c’est le cas de notre sujet du jour. Tout commence en plein cœur de l’année 2009, ou Gergely Barki, expert pour le musée national de Hongrie, se met à regarder Stuart Little avec sa fille de 3 ans. Dans ce film, une souris nommée Stuart Little est mise en scène dans ses aventures aux côtés des acteurs Hugh Laurie et Geena Davis. Pendant une scène, ou les acteurs sont réunis dans le salon de la famille, l’attention de Gergely Barki est alors attirée par un tableau installé sur un mur en arrière-plan. Et soudain, l’expert en peinture se fige en pensant reconnaître un tableau de maître hongrois considéré comme perdu pendant plus de 80 ans ! La toile en fond de décor, correspond trait pour trait à un tableau qu’il avait vu en noir et blanc dans un catalogue d’art de 1928. Elle se nomme “La Dame endormie au vase noir” et était au moment de la découverte de monsieur Barki considérée comme perdue depuis les années 1920. Elle fut réalisée par Robert Bereny, un peintre hongrois membre du groupe d’avant-garde Les Huit qui a contribué à introduire en Hongrie le cubisme et l’expressionnisme au début du XXe siècle. Il aura ainsi fallu 10 ans depuis la sortie du film Stuart Little en 1999 et des millions de spectateurs pour que la toile de Robert Bereny tombe sur le regard aiguisé d’un historien de l’art hongrois. Ce dernier témoigne en disant je cite :  “"Je n'en ai pas cru mes yeux quand j'ai vu le chef-d'œuvre de Bereny que tout le monde croyait perdu accroché au mur à côté de Hugh Laurie !". Mais comment l'œuvre s'était-elle retrouvée ici après toutes ces années ? Après des échanges entre l’expert hongrois et avec Columbia et Sony pictures qui produisait le film, il s'avère que l'œuvre avait été placée dans le décor par une scénographe américaine. Selon Gergely Barki, cette dernière avait repéré le tableau chez un antiquaire de Pasadena, en Californie, notamment parce que je cite “ son style d'avant-garde lui semblait bien convenir au salon de Stuart Little". L'amateur d'art qui avait vendu le tableau à l'antiquaire de Pasadena, Michael Hempstead, un Californien de 56 ans, raconte avoir acheté la toile "40 dollars" lors d'une vente à San Diego, en Californie, à la fin des années 1990, avant de la revendre 400 à l'antiquaire. La scénographe qui avait racheté l'œuvre à titre privé après le tournage aux sociétés de productions, a donc finalement été mise au courant de la véritable valeur du tableau dont elle était en possession. Selon Gergely Barki, la toile aurait pu être déplacée pendant la seconde guerre mondiale par un collectionneur juif, il ajoute je cite que “Beaucoup de chefs-d'œuvre se sont perdus dans les turbulences du XXe siècle". Le tableau “La Dame endormie au vase noir” finira en 2014 par être vendue 229.500 euros lors d'une vente aux enchères à Budapest après avoir été découverte par hasard dans un décor de film américain. Une histoire qui nous rappelle d’ouvrir l'œil sur les œuvres d’arts que nous voyons passer, au cinéma comme dans le monde réel ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans nos civilisations occidentales, avec l’alphabet latin nous sommes habitués depuis bien des siècles à écrire de la gauche vers la droite. Dans certaines civilisations sémitiques comme c’est le cas pour l'alphabet hébreu, il est alors d’usage d’écrire de la droite vers la gauche, norme instaurée à l’origine par l’écriture phénicienne. Mais il existe des constructions hybrides d’écritures qui ne se limitent pas à une seule direction. D’abord, il faut savoir que très peu d’écritures peuvent être réalisées dans les deux sens, et c’est pourtant le cas des hiéroglyphes égyptiens. Dans ces derniers, un hiéroglyphe tête et un hiéroglyphe queue sont placés aux extrémités d’une ligne, et sont censés montrer le sens de lecture avec l’orientation de leurs corps ou de leurs têtes. Mais notre sujet du jour, l’écriture en boustrophédon est encore plus particulier que cela. Le boustrophédon désigne en effet, une écriture dont le sens de lecture alterne d’une ligne à l’autre, allant une ligne de droite à gauche, puis une ligne de gauche à droite… Comme le boeuf qui trace les sillons dans un champ en faisant des allers-retours, c’est d’ailleurs de cette figure imagée que le mot tient son étymologie : boustrophêdón, de βοῦς boũs « bœuf » et στροφή strophế « l’action de tourner » en grec. Ce qui est important ici, c’est le fait que le boustrophédon incarne généralement un stade intermédiaire, l’étape d’une écriture. En effet, il a été principalement utilisé à des stades anciens d’écritures avant qu’elles ne se figent dans un sens précis, comme c’est le cas avec le grec, qui avant d’écrire de gauche à droite était faite en boustrophédon. L’inscription de Sigée ou le Code de Gortyne sont des exemples bien conservés de longues phrases en boustrophédon datant de  la première moitié du Ve siècle av. J.-C. Cette écriture était en Grèce antique principalement utilisée pour des tablettes de magies, qui servaient à demander la protection d’un dieu ou d’autres services. Mais alors pourquoi avoir arrêté d’écrire de cette façon ? Tout simplement car le boustrophédon en soi ne présente aucune commodité, et on atteste dès le 4ème siècle avant JC des tentatives pour figer la langue dans un seul sens. Le terme à dérivé et  a été repris dans de nombreux domaines comme les sciences dures, avec la robotique, les mathématiques ou encore en informatique mais également dans l’art. En effet, dans l’art, le mot s’emploie pour certaines réalisations de vitraux médiévaux. La verrière de la Passion de la cathédrale Notre-Dame de Chartres doit par exemple être lue en boustrophédon. Voila, vous en savez un peu plus sur ce qu’était une écriture en boustrophédon et sur sa trajectoire dans notre histoire. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Pour écouter Choses à Savoir Gaming, rien de plus simple ! Apple Podcast: https://podcasts.apple.com/us/podcast/choses-%C3%A0-savoir-gaming/id1614359335 Spotify: https://open.spotify.com/show/5BzWe50r3lOSY5cOsFj5oj?si=2e765f85c9e7482e Deezer: https://deezer.com/show/3505927 Google Podcast: https://www.google.com/podcasts?feed=aHR0cHM6Ly9mZWVkcy5tZWdhcGhvbmUuZm0vY2hvc2VzYXNhdm9pcmdhbWluZw%3D%3D Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous vous en doutez, la combinaison entre surdité et virtuosité peut apparaître comme très complexe, notamment pour un musicien. Et pourtant, en examinant l’histoire du célèbre compositeur Beethoven, nous arrivons au constat que la perte de l'ouïe n’est pas irrémédiablement synonyme de fatalité. Ludwig Van Beethoven, compositeur de génie allemand, aura marqué l’histoire de la musique, et ce malgré une importante surdité qui le toucha à partir de ces 27 ans. Inclassable, représentant la figure de l’artiste libre et indépendant, le virtuose né à Bonn en Allemagne en 1770 n’aura cessé de montrer son talent en improvisation et son indiscutable capacité de composition en dépit de sa perte de l’audition. Comment Beethoven a-t-il vécu sa surdité, et comment cela s'est-il traduit dans ces œuvres ? D’abord, la surdité de Beethoven est principalement documentée par ses correspondances. Si l’on doute sur les origines de ce mal qui le touche, Beethoven attestait à 35 ans avoir des difficultés à entendre les instruments à vent lors des concerts. Baisse de l’audition, acouphènes, à partir de 1814, il commence alors à utiliser des cornets acoustiques, dispositif servant à amplifier le son. Sandrine Cabut, dans un article du Monde, rapporte qu'à sa première représentation publique de sa Neuvième symphonie, en 1824, à Vienne, il est à ce moment totalement sourd. Il tente par tous les moyens de cacher sa surdité au grand public, et devient alors distant avec le monde, pour se concentrer sur son art, unique obsession qu’il cultive encore et encore. Privé de l'ouïe, il correspond par écrit avec ses interlocuteurs, et cherche à ressentir sensoriellement, par tous les sens, les vibrations musicales. C’est cela qui le pousse, selon deux principales hypothèses, à mettre en place des techniques pour composer. La première est le fait de casser son piano. Débarrassé de ses pieds, il positionne son piano à terre, ce qui lui permettait de mieux ressentir les ondes sur le sol. L’autre hypothèse rapporte me fait qu’il se servait d’une règle en bois, qu’il plaçait d’un côté entre ses dents et de l’autre sur la table de piano. La règle transmettait les vibrations du piano à sa mâchoire qui le transmettait à son oreille interne qui était encore fonctionnelle, cela se nommait une “ conduction osseuse”. Il arrivait ainsi à percevoir les notes. La surdité aura fait abandonner l’activité de chef d’orchestre à Beethoven qui se sera alors concentré sur la composition. Capable de se représenter la musique mentalement, il écrira quelques-unes de ces œuvres les plus complexes, comme la “Hammerklavier” une de ces dernières sonates. Le travail récent de certains experts montre que Beethoven, dans sa perte progressive de l'ouïe ,à peu à peu privilégié les sons médium et grave qu’il percevait mieux, puis une fois totalement atteint par la surdité, est alors revenu à son, je cite Sandrine Cabut, “monde musical intérieur”. Voila, vous en savez un peu plus sur Beethoven et sur la manière dont il est arrivé à transcendé son mal pour créer. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il existe dans la langue française de nombreux mots arrivés relativement tard dans notre utilisation quotidienne. On peut citer le fameux exemple du mot Renard, qui supplanta l’utilisation du terme goupil pour désigner l’animal grâce à l’influence d’un livre du 13ème siècle nommé le Roman de Renart. Hé bien, dans la  catégorie des termes qui désigne des êtres vivants et qui sont apparus sur le tard, on retrouve également le mot pieuvre. Elle n’a pas été inspirée d’un roman de la fin du Moyen-Âge, mais est directement liée à l’un de nos plus célèbres artistes français, Victor Hugo. Grand intellectuel engagé, écrivain incontournable mais également personnalité politique de 19ème siècle, Victor Hugo va entamer un exil qui durera 19 ans, après le coup d'État mené en France par Louis-Napoléon Bonaparte en 1851. Cet exil le fera voyager de Bruxelles jusqu'à Jersey, mais, et, ce qui est important pour nous aujourd’hui, le mènera sur l'île de Guernesey, dans les îles Anglo-Normandes. En 1866, 4 ans après la sortie et le succès incontestable des Misérables, Hugo publie un roman nommé  Les Travailleurs de la mer , qui rend hommage à Guernesey et à ses habitants.  C’est dans cet ouvrage que l’on retrouve alors l’emploi du mot pieuvre. Emprunté au vocabulaire des pêcheurs guernesiais, ce terme alors très peu usité à ce moment désigne ce que l’on appelait communément jusque la un poulpe. Les deux mots ont d’ailleurs la même racine, venant du grec polypous qui signifie plusieurs (πολύ - poly : plusieurs) pieds (ποúς - poús) et sont tous deux des noms vernaculaires, des noms seulement utilisés dans certaines régions pour désigner différentes formes d’êtres vivants. Il existe même une forme intermédiaire entre le mot poulpe et le mot pieuvre, employée par des pêcheurs du Languedoc: le mot  “poufre" ou "pouvre". Cependant, après la sortie du livre de Victor Hugo, le succès est tel que le mot poulpe est rapidement supplanté par le mot pieuvre dans le langage courant. Ce dernier passera même dans la langue Italienne sous la forme "piovra". Mais alors, après tout cela, y a-t-il une différence entre un poulpe et une pieuvre aujourd’hui ? Hé bien non, le poulpe et la pieuvre désigne un seul et même animal, mais il est intéressant de noter que certaines régions emploient un terme plutôt qu’un autre. Ainsi, de la Camargue à la frontière italienne, on favorise le terme poulpe, là où le reste de la France lui préfère le mot pieuvre. Voilà, vous en savez un peu plus sur l’arrivée du mot pieuvre dans notre langage courant, en grande partie imposée par la plume de Victor Hugo ! Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans le milieu théâtral, la répétition, qui est appelée également le filage, est un exercice nécessaire à la bonne mémorisation du texte de la pièce par les comédiens, sous l'œil attentif du metteur en scène. Elle représente un des enjeux majeurs d’une pièce, et permet entre autres, le réajustement au fil des représentations de certains éléments, mais aussi l’apprentissage corporel des placements et du positionnement des corps face aux décors. Mais, au théâtre, avant d’arriver à la générale, la dernière répétition accueillant  la totalité de la pièce dans les conditions de mise en scène de la représentation publique, souvent en compagnie de la presse, il existe alors plusieurs étapes de répétitions qui ont un rôle bien précis. Mais alors où intervient la répétition à l’italienne, et que représente-elle concrètement ? La répétition à l’italienne ou bien une Italienne plus simplement,  en théâtre est une répétition partielle ou totale du texte de la pièce en mode rapide. Généralement, selon André G. Bourassa, les comédiens se mettent en ligne face à la scène et restituent leurs dialogues ou monologues en accéléré. De plus, ils sont alors prononcés sans nécessité de tons, d’expressions ou bien encore de déplacements. La répétition à l’italienne se concentre donc sur de mémorisation du texte et plus particulièrement sur les enchaînements des dialogues des personnages. Il ne faut pas la confondre avec une SCENE à l’italienne, qui est un terme qui désigne uniquement un certain agencement de l’espace scénique conçu pour être vu uniquement de face, selon les  les principes de la Renaissance italienne. La répétition à l’italienne, centrée donc sur le texte, reste obligatoire pour la bonne préparation d’une pièce et se complète généralement d’une répétition à l’allemande, qui elle au contraire se focalise sur les déplacements. Dans cette dernière, les dialogues peuvent être tronqués ou coupés, l’important reste alors l’appropriation de l’espace et des mouvements par les comédiens, notamment importante quand une troupe se déplace dans un nouveau théâtre. Que ce soit la répétition à l’italienne ou à l’allemande, les deux restent nécessaires et primordiales au bon fonctionnement général d’une troupe au travail et sont des étapes essentielles de la construction d’une pièce de théâtre. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il est parfois difficile d’arriver à formuler une critique consistante des enjeux liés à l’art contemporain sans se perdre dans une certaine subjectivité. Mais quand les mots ne viennent pas, alors on leur préfère les actes. Et c’est exactement de là que part la démarche mise en place par l’artiste Roland Dorgelès. Ce dernier est un écrivain et journaliste français, ayant, entre autres, écrit le roman nommé Les Croix de bois, inspiré de son expérience de guerre, qui le rendra célèbre. Accompagné de ses camarades du cabaret du Lapin Agile, ils vont défrayer la chronique dans le Paris du début du 20ème siècle.  Mais alors quelle est cette histoire fomentée par Dorgelès et ses camarades ? Le 10 mars 1910, dans la salle 22 du Salon des Indépendants de Paris, une exposition d’art annuelle, le public et la critique découvrent une huile sur toile de 81 centimètres de long sur 54 centimètres de large dénommée “ Et le soleil s'endormit sur l'Adriatique “. Il s’agit d’un paysage, dont la partie haute est recouverte de vives teintes rouges-orangées et dont la partie basse est peinte en bleu vert, le tout formant un coucher de soleil marin relativement abstrait. L'œuvre est signée Joachim-Raphaël Boronali, un peintre qui serait né au 19ème siècle à Gênes, en Italie. Quelque temps plus tard, cet artiste; jusqu’alors inconnu; publie dans les journaux le manifeste d’un parti dont il souhaite être le chef de file, le parti de l’excessivisme. Les critiques d’art s'intéressent au tableau, et les avis semblent partagés, certains le trouvant singulier, quand d’autres se montraient plus sceptiques, comme Guillaume Apollinaire, bon témoin de la vie artistique de l’époque, qui je cite, écrivit que “Boronali ne mystifia personne”. Une fois la curiosité des journalistes et du public attirée, la supercherie est dévoilée par Roland Dorgelès. Huissier à l’appui, il révèle au directeur du journal l’Illustration, que le tableau Et le soleil s'endormit sur l'Adriatique est une œuvre peinte par un âne dénommé Aliboron dit “Lolo”. Le nom de l’artiste Boronali n’est que l’anagramme du surnom de l’âne. Dorgelès explique avoir emprunté l'âne au tenancier du cabaret, le célèbre père Frédé, et en présence d'un huissier de justice, maître Brionne, avoir fait réaliser un tableau par Lolo à la queue duquel on avait attaché un pinceau. Chaque fois que l’on donnait une carotte à Lolo, il remuait vivement la queue, et par la même occasion, peignait la toile qui sera ensuite exposée. Dorgelès explique avoir construit ce coup d’éclat pour, je cite, « montrer aux niais, aux incapables et aux vaniteux qui encombrent une grande partie du Salon des indépendants que l'œuvre d'un âne, brossée à grands coups de queue, n'est pas déplacée parmi leurs œuvres. » Plusieurs photographies retracent de bout en bout cette histoire et sont disponibles en ligne. L'œuvre de l’âne Lolo restera néanmoins bien plus fréquentée après les révélations de Dorgelès qu’avant, et sera exposée à plusieurs reprises ces dernières années, dont une fois en 2016 au Grand Palais de Paris dans le cadre de l'exposition Carambolages. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Sans doute avez vous déjà vu l’une des œuvres les plus populaires du peintre japonais Katsushika Hokusai, la fameuse estampe de La Grande Vague de Kanagawa, qui représente une immense vague écumante s’abattant sur des barges avec en fond le mont Fuji. Loin de ne se réduire qu'à cette création, l'œuvre prolifique de l’artiste Hokusai compte plus de 1000 tableaux et 3000 dessins réalisés au long de ses 70 ans de carrières. La découverte de son travail par les peintres européens tels que Monet ou Van Gogh, constituera à la fin du 19ème siècle un véritable choc esthétique. Mais, en plus de transmettre en Occident ses fameuses estampes, des images réalisées à l’aide d'une planche préalablement gravée, Hokusai va également y introduire une autre forme d’art bien connue aujourd’hui : le manga. A l’origine, le manga n’a pas la signification moderne que nous lui connaissons et veut littéralement dire “image dérisoire” ou “dessin non abouti''. A la fin du 18ème siècle, le terme devient courant au Japon grâce à des artistes et poètes comme Kyōden Santō ou Kankei Suzuki qui le font apparaître dans leurs ouvrages. Mais en 1814, celui qui se surnomme “le fou de dessin” publie le 1er des 15 volumes de ces Hokusai Manga, nommé en français les Carnets de croquis d’Hokusai. Vaste recueil de dessins variés, on peut retrouver dans cette œuvre des croquis du surnaturel, de la faune, la flore, et des scènes de la vie quotidienne du Japon de cette époque, toutes ces estampes ayant un point en commun, le fait d’avoir été captées sur le vif. Le mot manga aurait été alors choisi pour titrer les œuvres d’Hokusai en raison de sa ressemblance avec un terme ancien qui désignait la conservation de proies dans les becs des pélicans. Quel rapport avec son travail ? Ce mot aurait permis de mettre l’accent sur les scènes représentées dans ses croquis, prises sur le vif, comme l'oiseau fonçant sur sa proie. En 1854, le commodore Perry, un officier de marine américain fait un voyage au Japon, ce après quoi, les Hokusai Manga furent largement diffusés en Europe. La première utilisation du mot “manga” en Français est faite par l’écrivain Edmond de Goncourt en 1894, qui l'emploie alors au féminin. La Manga est nommée dans une étude artistique dédiée à Hokusai. Le terme sera utilisé au féminin jusqu’aux années 1990 ou manga désigne alors la bande dessinée tant populaire aujourd’hui; qui sera alors employé au masculin, notamment dans les médias. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Quand certains l’entendent sans y prêter réellement attention, d’autres spectateurs le reconnaissent dès qu’il retentit, tant il est devenu un élément récurrent du 7 ème art. Et même si vous ne connaissez pas son nom, vous-même l’avez sûrement déjà entendu dans un long-métrage. Je parle ici du cri de Wilhelm, “Wilhelm scream” en anglais. Ce bruitage est devenu l’un des plus célèbres de la culture populaire  et cela grâce notamment à sa singularité qui le différencie des autres. Alors quelle est l’histoire de ce bruitage sonore, qui a été répertorié en 2020, sur le site INTERNET MOVIE DATABASE, comme étant présent dans plus de 512 films ? L’aventure de cet enregistrement d’un cri répandu dans le cinéma, mais qui s’est également immiscé dans les jeux vidéos ou la télévision, démarre en 1951.  Il apparaît pour la première fois dans le film d’aventure américain Les Aventures du capitaine Wyatt, réalisé par Raoul Walsh. Dans une  des scènes du film, un soldat joué par l’acteur de westerns Sheb Wooley, se fait mordre à la jambe par un alligator dans un marais et tombe dans l’eau en poussant un cri. En 1951, les voix et effets sonores sont enregistrés après le tournage en studio. Ce bruitage reste donc après ce film utilisé exclusivement par Warner Bros, qui produisait le film d’aventure jusque dans les années 1970. A ce moment, le designer sonore des films Stars Wars qui se nomme Ben Burtt va retrouver l’enregistrement sous le nom d’« Homme se faisant dévorer par un alligator ». Il va alors contribuer à le populariser en l’intégrant dans chaque épisode de la trilogie Star Wars. Mais alors pourquoi ce bruitage se nomme t-il le Cri Wilhelm ? Ben Burtt, va le renommer « Cri Wilhelm » d'après le western La Charge sur la rivière rouge (1953),  dans lequel le soldat Wilhelm pousse ce cri lorsque sa jambe est transpercée par une flèche indienne. Cela correspond au troisième film qui utilise ce bruitage. L’application du cri au montage va rapidement devenir une blague entre les différents techniciens collaborant avec Ben Burtt qui vont faire en sorte de l’incorporer dans chacun des long métrages auxquels ils travaillaient, bien évidemment quand cela était approprié, donc essentiellement sur des films d'action. La tradition est lancée, et on peut entendre le Cri Wilhelm par la suite dans la saga des Indiana Jones, mais également dans les productions de Quentin Tarantino, chez qui son utilisation est presque un rituel, et Peter Jackson. Malgré la promesse de Ben Burtt de ne plus utiliser ce son à la mort de l’acteur l’ayant créé, Sheb Wooley, en 2003, il continue à être employé très régulièrement . Vous le retrouverez le plus généralement lorsqu’une personne est abattue, projetée dans une explosion ou bien encore lorsqu’un personnage tombe d’une grande hauteur. Voilà, vous en savez un peu plus sur le Cri de Wilhelm, dont vous pouvez retrouver des compilations de ses apparitions dans des films cultes très facilement sur la plateforme Youtube. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Née en 1874 à Clauzure, Jane Poupelet fait ses études à l’école des beaux-arts et des arts décoratifs de Bordeaux, où elle est la première femme à être admise. Après avoir obtenu un diplôme de professeur de dessin, elle va suivre une formation auprès du sculpteur français Lucien Schnegg, qui réalisera notamment un de ses plus célèbres portraits. Entre 1899 et 1901, elle expose sous le pseudonyme masculin de Simon de la Vergne au Salon de peinture et de sculpture, et se verra notamment décerner une médaille de la part du Jury sans qu’il ne sache qu’il venait de récompenser le travail d’une jeune fille. Mais que représente son art? Jane Poupelet va se faire connaître pour ses nus féminins, emplis de grâce et de sensualité et se spécialise  également dans la sculpture animalière stylisée, qui séduit grandement le public et lui permet de vivre de rentes.  En bref, au début du 20 ème siècles, Jane est devenue une figure importante de la scène artistique, qui reçoit de nombreuses commandes et qui arrive à vivre de ses créations. Mais en 1918, une nouvelle mission l’attend, bien différente de ce qu’elle connaît et fait jusqu’alors. En cette fin de Guerre, Jane va décider de mettre son talent et son travail au service des soldats revenus du front et plus précisément au service des mutilés de guerre. Ceux que l’on appelaient les “Gueules Cassés” affichaient alors tant mentalement que physiquement leurs séquelles et traumatismes rencontrés au front, si bien qu’il était parfois complexe pour certains de retourner dans leur familles par peur de leurs réactions. Jane Poupelet rejoint le « Studio for Portrait Mask », un atelier parisien sous l’égide de la Croix-rouge Américaine. Elle y rencontre la sculptrice américaine Anna Ladd, avec qui elle va œuvrer par la sculpture à la reconstitution de l’apparence des visages pour les mutilés de la Grande Guerre. Leurs créations, à mi-chemin entre le moulage médical et la composition artistique, vont reconstituer la partie du visage des blessés et occulter la zone endommagée. Et la tâche n’est pas facile. En effet, les masques faits de plâtres, puis de cuivre recouvert de peinture émaillée qui simulent la peau humaine, demandaient une grande minutie, et une seule prothèse nécessite généralement un mois entier de travail. Elle même détaillera sa mission en disant, je cite, "Mon objectif [est] de mettre dans le masque une part de cet homme, c'est-à-dire l’homme qu'il était avant la tragédie". Jusqu’en 1920, Jane participe bénévolement à la création de centaines de masques. Bien que les prothèses du « Studio for Portrait Mask » ne soient qu’éphémères et tendent à figer les expressions de leurs porteurs, la reconstruction des visages et des identités par l’art permit à certains soldats de se réinsérer socialement dans la société d’après-guerre. La jeune sculptrice française a réussi à mêler l’art à un rôle structurant dans cette France meurtrie, et a contribué au fil de son travail et de son investissement, à soigner des blessures grâce à sa sculpture et son talent.  Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le théâtre à pour caractéristique en tant que spectacle vivant de devoir mobiliser moyens humains et techniques pour chaque représentation. Jusqu’aux années 1980, Danielle Mathieu-Bouillon, présidente de l'Association de la régie théâtrale, estime que je la cite, “ les pièces restaient plus longtemps à l'affiche car il n'y avait pas ou peu de télévision, moins de salles et les comédiens acceptaient de jouer longtemps “. Si bien qu’en 2017, le metteur en scène  Sébastien Azzopardi affirmait que je cite “La moyenne d'une pièce à Paris est d'à peine 100 représentations” en un an. Mais alors, quelle est donc cette œuvre qui a réussi à battre tous les records en termes de représentation malgré la conjoncture ? Il s’agit d’une pièce de théâtre policière écrite par Agatha Christie et qui se nomme La Souricière. Agatha Christie surnommée “la reine du crime” est une des écrivains les plus importantes du 20ème siècle pour le genre policier, spécialisée dans les œuvres à huis clos, qui entraînent les spectateurs à spéculer sur les coupables parmi les personnages qui sont présent . La Souricière, The Mousetrap en anglais, nommée ainsi en référence à une tirade prononcée par Hamlet dans la pièce éponyme de Shakespeare, a donc été créée en 1952 pour le théâtre royal de Nottingham, à Londres. A l’origine, l'œuvre est une pièce radiophonique destinée à être diffusée une seule fois, le 30 mai 1947, mais le destin de cette dernière sera finalement radicalement différent. Depuis 1952, la pièce d’Agatha Christie n’a jamais quitté l’affiche et le 18 novembre 2012, elle passe alors le cap des 25000 représentations faites, établissant le record de longévité d’une œuvre théâtrale. Un transfert du New Ambassador theatre jusqu’au St Martin's Theatre à seulement été effectué en 1974, lieu ou il est encore possible d’aller la voir, dans une mise en scène de David Turner  Dans le même sillon, La Cantatrice Chauve et La Leçon, deux pièces d’Eugène Ionesco sont également jouées dans leurs mises en scène d'origine depuis 1957, sans interruption, accueillant 18 000 représentations, soit 7000 de moins que pour la Souricière. Mais alors finalement, que raconte cette pièce ? Un groupe de 9 personnes se retrouvent coincées dans une maison à cause des intempéries. Vous vous en doutez, parmi eux se trouve un meurtrier. Le doute règne alors jusqu’au dénouement, et chaque personnage est construit pour faire douter le spectateur. Fait étonnant qui a pu participer à la longévité de la pièce, le public, mis face à la conclusion à surprise de La Souricière, est prié de ne pas ébruiter les révélations finales de l’oeuvre. La dernière réplique de la pièce étant, je cite :« Chers spectateurs, complices du crime, merci d'être venus. Et de ne pas révéler l'identité du meurtrier ». Une œuvre toujours aussi efficace aujourd’hui donc, et qui continue, tant bien que mal, après 65 ans de succès à entretenir le secret sur les rouages de son intrigue. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

En 1894, Alfred Dreyfus, officier d’état major de confession juive est accusé à tort d’avoir livré des documents à l'Allemagne, et sera par la suite exilé sur l’ile du diable en Guyane Française. Le véritable coupable est trouvé en la personne du commandant Walsin Esterhazy, fait reconnu par le lieutenant-colonel Georges Picquart. Malgré les tentatives de l’Etat-Major pour étouffer l’affaire, un soutien grandissant pour Dreyfus oblige l’état-major de l’armée à faire comparaître Esterhazy en conseil de guerre. Le 11 janvier 1898, il est néanmoins acquitté. Et c’est ce verdict qui pousse l’écrivain Emile Zola à se positionner de manière assez poussée dans l’affaire en accusant entre autres 10 hommes d’Etat par écrit. Le 13 janvier 1898, soit deux jours après l’acquittement d’Esterhazy, Emile Zola publie son très célèbre article nommé “J’accuse” dans le journal L'Aurore. Le texte, construit sous la forme d’une lettre ouverte, au président de l’époque Félix Faure, reste encore aujourd’hui un des symboles du pouvoir de la presse et de l’engagement d’un auteur dans la lutte contre l’iniquité. Mais alors, quelle est l’histoire du titre de cet article resté ancré dans les mémoires comme un cri poussé par Zola ? Il n’a pas été imaginé par l’écrivain. En 1898, Emile Zola est déjà  au sommet de sa gloire, ayant terminé sa saga des Rougon-Macquart. Contrairement à ce que dit la légende, il n’écrit vraisemblablement pas son article en deux jours vu la densité de son texte, mais la commence en décembre 1897 selon l’historien Alain Pagès. Écarté du Figaro après son positionnement en tant que dreyfusard, il se dirige vers le journal L’Aurore, jeûne quotidien militant qui mêle actualité artistique et espace d’expression politique, incarné par Georges Clemenceau, son éditorialiste. Emile Zola rencontre alors Ernest Vaughan, le directeur de l’Aurore, un jour après le procès, le 12 janvier, pour présenter son article, à l’origine titré plus prosaïquement “Lettre à M. Félix Faure Président de la République “ . Après la lecture devant toute la rédaction de son pamphlet, l’équipe du journal bute sur le titre, choisi dans la lignée de ces anciens articles comme “Lettre à la jeunesse”. Vaughan et Clemenceau s'emparent du texte et décident d’en changer son intitulé, qui ne correspond pas, selon eux, au format d’un journal. Vous vous en doutez, leurs but était de faire en sorte que le titrage de la une soit visible de loin mais qu’il puisse également se crier dans la rue. En effet, l’information à cette époque dans les grandes villes tout du moins, circule et se transmet en l’extérieur. Il s’agit aussi de reprendre les codes des journaux du soir principalement anti-dreyfusard, contre lesquels Zola se dresse, pour pouvoir attirer une partie de leurs lectorats vers ce coup d’éclat de l’auteur. Et c’est du futur président du Conseil des ministres français, Georges Clémenceau, que viendra l’idée. Pendant la réunion du journal, il s’écrit alors, je le cite, « Mais Zola vous l'indique, le titre, dans son article : c'est “J’Accuse...!” Ainsi sera validée la mise en place d’un titre qui frappe au premier coup d'œil. L’article, distribué dès 8h du matin en France le 13 janvier 1898, est vendu  200 000 à 300 000 exemplaires en quelques heures à Paris. Habitué à une audience assez modeste, La publication du pamphlet de Zola constituera l'heure de gloire du quotidien l’Aurore. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La cohabitation entre art et réseaux sociaux peut parfois apparaître comme un sujet sensible. Parmi les casse-têtes auxquels font face les musées, la question de l’exposition de nus artistiques et créatifs en ligne reste une des plus grandes problématiques : Comment promouvoir une exposition ou une œuvre sur les réseaux sociaux si ces derniers bloquent systématiquement les œuvres représentant la nudité? A Vienne en Autriche, l’office de tourisme de la ville a trouvé une solution pour ses musées,  en mêlant ingéniosité et provocation. En lançant une opération nommée "Vienna strips on OnlyFans", "Vienne se déshabille sur OnlyFans", la ville compte esquiver la censure des réseaux sociaux dit classiques. Only fans, c’est une plateforme londonienne principalement connue pour proposer des services payants sexuellement explicites et qui compte 150 millions d’utilisateurs. En postant les œuvres d’arts comportant de la nudité sur ce site, Helena Hartlauer, porte-parole de l’office du tourisme de Vienne explique vouloir dénoncer le fait que certaines œuvres majeures de leurs collections, comme l’autoportrait du peintre expressionniste autrichien Egon Schiele de 1910, soient inexploitables sur le web, car censurées dès leurs publications. Elle ajoute, je la cite, que “certaines œuvres de l’exposition actuelle du Musée Albertina, du portraitiste italien Amedeo Modigliani, sont trop explicites pour qu’on en fasse la promotion”. Dans la même logique, la "Vénus de Willendorf", statuette en calcaire symbole de fertilité âgée de près de 30.000 ans a été classée comme contenu pornographique par Facebook. Au delà de l’opération de communication, le but de cette action est, comme l’ explique à l'AFP Norbert Kettner, le directeur de l’office de tourisme de la capitale autrichienne, de pouvoir, je cite, “ouvrir le débat sur le rôle des algorithmes et des géants de la tech dans l'art". Ce manque de discernement et de jurisprudence dans les décisions prises par les réseaux sociaux tend à toucher de plein fouet les institutions muséales dans un contexte post Covid ou l’exposition médiatique est plus que jamais nécessaire pour attirer les visiteurs entre les murs et les toiles. En attendant de faire bouger les choses, l’office de tourisme de Vienne a promis des réductions et des places pour les abonnés Onlyfans qui leur permettront de venir visiter les expositions en face-à-face, tout en précisant que cette démarche n’a pas vocation à durer. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’historien de l’art René Huyghe dit de Corot sur le ton de la plaisanterie en 1936, je cite qu’il “ est l’auteur de 3 000 tableaux dont 10 000 ont été vendus en Amérique.” Jean-Batiste Camille Corot est un peintre français né en 1796 à Paris. Fils de drapier, il se met à la peinture à l'âge de 26 ans, avec une formation artistique relativement légère. Considéré pendant un certain temps comme un peintre amateur, il finira par trouver la reconnaissance des milieux artistiques notamment pour ses retranscriptions de paysages bucoliques qu’adoraient Delacroix et Baudelaire. Voyageant partout en France et également en Italie, il fige sur la toile sa spontanéité picturale qui donne aux cours d'eau et aux arbres qu’il peint une représentation unique. Célèbre pour ses paysages, il peint également de nombreux portraits mis en lumière par une exposition organisée au musée Marmottan-Monet à Paris. Mais Corot est aussi connu pour être devenu la hantise des professionnels tant il a attiré l'intérêt des faussaires. Bien qu’il ne soit pas le seul peintre à les avoir inspirés, il est néanmoins considéré par Vincent Pomarède, conservateur au Louvre comme l’un des artistes les plus copiés de la peinture française. Mais alors pourquoi et comment en est-on arrivé là ? De son vivant, des faux Corot circulent déjà. Ces imitations de tableaux se mettent alors rapidement à se multiplier à partir des années 1860, alors que sa renommée commence à être bien établie. Et le trafic était important, si bien que des collectionneurs se sont fait avoir, le Louvre lui-même ayant exposé des faux Corots, ce que confirme Vincent Pomarède. En plus des œuvres réalisées par des faussaires, il faut ajouter à cela le fait que Corot peignait parfois le même motif avec d’autres artistes, créant ainsi des œuvres stylistiquement très similaires les unes aux autres, ce qui venait compliquer la tâche aux spécialistes. De plus, Corot pouvait également peindre des variantes de ces tableaux, travailler en collaboration avec d’autres peintres, ou encore donner aux élèves de son atelier ces œuvres comme modèle, ce qui venait également complexifier l’ensemble du réseau de faux tableaux sur le marché. Plus rarement, il lui est arrivé une fois ou deux selon Pomarède, d’aller jusqu'à signer les œuvres de ces compagnons dans le besoin. Tout cela à contribué à faire circuler sur le marché de l’art énormément de faux tableaux de Corot. Ce trafic est essentiellement concentré sur les paysages de Corot, qui comportaient des éléments récurrents plus simples à recopier pour ceux qui le voulaient. En ce qui concerne les profils des faussaires, cela allait de l’imitateur isolé dans l’entourage du peintre, tel Achille Oudinot, jusqu'à la filière de production industrielle de faux. Dans ces dernières, on composait des tableaux «à la manière de», avant d’y incorporer la signature du maître, l’artiste Fernand Léger ayant par exemple travaillé d’en l’une d’elles à Paris. En somme, Corot aura été une cible idéale pour les faussaires, de par sa longévité artistique et l’abondance de son œuvre qui semble peu onéreuse à contrefaire. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Que ce soit à propos de séries télévisées qui se déclinent en milliers d’épisodes, de complexes histoires de familles qui se poursuivent sur plusieurs générations ou encore plus concrètement des différents films Star Wars, on peut constater que la saga est particulièrement présente dans notre paysage artistique. pour de pures intentions financières ou bien pour de réels buts scénaristiques, de nos jours, la saga est utilisée dans le langage courant pour désigner des suites romanesques en plusieurs volets, bien qu’elle ne soit pas uniquement littéraire mais également cinématographique. Mais savez-vous d'où vient le terme de “saga” et pourquoi l’utilisait-on à ces débuts ? Hé bien, ce mot fait parti de ceux que nous avons hérité de la littérature médiévale et plus précisément de la littérature islandaise médiévale. En effet, la saga, littéralement “ ce qui se raconte” en islandais, qui est de la même racine que le mot say, dire, en anglais, s’est développée en Islande au 12ème et 13ème siècle, à la fin du Moyen Age. A l’origine, en effet, la saga est décrite par le linguiste Régis Boyer comme, je cite, un récit en prose, rapportant la vie et les faits et gestes d'un personnage digne de mémoire pour diverses raisons, depuis sa naissance jusqu'à sa mort, en n'omettant ni ses ancêtres ni ses descendants s'ils ont quelque importance “. Dans le contenu d’une saga, on retrace l’histoire de folklores païens mêlés à une influence chrétienne. A côté de ce syncrétisme, la saga permet de témoigner des éléments de mœurs  et de société de l’histoire viking. Elle demeure encore aujourd’hui une source importante pour l’anthropologie et l’ethnologie, sciences qui étudient l'être humain et les groupes humains sous tous leurs aspects. Il existe au total 5 catégories de sagas , répertoriées par l’écrivain islandais Sigurður Nordal dans Nordisk Kultur VIIIB (1953), qui oscillent alors entre véritables témoignages et sources historiques qui flirtent parfois avec le récit de fiction. On retrouve ainsi les sagas royales, qui traitent des rois danois, norvégiens et suédois, les sagas des Islandais, qui se rapportent aux hauts faits d'un ancêtre d’une famille, les sagas des contemporains, qui sont des narration d'événements s’étant déroulés durant la vie de l’auteur. Les sagas des chevaliers quant à elles, sont des adaptations assez libres de chansons de geste françaises et les sagas légendaires rassemblent des écrits qui s’attachent à donner plus de place aux mythes et au merveilleux. La saga au Moyen-Age contenait déja cette idée d’histoire à perpétuer qui connait de nombreux épisodes et rebondissement, concept qui ne s’est pas détaché du mot dans son utilisation moderne. Ainsi, le mot saga s’est déplacé sémantiquement au fil des siècles pour être utilisé aujourd’hui parfois uniquement pour faire référence à plusieurs films qui viennent compléter un scénario global, sans qu’on puisse y voir ses origines islandaises médiévales.  Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Qu’ils s’agissent d'événements historiques, d'architectures, de personnalités réelles ou fictives ou encore d'œuvres d’art, l’effet Mandela n’épargne aucune des strates de notre culture collective. Peut être en avez vous déjà entendu parler, la notion d’effet Mandela en psychologie désigne une fausse croyance ou un faux souvenir partagé par un certain nombre de personnes à travers le monde. Mais pourquoi l’appelle-t-on l’effet Mandela ? En 2010, l’auteure américaine Fiona Broome qui assiste à une conférence se rend compte que la plupart des participants croyaient comme elle que Nelson Mandela était mort pendant son emprisonnement en 1980, alors même que ce dernier ne mourra que bien plus tard, en 2013. Elle nomme par la suite cet effet du nom de l’homme d'État sud-africain, pour désigner cette confusion de la mémoire collective. Il faut bien noter que les personnes atteintes par cet effet pensent réellement détenir la vérité. Mais notre cerveau n’est pas infaillible, certains de nos souvenirs se transforment ou bien disparaissent tout comme nos représentations mentales. Alors comment cet effet se caractérise dans l’art ? Au cinéma, de nombreux films sont concernés, et notamment ceux de la saga Star Wars. Par exemple, contrairement à ce que l’on pense, Dark Vador ne dit pas Luke, je suis ton père mais bien Non, je suis ton père. Ou bien encore le fait que C3PO soit considéré comme entièrement doré, alors qu’il possède une jambe en argent visible lors de ces apparitions à l’écran. Mais l’un des plus célèbres cas d’effet Mandela reste celui d’un film dont certaines personnes se souviennent alors qu’il n’a jamais existé. Le film en question se nomme “Shazam” et serait sorti dans les années 90. Les personnes qui croient se rappeler de ce long-métrage y voient alors l’acteur américain Sinbad dans le rôle d’un génie. Si ce film n’a en réalité jamais existé, il se trouve qu’un film se nommant Kazaam avec Shaquille O’Neal dans le rôle d’un génie pourrait être à l’origine de cette affirmation. En sculpture, on peut parler d’effet Mandela en évoquant le penseur de Rodin, dans quelle position se tient-il ? A-t-il sa main refermée sur son front ? Non, sa main est en réalité posée sur son menton, contrairement à ce que certains auraient tendance à penser. Enfin, en peinture, la célèbre Joconde est également concernée par ce biais. Des visiteurs affirment avoir étés surpris en voyant que Mona Lisa souriait  sur le tableau, là où ils pensaient avoir une image inconsciente d’elle avec une expression neutre. Selon le Dr. Gene Brewer, professeur associé en psychologie cognitive, cet effet, en ce qui concerne les éléments culturels comme le reste, relève de la reconstruction de notre mémoire. En essayant de se rappeler d’un événement, on reconstruit un souvenir en le structurant d'éléments qui font sens, quand bien même si ces derniers sont tirés d’autres circonstances. Un effet qui nous pousse pour le combattre, à retourner voir dès que l’on peut nos œuvres préférées en face à face. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi les éléments les plus représentatifs pour symboliser l’image d’un clown, il est probable que le nez rouge arrive en première place. En effet dans l’inconscient collectif, le personnage du clown et son nez de couleur rouge ne font qu’un, et nous allons voir que l’histoire de ces derniers reste étroitement liées. D’abord, d'où vient le clown ? Tirant ses origines des personnages grotesques, notamment de la commedia dell'arte italienne, le clown que nous connaissons tous reste une invention relativement moderne. Au 18 ème siècle en Angleterre, apparaissent les clowns dans les cirques équestres. Ils sont à ce moment là, engagés par les directeurs de ces établissements, dans le but d’enrichir leurs programmes et d’entrecouper les performances des véritables cavaliers. Leurs puissances comiques venaient alors tant de leurs postures comiques, au début parfois adoptées à leurs dépens, que par leurs costumes. Le personnage va évoluer pour devenir un clown blanc, plus digne et sérieux, et fera duo avec l’Auguste, clown loufoque et grotesque qui nous intéresse plus particulièrement car c’est avec lui qu’arrive le nez rouge. Outre cet attribut caractéristique, l’auguste est le type de clown le plus représenté dans l’imaginaire collectif d’aujourd’hui, qui porte d’immenses chaussures, une perruque et des couleurs vives. Mais alors, d'où vient ce fameux nez rouge, tant porté par les Augustes ? Deux légendes qui expliquent son apparition ont survécu jusqu’ici. La première vient d’Angleterre. Elle raconte l’histoire d’Un écuyer ivre n’arrivait pas à tenir sur son cheval pendant un spectacle, ce qui provoqua l'hilarité générale. Selon cette version, cela a contribué à ancrer le nez rouge comme symbole de l’ivresse, en tant qu’attribut du clown. La seconde histoire rapportée vient, elle, d’Allemagne. En 1869, dans un cirque équestre, un garçon de piste maladroit, l'acrobate Tom Belling, se prend les pieds dans un tapis, et s’écrase le nez, qui rougit aussitôt. Le public le traite alors de Dummer August, ce qui en argot berlinois signifie « homme stupide ». Cette version donne également l’origine du mot Auguste pour désigner ce clown. Mais alors, est-ce que le nez rouge à un véritable intérêt pour le clown ? Hé bien oui, en plus de focaliser l’attention sur le visage du clown, le nez rouge vient annoncer d’emblée le décalage de ce dernier. Il symbolise ici l’inadapté, ou encore l’idiot, et annonce en quelques sortes son rôle au milieu d’artistes aux tours plus spectaculaires. C’est un équilibre, entre gestes et déguisement, qui permettra au clown de proposer un jeu plus minimaliste aux spectateurs. Le nez rouge reste encore aujourd’hui important pour le jeu clownesque, Jacques Lecoq, grand formateur de clowns, le considérant comme le «plus petit masque au monde ». Lecoq insiste d'ailleurs sur la dimension universelle du nez : rouge comme le feu, sphérique comme la terre et aérien comme une bulle, il personnifie de fait tous les traits de caractère du clown : passionné, virevoltant, ou encore léger.Voilà, j’espère vous avoir appris quelques éléments sur l’origine du nez rouge des clowns et sur ses fonctions. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Parmi  les nombreux mouvements de l’art moderne en peinture que le 20ème siècle ait connu, le fauvisme reste l’un des premiers et des plus importants à voir le jour. Mais d’abord, que regroupe le mouvement fauviste ? Sous l’égide des peintres Henri Matisse, André Derain et Maurice de Vlaminck, les fauves vont chercher à travers leurs œuvres à peindre principalement la nature, de la manière la plus dynamique possible. Cela passe par l’utilisation chez les artistes fauves de détails simplifiés et de couleurs vives et fortes, sorties du tube, comme “ un pot de peinture jeté à la face du public “, écrira le critique d’art Camille Mauclair. La peinture est alors appliquée sur le tableau par de rapides touches qui donnent cette impression de représentation brute au fauvisme, par opposition à la douceur de l’art impressionniste. Les fauves sont donc une réunion d’artistes partageant les mêmes préoccupations et les mêmes goûts, mais ce n’est pas une association d’art organisée comme la Brucke en Allemagne, ou encore un groupe lié étroitement par un crédo artistique comme les Nabis. Ainsi, le mouvement fauviste en tant que tel aura été relativement éphémère, actif de 1904 à 1908, quelques années qui auront suffit aux artistes pour laisser une trace dans le paysage pictural de leur époque. Élément qui paraît assez étonnant pour un mouvement d’une telle ampleur, après 1908, les peintres du groupe délaissent progressivement le fauvisme. Si bien que les peintures de Derain faites dans les années 1920 sont beaucoup plus classiques, tout comme les collages de Matisse dans les années 40, qui n’ont plus grand chose à voir avec ces toiles de 1904, au début de la période fauve. Mais alors, d'où vient cette appellation de fauvisme qui semble dans un premier temps peu en lien avec ce groupe ? En 1905, est organisé le Salon d'automne qui est un événement artistique qui s'est tenu à Paris, au Grand Palais. On peut y admirer dans différentes salles des artistes dont la reconnaissance est déjà faite, tels que Rodin, Cézanne, Renoir ou encore Bonnard. Mais au centre de tous les regards se trouve alors la salle 7, positionnée au cœur de l’exposition. Que trouve-t-on dans cette pièce ? Vous vous en doutez, ce sont 39 toiles, celles de Matisse, Manguin, Derain, Vlaminck, Marquet ou Camoin, avec leur style qui paraît si brutal aux yeux de la critique. Au centre de la salle, trône entouré de ces peintures, deux bustes du sculpteur Albert Marque, dans un style beaucoup plus traditionnel. Arrive alors dans la salle, Louis Vauxcelles, un critique d’art très influent du 20ème siècle. Il la décrit dans un article publié dans le journal Gil Blas le 17 octobre 1905 en disant je cite : “La candeur de ces bustes surprend au milieu de l'orgie des tons purs : Donatello chez les fauves”. C’est la première fois que le terme fauve est employé , et il restera, adopté tant par la critique que par les artistes eux-mêmes pour désigner leur mouvement. Voilà, vous en savez un peu plus sur l’origine du mot fauvisme et les caractéristiques du mouvement, qui annonçait à l'époque, le commencement d’une nouvelle ère. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Que doit-on faire d’un objet cassé, doit-on obligatoirement le jeter ? A cette question, un art venu du Japon nous apporte une réponse claire. Dans la culture japonaise, un objet brisé peut avoir plus de valeur qu’un objet neuf, sa réparation étant considérée comme une plus value, un intérêt supplémentaire à ajouter à l’objet en tant que tel. La réparation dans le but de sublimer porte un nom : le Kintsugi, littéralement en japonais la jointure en or. Mais alors en quoi consiste concrètement cet art ? Hé bien, le Kintsugi est une méthode de réparation principalement pratiquée sur des porcelaines ou des céramiques brisées. Que ce soit des bols, des vases ou bien des assiettes, les artisans spécialisés dans cet art vont alors rattacher les morceaux d’un même objet en utilisant de la laque saupoudrée d’or. Mais alors, d'où vient cette pratique ? Les premières références faites au Kintsugi remontent à la fin du 15ème siècle. Selon la tradition, un jour, , Ashikaga Yoshimasa, qui est shogun, l’équivalent d’un général d’occident, renvoit un bol de thé endommagé en Chine pour le faire réparer. Le bol lui revient alors quelques temps plus tard, raccommodé avec de vilaines agrafes métalliques. Le shogun a alors protesté et des artisans japonais ont cherché un moyen de réparation plus esthétique, et ont par la suite proposé cette technique faite avec des jointures en laque recouverte d’or, qui reste bien visible sur l’objet. Cela permettait de faire émerger une nouvelle décoration ajoutée à l'œuvre d’art d’origine. Dès lors, les shoguns ont pris l’habitude de ne plus jeter les objets en céramique cassés, mais de leur donner une deuxième vie en mettant en valeur leurs accidents plutôt qu’en les dissimulant. En plus d’être un véritable symbole de la résilience en psychologie, le Kintsugi est un art qui relève  également d’une philosophie de vie dans laquelle est pris en compte le passé de l’objet et son histoire. La casse d’une céramique ne signifie pas sa mise à l’écart, mais bien un renouveau, le début d’un autre cycle et c’est en cela que cette symbolique peut être également appliquée à l’être humain. Vous vous en doutez maintenant, le succès de cet art du Kintsugi fut conséquent. A tel point, que certains collectionneurs qui s’étaient épris de cette pratique furent accusés de briser délibérément certaines de leurs poteries précieuses afin de pouvoir bénéficier des fameuses coutures d’or du Kintsugi. Voilà, j’espère vous avoir fait découvrir cette pratique artistique qu’est le Kintsugi, qui permet de lier à merveille l’art et la philosophie. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Même s' il se fait rare dans les œuvres littéraires d’aujourd’hui, l’alexandrin reste le vers le plus célèbre et l’un des plus recherché de la poésie française classique. Il est d'ailleurs le seul vers à avoir un nom propre .D’abord, qu’est ce qu’un alexandrin ? Alors, l’alexandrin est un vers de douze syllabes qui, en principe, est parfaitement équilibré. En le prononçant, on marque un temps fort à la sixième syllabe en faisant une pause, qui va scinder le vers en deux parties égales de six syllabes, cette coupe se nomme alors une césure et est particulièrement importante dans la construction de ce genre de vers. On peut citer comme alexandrin célèbre la phrase prononcée dans le Phèdre de Racine, “ Tout m’afflige et me nuit et conspire à me nuire”. On retrouve également des alexandrins dans des œuvres plus contemporaines comme le fameux : “ Je suis, mon cher ami, très heureux de te voir” lancé par Numérobis dans le film d’Alain Chabat Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre. On répertorie plusieurs formes d’alexandrins, la structure en elle-même ayant beaucoup évolué au fil des siècles et des courants poétiques et littéraires. Mais alors, quelle est l’origine de l’alexandrin, d'où vient-il ? Utilisé pour la première fois dans une chanson de geste, genre littéraire européen, nommée Pèlerinage de Charlemagne qui fut probablement écrite entre la fin XI et le début XIIe siècle, le nom de l’alexandrin se développe un peu plus tard. On retrouve la mention du terme autour d’un poème écrit par Alexandre de Bernay au 12ème siècle toujours, dans le Roman d’Alexandre, un recueil de Légendes sur les exploits d’Alexandre Le Grand. Dans cette version du recueil, on peut y lire aux alentours de 20.000 vers, tous composés de 12 syllabes. Par la suite, le terme alexandrin qui découle de cette œuvre ne sera véritablement attesté qu’au 15ème siècle, et les spécialistes ne savent pas exactement si le mot évoque Alexandre le Grand, le héros dont les histoires nous sont narrées, ou bien son écrivain, Alexandre de Bernay. Quoi qu’il en soit, le terme est par la suite adopté dans notre  langue, mais reste relativement rare jusqu’au 16ème, date avant laquelle, les vers décasyllabes, de 10 syllabes donc, étaient la référence. La Pléiade, le fameux groupe de poètes français du 16ème siècle va véritablement lancer l’alexandrin. Plus précisément, les poètes  Jean-Antoine de Baïf et Pierre de Ronsard l’imposent en même temps que l’ode et le sonnet. Après la poésie, c’est au tour du théâtre d’adopter l’alexandrin, qui va devenir l’un des vers les plus importants au 17ème siècle, utilisé abondamment par Racine pour ses tragédies. Il s’impose ainsi au monde de l’art et devient le vers de référence que nous connaissons aujourd’hui. Voilà, j’espère vous avoir appris quelques éléments sur l’histoire et sur les origines de l’alexandrin. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Tout comme les techniciens en charge de la lumière et des décors, les maquilleurs font partie des personnes qui œuvrent dans l’ombre pour donner corps à l’histoire qui nous est racontée à travers notre écran. Même si les effets CGI, (Computer Generated Image) et les effets spéciaux se sont imposés dans l’habillage de nos personnages de cinéma préférés, la base permettant à la magie de fonctionner reste encore aujourd’hui le maquillage, accompagnée par le travail des prothésistes. Mais alors quel est donc ce film avec le plus gros budget réservé au maquillage ? Il s’agit du long métrage du réalisateur américain Franklin Schaffner, La Planète des Singes sorti en 1968, le premier film de la franchise. Adapté du roman du Français Pierre Boulle, le film sera un véritable succès critique et commercial qui ouvrira notamment la voie à d’autres sagas et adaptations plus récentes. Il faut savoir que dans ce film, le maquillage des comédiens représentait 17 pourcents du budget global, soit l’équivalent de 5.8 millions de dollars ! Une grande partie du succès du film repose donc sur le travail réalisé par le maquilleur John Chambers, qui a, avec son équipe, créer les prothèses en latex de tous les habitants de la cité des singes, en plus de ceux personnalisés pour les personnages principaux. Afin de concevoir au mieux ces masques de primates, lui et son équipe s'inspirent de Debbie, la chimpanzé femelle de la série Perdus dans l'espace, réquisitionnée pour l’occasion. Chaque comédien devait passer entre 3 à 6 heures pour être transformé en singe, puis une heure pour ensuite être démaquillé. L’acteur Emmanuel Goldenberg alla jusqu'à refuser son rôle dans le film, car il pensait ne pas pouvoir supporter les nombreuses heures de préparations. Durant le tournage ou certaines scènes ou près de 200 singes étaient présents, la production a fait alors appel à 60 maquilleurs, en plus de 40 perruquiers. Un travail très précis donc pour John Chambers, qui sera alors récompensé pour son exceptionnelle performance sur le film, par un Oscar d’Honneur décerné par l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences l’année suivant la sortie du film, en 1969. Pour la petite histoire, la production remarqua que, pendant les pauses des comédiens, les acteurs se regroupaient inconsciemment avec ceux maquillés en singes de la même espèce : ainsi, gorilles, orang-outangs et chimpanzés se retrouvaient dans trois groupes distincts à attendre leurs scènes. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

On connaît l’écrivain et le poète irlandais Samuel Beckett principalement pour son œuvre théâtrale, bien qu’il ait également produit de nombreux poèmes et proses narratives, un terme qu’il utilise pour décrire ses nouvelles et ses romans dans une période donnée. Sa pièce la plus célèbre est certainement En attendant Godot, créée en 1953 considéré comme un chef d'œuvre du théâtre de l’absurde, spécialité de Beckett. Mais sa pièce la plus vue par les spectateurs reste considérablement moins exposée médiatiquement, quand bien même ses caractéristiques soient pour ainsi dire étonnantes. Mais alors quelle est cette œuvre  ? Il s’agit de la pièce de théâtre nommée Souffle, Breath en anglais, jouée pour la première fois à l’Eden Théâtre à New York, le 16 juin 1969, année particulière pour Beckett qui reçoit alors un prix Nobel de littérature pour sa carrière. Samuel Beckett, dont les pièces de théâtre sont dans l'ensemble assez courtes, réalise tout de même avec Souffle une véritable prouesse. Vous l’avez entendu dans le titre de ce podcast, cette dernière dure au total moins de 30 secondes, et pour être plus précis 24 selon les indications du dramaturge irlandais. Mais, que se passe-t-il sur scène pendant moins d’une minute ?  D’abord, la pièce débute dans l’obscurité, puis une faible lumière vient éclairer la scène qui est jonchée de détritus, qui selon Beckett ne doivent pas être verticaux. On entend ensuite un vagissement, le cri d’un nouveau né, suivi des bruits d'une personne inhalant et exhalant fortement, en synchronicité avec la lumière. La pièce se termine ensuite sur un second cri d’enfant sans aucune présence humaine sur scène. Outre la mise en valeur du désordre de la vie humaine par Beckett, l'œuvre synthétise bien ces obsessions dans l’art, mêlant humour, minimalisme et abstraction. Au total, 85 millions de personnes ont vu 1 314 représentations de Souffle faisant de cette pièce l'œuvre la plus vue de Beckett. Dans la pensée de ce dernier, Souffle permet d’appuyer son point de vue sur la notion de conception artistique, lui qui estime que  l'artiste doit créer des pièces , je le cite, “ rebelle à toute intellection, à toute logique, à toute sorte d'ordonnancement”. Voilà, vous en savez plus sur Souffle, une œuvre de Samuel Beckett, qui reste le plus grand succès en termes d’entrées du dramaturge malgré sa relative discrétion due à ses caractéristiques. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Fait divers étonnant et authentique survenu à Paris en début des années 1900, l’arrestation d’un de nos plus célèbres poètes français du 20ème siècle aura marqué les chroniques en plus de lui faire ressurgir certaines angoisses profondes . Revenons donc sur cet évènement mouvementé. En 1911, Guillaume Apollinaire, déjà installé à Paris depuis 11 ans, n’est pas encore reconnu comme le grand poète d’avant-garde que l’on sait aujourd’hui, célébré, entre autres, pour sa pratique du calligramme, poème dont la disposition graphique sur la page forme un dessin. Non, il se démarque à l’époque comme journaliste et critique d’art, il tient d’ailleurs une chronique artistique dans l'Intransigeant, l’un des grands journaux de ce temps. Il est également éditeur, et il sera le premier éditeur à sortir en France une anthologie, un recueil de textes thématiques, du Marquis de Sade. Défenseur du cubisme dans un climat d’ébullition créative à Paris, il va se retrouver à défrayer la chronique à partir de septembre 1911. Comment cela se passe t-il ? Le 21 août 1911, tombe une nouvelle importante: La Joconde a disparu du Musée du Louvre ! L’affaire va affoler l’opinion publique et les autorités, qui vont enquêter sur toutes les pistes qui s’offrent à elles. Il faut savoir que le milieu du journalisme parisien est à ce moment-là déjà terni par des histoires de vols d’oeuvres d’art. Par dénonciation, Apollinaire se voit questionner sur les liens qu’il entretient avec un certain Géry Pierèt. Cet homme est un déserteur belge, à la personnalité fantasque et ayant un penchant pour la kleptomanie. Il s’avère que Géry Pierèt, qui interessait d’un point de vue littéraire Apollinaire lui avait un jour transmit, non pas des statuettes comme le voudrait la légende, mais des sculptures de têtes ibériques qu’il avait volé au Louvre quelques années plus tôt, dans le but que le poète les revendent, lui qui était connaisseur des milieux artistiques. Résultat final après son interrogatoire, Guillaume Apollinaire est inculpé pour recel. Hé oui, contrairement à ce que la légende populaire, Apollinaire n’est pas accusé pour le vol de la Joconde. Le 7 septembre 1911, Guillaume Apollinaire est incarcéré à la prison de la santé à Paris, et il y restera 6 jours, jusqu’au 13. Ces quelques jours suffisent à marquer le poète, qui en profitera pour écrire six poèmes réunis sous le titre A la Santé qui paraissent dans le fameux recueil Alcools, deux ans plus tard en 1913. Son arrestation aura suscité de vives réactions de la part du monde littéraire, et il aura pu compter sur le soutien de ses camarades, comme le journal Ruy Blas qui publia un communiqué dans lequel la rédaction invite le juge d'instruction Drioux en charge de l’affaire, à je cite “ne pas oublier que les erreurs les plus courtes sont les meilleures. “ Néanmoins, il faudra attendre l’année 1912 pour que Guillaume bénéficie d’un non lieu dans cette affaire et soit donc innocenté. Une affaire rocambolesque, mais comme le dit si bien Apollinaire, je le cite, “La joie venait toujours après la peine… “ Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le très célèbre peintre néerlandais Rembrandt est une des grandes figures du mouvement baroque. Il a entre autres contribuer à renouveler le genre de l’autoportrait et du portrait de groupe, tout en se démarquant par le traitement qu’il faisait de la lumière dans ses peintures, que l’on nomme “clair-obscur”. D’abord, saviez-vous que Rembrandt n’est pas le nom de l’artiste, mais bien son prénom ? En effet, à sa naissance en 1606, le peintre et graveur de l’école hollandaise, se prénomme Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Il gardera par la suite son seul prénom pour signer ses œuvres, ce que l’on peut comprendre, en imaginant le gain de place et de temps fait en abandonnant son nom de famille pour son travail. Parmi son œuvre importante, il ne laisse pas moins de 400 peintures, 300 eaux fortes, un procédé de gravure, et 300 dessins, on peut citer de nombreuses pièces majeures, mais celle qui nous intéresse aujourd’hui est la peinture La Ronde de Nuit. D’abord, quelle est l’histoire de ce tableau ? En 1942, Rembrandt reçoit une commande d’une partie de la compagnie de la milice bourgeoise des mousquetaires d'Amsterdam pour décorer une salle de leurs sièges. On lui demande de faire un portrait de groupe représentant une partie de la milice, contre 1200 florins, c’est alors une commande prestigieuse : pour comparer, le salaire annuel d'un ouvrier de l'époque était d'à peu près 250 florins. Utilisant avec maîtrise le clair-obscur, il va ainsi représenter les gardes civils empreints de vives émotions et traduisant une réelle impression de mouvement, deux éléments qui témoignent alors du style baroque. Mais alors, pourquoi a t-on nommé cette toile, La Ronde de Nuit à tort ? Le tableau, de grande dimension, portait à la base un nom tout aussi long que son créateur, il se nommait :La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, du nom des commanditaires au centre du tableau. Mais au 19ème siècle, le tableau reçoit le surnom de La Ronde de Nuit, qu’il gardera au fil du temps à cause de son encrassement. A la base, l'œuvre est la représentation d’une scène diurne, c'est-à-dire qui se passe en plein jour, mais le vieillissement du vernis et la saleté donnait une impression d’obscurité. De plus, le liant compris dans la peinture contient du bitume, comme dans Le Radeau de la Méduse de Géricault, ce qui à également tendance à l’assombrir avec le temps. Cette obscurité ambiante causée par les matériaux n’étant pas considérée comme incohérente dans l'œuvre de Rembrandt, le nom du tableau fut transmis à la postérité, alors même qu’il constitue un contresens avec la scène représentée. Aujourd’hui, sa restauration en 1947 à permis à la peinture de retrouver sa clarté d’origine que l’on peut admirer au nouveau Rijksmuseum à Amsterdam. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il y a, dans l’art comme ailleurs, des records que l’on aimerait voir réalisés devant nos yeux. Et cela pourrait être le cas de celui établi par l’artiste britannique Willard Wigan. Né en 1957, Willard Wigan n’a pas eu une enfance facile, et cela déclenche  très tôt chez lui une envie de créer. Atteint de dyslexie et d’autisme, dont il ne sera véritablement diagnostiqué qu'à l'âge adulte, Willard était moqué dans sa classe par ses professeurs pour les difficultés qu’il rencontre dans son apprentissage. C’est ainsi à l'âge de 5 ans selon ces dires, que Willard Wigan commence à se passionner pour la sculpture, qu’il lui permet de s’évader des moqueries. Une longue histoire d’amour commence donc, mais plus précisément avec la sculpture microscopique. Pourquoi microscopique vous demandez-vous ? Car l’artiste pensait simplement que si personne ne pouvait voir son art, personne ne serait alors en mesure de le critiquer. A partir de ce moment, Wigan s’est mis à sculpter des œuvres, plus petites les unes que les autres, par exemple dans des chas, des têtes d’aiguilles, qui ne sont visibles seulement qu’au microscope. En 2013, il obtient un record dans le Guiness Book, celui de la plus petite sculpture jamais réalisée par la main humaine. La micro sculpture était une moto en or 24 carats placée dans un de ses poils de barbe. Cela ne lui suffit pas, en 2017, il bat son propre record, en taillant dans du kevlar, une fibre synthétique, une micro sculpture qui semble correspondre à la silhouette d’un bébé humain, toujours placé dans un poil de barbe. Pour donner une échelle, cette œuvre ne dépasse pas la taille d’un globule rouge humain. Mais alors comment est-il en capacité de réaliser de telles prouesses ? Vous vous en doutez, un art comme le sien nécessite d’allier minutie, concentration et patience extrêmes. Willard Wigan doit logiquement réaliser ses œuvres au microscope, mais à côté de ceci,  il doit aussi nécessairement créer la nuit, pour éviter les ondes provoquées par le trafic, tout cela dans un environnement clos et confiné. Wigan explique que lorsqu’il travaille par exemple sur un grain de sable, ses propres battements de cœur lui servent à tailler sa sculpture, comme un marteau piqueur pourrait le faire. Il ajoute le fait qu’il doit lors de ces sessions de travail se mettre dans un état de transe, qui lui permet alors de réduire le tremblement de ses mains. Reconnu tant par les institutions, l’université de Warwick lui ayant décerné un doctorat honorifique pour sa contribution au monde de l’art en 2018, que par le public, Willard Wigan aura su prendre sa revanche et s’épanouir au cœur de sa passion. On peut considérer qu’il a accompli son objectif, celui de je le cite, “montrer au monde que les choses les plus petites peuvent avoir le plus grand impact” Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le 27 mars prochain au soir, devra se dérouler la 94ème cérémonie des Oscars pour cette session 2022. Tous les projecteurs commencent à se tourner vers ce célébrissime évènement consacré au 7ème art depuis 1929. Mais peu de gens connaissent l’alter égo un peu particulier des Oscars qui se nomme les Razzie Awards. Mais alors, que sont les Razzie Awards ? La ou les oscars célèbrent les meilleurs travaux cinématographiques et tout ce qui gravite autour de cela, les Razzie Awards sont là pour mettre en avant les pires ! En effet, les Goldens Raspberry Awards, souvent abrégés en Razzie Awards, sont une parodie de récompense du cinéma. Mais d'où vient l’idée de cet événement parodique ? Elle fut créée par le rédacteur et publicitaire américain John J. B. Wilson en 1981, pour justement prendre à contre-pied les Oscars. Elle décerne ainsi chaque année des récompenses pour les pires réalisateurs, scénaristes, musiciens mais également pour les pires acteurs et films que le cinéma ait connus. Le nom Razzie vient du mot framboise en anglais, raspberry qui est utilisé ici en référence à l’expression “blowing a raspberry" qui veut dire “faire un bruit de dérision” qui peut alors se rapprocher de celui d’un pet. Construit en opposition aux Oscars, l'événement annonce traditionnellement les nominations un jour avant ces derniers, le 7 février cette année, et la cérémonie se déroule dans la même logique la veille de celle des Oscars, le 26 mars donc, en 2022. Bien qu’il ne faille s’acquitter que d’un droit d’entrée dans l’association pour pouvoir voter, il faut bien préciser que le visionnage des films n’est pas obligatoire pour les membres avant le choix. On retrouve de nombreux réalisateurs, acteurs et actrices qui ont été nommés, se retrouvant parfois dans des situations étonnantes. En 2010, l’actrice américaine Sandra Bullock remporte ainsi le Razzie Award de la pire actrice dans le film All About Steve. Le lendemain, elle remporte alors l’Oscar de la meilleure actrice dans un rôle principal pour sa performance dans The Blind Side. Si vous vous demandez quel est l’artiste qui cumule le plus de Razzie Awards, il s’agit de Madonna, qui a en tout remporté 9 statuettes dont celle de la pire actrice du siècle. Le Razzie Award se présente donc sous la forme d’une framboise posée sur une bobine de film, l’ensemble peint en jaune et ne dépassant pas les 5 dollars. Mais il existe aussi d’autres types de récompenses comme le Governor’s Award, récompense spéciale, qui a en 2021 a été attribuée à l’année 2020 toute entière en raison de la pandémie de Covid 19 et de son impact sur le cinéma. Évidemment, les motifs de sélection sont remis en question depuis la naissance de l’évènement tant par une partie du milieu cinématographique que par certains cinéphiles. Notamment pour des résultats controversés comme celui de Stanley Kubrick pour la catégorie du pire réalisateur avec le film Shining. Maintenant, vous en savez un peu plus sur cette cérémonie qui, bien que parodique, a pris une certaine ampleur dans le paysage cinématographique anglophone, souvent prise au second degré plus qu’au premier. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Considérée aujourd’hui comme une figure incontournable de la sculpture réaliste et symboliste, l’artiste Camille Claudel aura, tout au long de sa trop courte carrière, lutté pour imposer son art. Virtuose qui excellait dans la taille du marbre, son talent l'amène à rejoindre l’atelier du célèbre Auguste Rodin en 1882, elle est alors âgée de 18 ans. Rodin, classé comme l’un des pères de la sculpture moderne, va alors faire de Camille sa collaboratrice mais également sa muse. Elle participe à l’élaboration de plusieurs des grandes œuvres du maitre, comme par exemple Les bourgeois de Calais ou La porte de l’Enfer. Rodin dira qu’elle était devenue, je cite “son praticien le plus extraordinaire” qu’il consultait alors en toute chose. Pendant une dizaine d'années, ils vont ainsi allier le travail avec la passion qu’il les anime l’un pour l’autre, pour former un des couples les plus connus de l’histoire de l’art. Mais alors, que vient faire la sculpture de Camille Claudel L'âge Mûr dans cette histoire ? En 1892, après plusieurs vaines demandes en mariages, Camille Claudel quitte son amant qui lui préfère sa compagne officielle Rose Beuret. Camille vit très mal la rupture mais va continuer à sculpter et à se forger une indépendance financière. C’est alors en 1895 qu’elle débute L'âge Mûr, qu’elle ne montrera au public que quelques années plus tard. Cette œuvre en bronze correspond à un moment clé de la carrière de Claudel, alors au fait de sa maîtrise artistique et de sa créativité appuyée par un début de reconnaissance officielle qui commence à poindre. On voit sur cette sculpture trois personnages, deux femmes et un homme au centre. L’homme mur tourne le dos à une jeune femme implorante, et s’élance vers une femme qui représente la vieillesse, voire la mort. Cette allégorie fait écho à une dimension autobiographique, celle de la fin de l’histoire d’amour entre Claudel et Rodin. On peut y voir Camille en jeune fille dont l’homme, Rodin, lache la main pour se tourner vers sa femme, Rose Beuret. Son frère, l’écrivain Paul Claudel dira en parlant de l'œuvre qu’on peut y voir ,je le cite ” Camille, implorante, humiliée à genoux, cette superbe, cette orgueilleuse, et savez-vous ce qui s'arrache à elle, en ce moment même, sous vos yeux, c'est son âme” “Mais l'œuvre ne peut pas être réduite à cela, elle représente également le temps qui passe. Dans une tension accentuée par une puissante diagonale, Claudel va figer des émotions et jouer avec le vide, comme en témoigne l’espace entre la main de l’homme et celle de la jeune femme. A travers cette représentation de la destinée humaine, la sculptrice affirme son autonomie artistique, son symbolisme qui la détache de la technique de Rodin. En 1913, Camille Claudel sera interné en asile psychiatrique sur la signature de sa mère et n’en ressortira pas. Elle mourra dans l’indifférence générale trente ans plus tard à l'hôpital de Montdevergues à Montfavet près d’Avignon. Ainsi, L'âge Mur reste un des témoignages fort que laisse Camille Claudel sculptrice de génie, qui n’aura cessé dans son art comme dans sa vie personnelle de, je la cite, “réclamer la liberté à grand cri”. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Les montages photos ou vidéos de chats pullulent sur Internet depuis de nombreuses années et battent encore aujourd’hui les records de partages et les nombres de vues en ligne. Les mèmes sur les félins, c'est -à -dire, les contenus viraux sur lesquels on retrouve des chats généralement accompagnés de légendes textuelles sont légions sur le web et font partie intégrante de la culture numérique mondiale. Certains spécialistes du phénomène datent d’ailleurs le premier montage avec un chat apparu sur Internet au 11 janvier 2007, avec la photographie d’un chat chartreux à laquelle était assignée une légende disant en anglais : Je veux un cheeseburger. En réalité, l’engouement autour de ces petits greffiers à, de tout temps, était très important.  Mais savez vous quand et comment a t-on commencé à les prendre en photos et à les partager ? Stéphanie Hochet dans son livre Éloge voluptueux du chat, rend hommage à l’artiste anglais Harry Pointer pionnier de l’art de la photographie qui eut l'ingénieuse idée de se mettre à prendre en photo ses chats. Dans les années 1870, il commence à se faire connaître pour ses nombreux clichés ou il met en scène ses chats de compagnies. D’abord concentré à prendre des photos assez conventionnelles dans lesquelles on peut voir ces chats se reposer, boire du lait ou dormir dans un panier, il se met au début des années 1870 à faire poser ces chats dans des positions plus originales en imitant des habitudes humaines. On peut ainsi voir des clichés de Pointer ou des félins sont derrière un appareil photo,  font du tricycle ou encore du patin à roulettes. Harry se rend rapidement compte qu’une image relativement simple peut être enrichie d’une légende écrite, qui vient alors ajouter une dimension attrayante et amusante au tout. Il va alors ajouter des formules de salutations à ces photographies comme par exemple “Bonne année” ou “Très bonne journée à vous” dans l’intention d’augmenter son potentiel de vente. Et cela marche ! Les acheteurs s’envoient alors ces clichés comme cartes de vœux contribuant à la renommée de Pointer et de son studio situé près de Bloomsbury Place, à Brighton en Angleterre. En 1972, Henry Pointer avait ainsi créé plus d’une centaine de photographies légendées de chats, une série de clichés connus sous le nom de “The Brighton Cats”. Salué à l’époque par la Société photographique de Grande-Bretagne pour son travail, Pointer aura saisi le potentiel photographique et photogénique des chats, qui sera par la suite repris, notamment en France à partir des années 1960 avec notamment l’almanach et ses fameuses photos de chatons, avant d’arriver sur Internet avec les mêmes de félins dont certains sont devenus aujourd’hui cultes. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Nous avons l’habitude dans l’art et plus précisément dans la peinture, d’entendre parler d'œuvres, qui d’une manière ou d’une autre, mettent en scène le vide. Par exemple, certains monochromes peuvent laisser une telle sensation, causée par leur uniformité. Nous nous intéressons aujourd’hui à ce que l’on pourrait caractériser comme l’un des contraire de ce vide dans l’art. Mais alors, de quoi parle t-on exactement ? Nous parlons de ce qu’on appelle l’Horror vacui, une expression venue du latin qui signifie donc littéralement la terreur du vide. L’Horror Vacui dans les arts visuels, définit le fait de remplir au maximum la surface d’une œuvre avec des détails. Le terme vient d’un critique d’art italien, Mario Praz, qui l’a d’abord employé pour décrire l’atmosphère suffocante qu’il ressentait dans l’ornement des meubles datant de l’époque victorienne. Les tapisseries de la seconde moitié de 19ème au Royaume-Uni pouvaient par exemple montrer un nombre important de motifs floraux, comme dans le travail de William Morris, qui donnaient une impression de surcharge. Cette pratique ne date pas d’hier puisqu’elle constituait déjà en Grèce antique, pendant la période géométrique, entre  900 à 700  avant notre ère, un élément stylistique important. On retrouve par la suite des exemples d’Horror vacui dans l’art religieux du moyen âge, comme dans le livre de Kells, un manuscrit datant du 9ème siècle illustré de nombreux motifs ornementaux. Ce principe est également utilisé au 16ème siècle comme le montre la très précise gravure de Jean Duvet nommée La chute de Babylone et réalisée en 1955. Plus proche de nous, l’Horror vacui est utilisé de manière importante dans l’art brut, un mouvement qui englobe les productions de personnes exemptes de culture artistique. Le peintre brut suisse du 20ème siècle Adolf Wolfli remplit fréquemment, dans ces peintures, les espaces par des écritures ou des notations musicales. Vous l’avez compris, le principe d’Horror Vacui est donc utilisé de tout temps, par toutes sortes d’artistes. Sans doute, cette notion de remplissage de l’espace est intrinsèque aux domaines artistiques sous toutes leurs formes, d’autant plus qu'à partir du moment où il y a eu support et activité artistique, il y a également eu envie de combler le vide de la part des humains. La notion d’Horror Vacui est donc très répandue, autant dans l’art que dans la philosophie, car elle désigne également une théorie portée par Aristote selon laquelle je le cite, “la nature évite le vide”. Ainsi, l’horreur du vide à pris des formes très diverses, tantôt abstraites tantôt plus concrètes, et on peut également aujourd’hui la retrouver dans des livres pour enfants. La célèbre bande-dessinée Ou est Charlie ? est sûrement l’un des exemples d’Horror vacui les plus parlant. Chaque page pensée par Martin Handford, où l'on s’amuse à retrouver Charlie est remplie entièrement de minutieux détails et d’histoires indépendantes sur lesquels il faut s’attarder une à une pour les percevoir. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

De tout temps, les reliures de  livres, c'est-à-dire l’habillage qui donne sa forme définitive à un ouvrage, se sont parés de différents types de matériaux. Qu’elle soit en carton ou en cuir, la reliure reste un élément précieux qui, comme nous allons le voir, peut donner une importante valeur ajoutée à l'œuvre. Seulement, la bibliopégie anthropodermique que je vous présente aujourd’hui est une pratique de reliure un petit peu particulière. Le mot bibliopégie désigne en grec ancien l’art de la reliure et le terme anthropodermique regroupe l’anthropos, l’être humain et le derma, la peau, donc la peau humaine. Vous commencez peut-être à vous en doutez,  la bibliopégie anthropodermique est une pratique qui consiste à relier un livre avec de la peau humaine !  Selon Jennifer Kinner, docteure en archéologie préhistorique et funéraire, cette pratique pour le moins originale prend son essor au 19ème et au début du 20ème siècle surtout en France, en grande bretagne et en Amérique. On retrouve néanmoins un ouvrage en peau humaine datant de plus de 7 siècle qui est une bible médiévale du 14ème conservée à la Bibliothèque Nationale de France. Mais alors comment cette pratique étonnante est-elle née et s’est-elle répandue ? Selon Jennifer Kinner, il n y a que 138 volumes fait en 1 siècle de réelle pratique,  ce qui en fait quelque chose d’assez rare. Mais, je la cite, “La rareté est le but recherché, puisque cette pratique apparaît dans un mouvement ou l’élite intellectuelle et bourgeoise souhaite montrer au grand jour ses moyens financiers”. Les reliures en peaux humaines se popularisent donc dans un souci de distinction, mais y a t-il un réel intérêt à avoir entre ces mains ce genre d'œuvres ? Le livre Des Destinées de l’âme de l’auteur français Arsène Houssaye, dont la reliure est d’origine humaine, est détenu à l’Université de Harvard. On trouve une note à l'intérieur du livre qui explique ce choix par le fait, je cite, “qu’Un livre sur l’Âme humaine méritait bien qu’on lui donna un vêtement humain:  lui avait-on réservé depuis longtemps ce morceau de peau humaine pris sur le dos d’une femme”. Par cohérence avec le sujet donc, mais également par cohérence avec une iconographie macabre. A quoi ressemble un tel procédé ? Rassurez-vous, la peau humaine est dans cette circonstance tannée, et il est alors difficile de la différencier visuellement d’un cuir animal. Mais il arrive que le relieur ait envie que l’on remarque qu’il s’agit d’une couverture humaine, il va alors prendre une partie significative du torse humain pour faire une reliure, laissant par exemple apparaître un téton. Ce sont fréquemment les peaux de condamnés à mort qui sont utilisées pour relier des livres parfois en lien direct avec leurs situations, comme le compte rendu de leurs procès. Bien que la pratique de la  bibliopégie anthropodermique est perdu progressivement de l'intérêt, certaines personnalité du 20ème siècle s’y sont intéressées, c’est le cas de Camille Flammarion, vulgarisateur et astronome français, qui gardait un exemplaire d’un des ses livres, Terres de ciel, relié avec la peau des épaules de l’une de ses admiratrice dont s’était le voeu ultime. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Porté par un Jim Carrey alors au fait de sa gloire, le film The Truman Show  est réalisé par l’australien Peter Weir et sorti en 1998. Il devient très vite un énorme succès commercial et critique, alimenté par un scénario puissant, qui soulève de nombreuses problématiques aussi bien sociales et politiques que philosophiques. Avant toute chose, posons ici les bases de son concept. Une ville artificielle est construite pour être le décor d’un feuilleton diffusé en continu à la télévision. Tous les habitants de cette ville sont des acteurs, sauf un. Le personnage principal du film, Truman Burbank, interprété par Jim Carrey, est le seul à ignorer cette réalité factice. Vedette inconsciente d’un programme construit sur mesure pour l’unique divertissement des spectateurs qui le regardent, Truman Burbank va se rendre compte de cette fatalité qui le suit jusque dans les moindres détails de son quotidien et tenter d’en sortir. Le film qui, en apparence, se comprend comme la critique d’une société de consommation prête à tout essayer, cache en réalité plusieurs strates de significations bien plus profondes, détaillées dans de nombreux articles scientifiques. Ainsi, c’est un fait, le scénario d’Andrew Niccol est un véritable succès, appuyé par la mise en image percutante de Peter Weir. Mais le concept du long-métrage était-il original ? Après sa sortie, certains critiques ont souligné des similitudes entre le film et un court métrage réalisé par le scénariste américain Paul Bartel. D’une durée de 30 minutes, produit pour 5000 dollars, The Secret Cinéma est l’histoire d’une femme qui découvre peu à peu que son quotidien est filmé à son insu, avec la complicité de ses proches. Interrogé sur le sujet, Andrew Niccol dira qu’il n’avait jamais entendu parlé du court métrage lors de l’écriture du scénario de The Truman Show. De son côté, Paul Bartel s’avouait flatté si d’aventure son film avait servi d’inspiration. Mais il existe également deux autres sources potentielles d’inspirations au film. Dans la célèbre série télévisée de science-fiction La quatrième dimension, deux épisodes semblent se rapprocher du synopsis du long métrage de Peter Weir. Le premier, A World différence, sorti en 1960 et scénarisé par le talentueux Richard Mathenson, un homme se rend compte que sa routine était un tournage de cinéma. Dans le second, nommé Special service, un homme découvre que sa vie entière est filmée et regardée en continu par des téléspectateurs. Malgré des ressemblances, ce constat met en valeur une question : comment construire une œuvre à partir d’une idée donnée. Paul Bartel admet que le fait que tout le monde soit au courant dans The truman show sauf le personnage de Jim Carrey se rapproche de son film. Et pourtant, comme le souligne John Powers, critique à Vogue, je cite : “ l'originalité de 'The Truman Show' ne réside pas seulement dans son principe. Elle se forge aussi dans la façon dont ils construisent le film avec l'idée de base, dans le style de tournage, dans l'utilisation de nombreux formats et d’angles différents, dans toute l'élaboration du détail." Où commence l’emprunt et où se termine l’inspiration, voilà une question complexe et charnière dans le domaine artistique. Quoi qu’il en soit, comme le suggère Paul Bartel, "l'art est affaire d'appropriation et d'élaboration “ et The Truman Show n’échappe pas à la règle. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Si dans la majorité des cas, les institutions artistiques et culturelles font tout ce qui est en leurs pouvoir pour mettre en avant une œuvre, on retrouve quelques cas particuliers qui peuvent déroger à cette règle. Et c’est précisément ce qui est arrivé fortuitement à l'œuvre d’Henri Matisse nommée Le Bateau. Mais qui est Henri Matisse ? Il serait difficile de résumer une œuvre comme la sienne. Henri Matisse est un peintre et dessinateur touche à tout français. Figure majeure du 20ème siècle, il aura eu une influence considérable sur tout un tas d’autres artistes comme Andy Warhol qui déclare, en 1956 : " Je veux être Matisse “. Nous aurons d’ailleurs l’occasion de parler d’Henri Matisse plus en détail dans un épisode consacré au fauvisme, un mouvement pictural né en France dont il est le chef de file. “Laissez la couleur venir en nous, c'est se laisser emplir par la vie” disait Matisse. Outre ses peintures stylisées, Matisse, fortement affaibli dans les 15 dernières années de sa vie, va mettre en place une nouvelle technique de création artistique faite à partir de découpage de papier. Matisse peut ainsi, comme il le dit lui-même, “découper à vif la couleur” depuis son lit et demander à ses assistants de les coller là où il le souhaite sur une toile. Et c’est ici que l’on retrouve la fameuse œuvre Le Bateau qui est une des œuvres finales de Matisse qu’il réalisa un an avant sa mort en 1953. Cette toile est donc un découpage de papiers peints avec de la gouache. Mais alors que voit-on sur l'œuvre ? Sur la partie supérieure, un bateau à voile est représenté par une forme triangulaire bleu, et au-dessus de celui-ci, on aperçoit des nuages peints en violet. La particularité du tableau qui en fera l'intérêt central de son histoire est le fait que ces éléments sont reflétés dans l’eau sur sa partie inférieure, créant une œuvre quasi-symétrique horizontalement. Mais alors, quelle est son histoire si originale? En 1961, Le Bateau est exposé au très important Musée d’art moderne de New York. Mme Geneviève Habert, courtière à Wall Street et grande admiratrice de Matisse vient alors pour la troisième fois contempler l’exposition. En regardant attentivement Le Bateau, Mme Habert va alors se rendre compte d’une chose étonnante : le tableau semble être à l’envers. Elle s’empresse de regarder le catalogue de l’exposition et son intuition est confirmée. Pendant 47 jours, les visiteurs ont ainsi pu admirer au Moma une peinture d’Henri Matisse qui était positionnée dans le mauvais sens ! Comment Mme Habert s’en est-elle rendue compte ? Grande amatrice de l’art de Matisse, elle ne comprenait pas que ce dernier ait mis le reflet de son bateau en avant sur son tableau, et cela lui a mis la puce à l’oreille.. Après avoir transmis son constat au New York Times, le tableau a été redressé et des excuses de la commissaire adjointe ont été faites publiquement. Aujourd’hui, Le Bateau fait partie de la collection permanente du Musée d’art moderne de New York et, rassurez-vous, si vous vous y rendez, vous pourrez le contempler dans le bon sens, grâce à Geneviève Habert. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il faut bien différencier les 7 nouvelles merveilles du monde à celles du monde antique. Les 7 merveilles du monde antique sont une liste établie à l’origine par les Grecs anciens qui consiste à nommer les œuvres architecturales et artistiques les plus extraordinaires du monde. Considérée pendant l’époque romaine comme un savoir commun et populaire, cette liste est donc établie depuis des milliers d’années. Les 7 nouvelles merveilles du monde ,elles, ont une histoire fondamentalement différente. Elles sont, en effet, le résultat d’une opération médiatique de grande ampleur et d’un vote mis en place par l’homme d'affaires suisse Bernard Weber. En collaboration avec une entreprise de marketing nommée Deureka, il met en place à partir de 1999 son projet et va arriver le 1er janvier 2006 à annoncer une liste de 21 monuments sélectionnés qui seront soumis aux votes du public. Comment ont-ils été choisis ? Par une commission composée de 6 grands architectes issus des divers continents dont Federico Mayor, ancien directeur général de l’UNESCO. Le choix a ainsi été fait en prenant en compte l'esthétique, mais aussi l'exploit architectural, et la pertinence historique des monuments. Cette liste était censée représenter un large panel d’époques et de civilisations. On retrouve par exemple dans cette dernière la Tour Eiffel qui concourt à côté de l’Acropole d’Athènes ou encore du Site Stonehenge au Royaume-Uni. Après discussions, la liste est réduite à 20 monuments, car on enlève du vote la Pyramide de Khéops, qui était déjà une des 7 merveilles du monde antique, et qui se voit directement décerné le prix de ‘’merveille honoraire”. Les votes se sont ainsi fait par internet et on compte au final plusieurs dizaines de millions de participants notamment dans des pays comme la Chine, le Mexique ou encore l’Inde. Les résultats sont dévoilés, et nous retrouvons la liste actuelle des 7 nouvelles merveilles que vous connaissez peut-être. Ainsi, la grande muraille de Chine, le Christ rédempteur de Rio, le site Petra, Le Taj Mahal, Le Machu Picchu, la Chichén Itzá accèdent au statut de merveilles par le biais d’une opération quasi-marketing. L’initiative de Bernard Weber à d’ailleurs reçu de nombreuses critiques. Pourquoi ? D’abord, l’UNESCO dans un communiqué de 2007 réaffirme le fait qu’elle n’a rien à voir avec cette, je cite, “initiative privée, ne reflétant que l’opinion d’un public ayant accès à l’Internet, et non celle du monde dans son ensemble.” En effet, le système de vote fut dénoncé également car il était possible de voter plusieurs fois contre paiement, ce qui faussait bien évidemment quelque peu les résultats. De plus, certains gouvernements ont pu ainsi exploiter ce système de vote. Au Brésil par exemple, une campagne nommée « Vote no Cristo », votez pour le christ, fut mise en place, permettant à toute la population brésilienne de voter gratuitement via un téléphone portable. Plus parlant encore, la Jordanie à comptabiliser 14 millions de votes au total, alors qu’elle ne recense que 7 millions d’individus dans le pays en 2007, montrant ainsi la faille du fonctionnement. Voilà, vous en savez un peu plus sur l’histoire de la mise en place des 7 nouvelles merveilles du monde, qui semble, au final, être le fruit d’une démarche médiatique que d’une dynamique de conservation des sites. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Symbole mondial de Paris, avec d’autres monuments comme Notre-Dame ou l’Arc de Triomphe, la Tour Eiffel trône depuis maintenant 132 ans sur le champ de mars, dans le 1ème arrondissement de Paris. Le fameux “Brun Tour Eiffel” reste encore aujourd’hui l’un des principaux attributs de la Dame de Fer qui culmine à 324 mètres de hauteur. Mais le saviez-vous ? Le brun n’a pas toujours été la couleur de ce monument. En effet, la Tour Eiffel a, en tout, changer 7 fois de couleur dans son histoire. A sa construction supervisée par l’architecte Gustave Eiffel en 1887 et 1888, c’est d’abord la couleur “rouge Venise” produite dans la célèbre ville italienne, qui est choisie et appliquée en atelier avant son montage. Sera ensuite ajoutée un an plus tard une couche de rouge plus foncée, appelée brun rouge. En 1899, à l’approche de l’Exposition Universelle de Paris, second évènement du genre auquel la Tour assiste, elle est peinte dans les tons de jaunes. On applique alors un dégradé de jaune orangée à la base et de jaune clair au sommet. Pourquoi un dégradé ? Car depuis le sol, ce procédé assure une vision uniforme de la couleur par les passants. C’est également en 1899 que Gustave Eiffel décide de prescrire des cycles de 7 ans pour repeindre l’édifice. Mais alors, outre l’aspect esthétique, pourquoi la tour nécessite t-elle des retouches tous les 7 ans ? Il faut savoir que la structure est construite en fer puddlé, un matériau très résistant pour l’époque. Seulement, le fer puddlé peut être atteint par la rouille ainsi que par la pollution d’une ville comme Paris. L’une des solutions pour le conserver est donc de peindre le fer à intervalles réguliers, pour lui donner une couche de protection. Gustave Eiffel le disait lui-même, il fallait porter une attention particulière à la peinture qui était je cite “l’élément essentiel de la conservation d’un ouvrage métallique”. Ainsi, pour garantir la longévité de la Tour, les soins qui y sont apportés doivent être réguliers et minutieux. Ce sont plus de 60 tonnes de peintures qui sont utilisées sur plus de 200 000 m carrés de surface pour rafraîchir le monument. Pour les JO 2024 de Paris, La France a décidé de faire de la Tour Eiffel son porte-drapeau et d'à nouveau changer sa couleur. Exit le Brun Tour Eiffel qui était choisit en harmonie avec le paysage parisien, pour revenir à une couleur historique appliqué en 1907 un jaune brun, qui n’est pas sans rappeler la médaille olympique. La Tour Eiffel est donc précieusement entretenue et cela fait maintenant 20 fois qu’elle est entièrement repeinte à 7 ans d’intervalle depuis 1899, parfois avec une couleur différente, ou parfois seulement pour appliquer une couche supplémentaire de protection.  Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Né en 1853 et mort en 1890, le peintre néerlandais Vincent Van Gogh construit son œuvre picturale en s'inspirant, durant sa courte vie, de ses nombreuses et riches recherches artistiques. Cet autodidacte qui voulait à la base être pasteur mais qui échoua au concours de théologie, devint après sa mort l’un des peintres les plus reconnus et admirés du monde pour son art. Il fut exposé, tant en France où il passa une grande partie de sa vie à figer les paysages, qu'à l'international, comme par exemple au MOMA, le très réputé musée d’art moderne de New York. Pendant la période où il se mit à peindre, entre ces 27 et ces 37 ans, cet artiste prolifique produisit plus de 2000 dessins et toiles. Mais alors, quel est donc cet unique tableau acheté du vivant de Van Gogh ? Tout d’abord, précisons que bien qu’un seul tableau soit officiellement recensé, il se pourrait que Van Gogh en ai vendu d’autres, qui auraient échappé aux listes des ventes de l’époque. Selon Wouter Van der Veen, le directeur scientifique de l'Institut Van Gogh, je cite : “ nous ne savons quasiment rien des échanges réalisés pendant la période parisienne de Vincent (1886-1888)”. Mais à ce jour, il n ' y a pourtant bel et bien qu’une seule toile documentée qui se serait officiellement vendue pendant la vie du peintre et elle se nomme La Vigne rouge. La vigne rouge est une peinture à l’huile réalisée dans la ville d’Arles en novembre 1888 par l’artiste. Le tableau représente les vendanges dans la campagne arlésienne, dans lequel prédomine des teintes de rouge et de jaunes. A ce moment, Van Gogh travaille les effets de couleurs, comme il le dit lui-même dans une lettre, je cite : “je dois aller travailler dans la vigne près de Mont Major. Elle est toute pourpré jaune vert sous le ciel bleu, un beau motif de couleur. “ La vigne rouge a été exposée en 1890 dans un salon à Bruxelles, celui du groupe des 20, cercle artistique d'avant-garde belge. C’est la bas qu’elle sera vendue, et c’est Théo van Gogh, le frère de Vincent, alors marchand d’art qui s’occupe de la transaction faite pour à peine 400 francs, soit environ 800 euros aujourd’hui. Mais, comment se fait-il que Van Gogh n'ait vendu qu’un seul tableau de son vivant ? Hé bien, selon Mr Van der Veen, Vincent Van Gogh "ne voulait pas vendre car il était persuadé que son œuvre allait un jour prendre de la valeur. Très sûr de lui, il capitalisait sur son travail qu'il voyait comme un tout." Pourquoi a-t-il alors accepté de vendre ce tableau ? Car l’acheteur, ou plutôt l'acheteuse, était la peintre impressionniste et mécène d’art belge Anna Bloch. Anna Bloch était la sœur d’Eugène Boch lui aussi artiste mais également ami de Van Gogh qui avait d’ailleurs réalisé son portrait à Arles qu’il avait nommé Le Peintre aux étoiles. Il n’a ainsi vraisemblablement pas pu refuser cet échange au vu de la proximité qu’ils entretenaient. Ainsi, bien qu’ayant eu peu de visibilité par rapport à certaines de ces sœurs, La vigne rouge reste une œuvre unique qui montre l’étendu du talent de Van Gogh, notamment dans sa représentation des couleurs qui annonce alors le fauvisme et l'expressionnisme, courants dont nous aurons l’occasion de parler plus en détail dans d’autres épisodes. La Vigne rouge est d’ailleurs actuellement visible au Musée des beaux-arts Pouchkine de Moscou. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Comme vous le savez peut-être, Jean Paul Sartre est un philosophe et écrivain français qui a marqué la vie intellectuelle et politique de notre pays, notamment dans la seconde moitié du 20eme siècle. Célèbre pour son œuvre littéraire, Jean Paul Sartre s’est également imposé comme le représentant du courant philosophique de l’existentialisme. Ce courant, pour résumer grossièrement, considère chaque individu comme un être unique maître de ses actes. Mais Sartre est également connu pour ses engagements politiques se rapprochant dans un premier temps du parti communiste français, puis par la suite de divers courants de gauche. Il reste aussi inscrit dans l’histoire comme le seul écrivain à avoir refusé un prix Nobel de littérature. Cette distinction suédoise récompense un écrivain qui a rendu de grands services par son œuvre à l’humanité. Elle est considérée comme l’une des plus médiatisées et prestigieuses au monde. Alors, quelles sont les raisons pour lesquelles Jean-Paul Sartre à refusé une telle récompense ? Le 22 octobre 1964, Sartre déjeune avec sa compagne, la très célèbre Simone de Beauvoir. Arrive François de Closets, journaliste à l’AFP qui vient ainsi lui annoncer qu’il est le lauréat du Prix Nobel de Littérature. Sartre lui répond alors ceci : Je refuse le prix, c'est un fait, mais je me dois de réserver mes explications à la presse suédoise” La nouvelle fracassante se répand à Paris et fait sensation. Comment peut-on refuser cet honneur? Selon André Guigot, spécialiste de Jean Paul Sartre, il y a alors deux raisons principales au rejet de l’écrivain de Huis Clos. Premièrement, il ne voulait pas être, je cite André Guigot, “enterré de son vivant avant d'avoir terminé son œuvre.” Ce prix lui aurait collé une étiquette dont il aurait eu du mal à se défaire par la suite, et Sartre craignait cet ensevelissement. La seconde raison émane du fait que Sartre avait construit sa pensée sur la critique des institutions, ce qui le poussait comme il dit lui-même dans la lettre qu’il publie après sa déclaration, à, je cite, “ n’ accepter aucune distinction distribuée par les hautes instances culturelles.” Malgré ce refus, Jean Paul Sartre l’apprendra directement, il s’avère que le règlement du prix Nobel ne permet pas au lauréat de refuser sa récompense. Il reste ainsi le détenteur du Prix Nobel de Littérature de l’année 1964, bien qu’il ait été exempté de la traditionnelle cérémonie officielle et des 273.000 couronnes, soit 300.000 euros promis au gagnant. Sartre avait pourtant envoyé, après avoir lu qu’il était favori, une lettre à l’Académie Nobel annonçant son refus, qui ne semble pas avoir eu beaucoup d’impact. Ce geste aura fait polémique, certains le considérant comme un signe d’arrogance, quand d'autres trouvaient cette décision cohérente avec les positionnements du philosophe. Pour ne pas avoir voulu rentrer dans l’histoire du prix Nobel de Littérature, Jean Paul Sartre aura assez ironiquement gravé son nom à jamais dans la liste des personnes ayant eu l’honneur d’être lauréats de cette prestigieuse récompense. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le 17 février 1673, alors qu’il venait d’achever la 4ème représentation du Malade Imaginaire, dont il jouait le rôle principal, Jean Baptiste Poquelin dit Molière meurt dans la soirée. Les circonstances de sa mort ont suscité de la part de ses contemporains mais aussi des générations suivantes, de nombreuses légendes. Non, Molière, ne s’est pas éteint sur scène mais bien chez lui rue Richelieu à Paris. Les décisions données pour prendre en charge les restes du célèbre dramaturge de la Troupe Du Roi semblent alors paradoxales au vu du succès unanime qu’il rencontra de son vivant, tant comme acteur que comme auteur comique. Mais comment se fait-il qu’un artiste si reconnu et acclamé de son vivant soit enterré sans faste et à la nuit tombée ? Après sa mort inattendue, la sépulture catholique lui est dans un premier temps refusée. Pourquoi ? A cette époque, le métier de comédien est considéré comme infâme, et ceux qui exercent cette profession sont excommuniés. Impossible pour un comédien d’obtenir une sépulture ecclésiastique, à moins de renoncer par écrit à sa profession ou bien d’en faire la déclaration sur son lit de mort en présence d’un prêtre. Le problème est que Molière n’a pu ni signer ni renoncer oralement. Sa femme Armande Béjart, comédienne parisienne surnommée la Molière, avait pourtant appeler trois prêtres durant les dernières heures de vie de son mari mais deux refusèrent de venir et le troisième arriva trop tard. Armande Béjart alla jusqu'à dénoncer au roi Louis 14 l'injure que l'on faisait à la mémoire de son mari en disant, je cite les mots de M. Brossette avocat lyonnais, “que si son mari était criminel, ses crimes avaient été autorisés par sa Majesté même”. Après plusieurs requêtes, l'archevêché de Paris autorise, tout de même, une sépulture ecclésiastique aux restes de Molière à condition que cela soit je cite “sans aucune pompe et avec deux prêtres seulement, et hors des heures du jour et qu'il ne se fera aucun service solennel pour lui”. Preuve concrète d’une société où la religion prévalait sur le succès populaire, le convoi et l’enterrement de Jean Baptiste Poquelin se déroulent dans la discrétion à partir de 9 heures du soir le 21 février 1673. Mais en plus de cet argument religieux, la Gazette d’Amsterdam justifie également l’enterrement de nuit pour éviter, je cite, “la foule incroyable de peuple qui se serait trouvée à son convoi, si on l'eût fait de jour.” Néanmoins, selon les dires du journal, il y eut quand même quelque 700-800 personnes suivi du même nombre de pauvres pour assister à l’enterrement dans le cimetière de la chapelle Saint-Joseph, situé sur la paroisse de Saint-Eustache à Paris. En 1817, les restes de Molière finirent finalement leurs périple au cimetière du Père Lachaise. Le plus célèbre des dramaturges français n’a donc pas eu un enterrement aussi faste que ce que l’on aurait pu croire. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans la catégorie des expressions liées aux souvenirs et la nostalgie, la madeleine de Proust tient une place importante et très particulière. Issue de l'œuvre Du côté de chez Swann du très célèbre Marcel Proust, écrivain français né le 10 juillet 1871 à Paris où il est mort le 18 novembre 1922, la formule sera considérée comme l’un des plus précieux trésors qu’il légua avec ses écrits. Mais alors que signifie t-elle réellement ? L’expression évoque le choc au contact de micro-événements qui font alors ressurgir chez une personne des souvenirs de l’enfance. Dans le texte de Proust, c’est avec une madeleine trempée dans du thé que cela survient. Plus concrètement, la madeleine de Proust est alors rattachée à une dimension sensorielle : généralement, ce sont des odeurs, des sensations ou bien même des objets qui provoquent ces réminiscences chaleureuses. Mais le saviez-vous ? La madeleine de Proust a bien failli être remplacée par un autre aliment dans le récit de l’écrivain. Dans la construction de son roman fleuve A la recherche du temps perdu publiée de 1913 à 1927, Marcel Proust passe par de longues phases de réécritures permanentes et de brouillons. Si bien qu’il se met à nommer chacun de ses cahiers, comme ce fut le cas avec ‘Dux’ ou 'Vénusté’, notamment dans une perspective de conservation de ce qui lui vient en mémoire. En 1908, dans un passage de ces carnets, on retrouve la première occurrence de cette expression restée dans notre langage courant, ou la madeleine est alors à ce moment-là du pain grillé. Hé oui ! Le personnage de l’écrivain trempait alors une tranche de pain grillé dans du thé qui lui faisait se remémorer de tendres moments personnels. Plus encore, Proust n’arrive pas à se décider, et le pain grillé se transforme dans un deuxième carnet en biscotte. Mais alors pourquoi le choix définitif de la madeleine après tant d’hésitations ? Plusieurs hypothèses sont faites. On retrouve le fait que la madeleine soit , symboliquement comme physiquement, plus douce et ronde qu’une biscotte ou du pain grillé, dont les bruits secs et cassants se combinent plus difficilement avec l’idée de doux souvenirs qui reviennent à l’esprit. Certains spécialistes, comme l’éditrice Jessica Nelson, justifient également ce choix par une dimension religieuse, la madeleine renvoyant à Marie-Madeleine. Quoi qu’il en soit, vous savez maintenant pourquoi, dans un autre espace temps,  nous aurions pu pour qualifier le retour subit de souvenirs chargés d’émotion, utiliser l’expression la biscotte ou le pain grillé de Proust. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Elle compte aujourd’hui parmi les artistes les plus influents de son temps, et à su s’émanciper des barrières de genres qui l'empêchaient de vivre de sa passion. Dans l’Italie du 17eme siècle, Artemisia Gentileschi va réussir à s’imposer comme une peintre prospère et reconnue pour son talent. Comment s’est-elle construit un nom dans un monde qui ne laissait pas spécialement de place aux femmes ?  Artemisia Gentileschi naît le 8 juillet 1593 à Rome et passe sa jeunesse enfermée, étant rarement autorisée à sortir, comme les autres jeunes filles de son âge. Néanmoins, elle est apprentie dans l’atelier de son père Orazio Gentileschi qui est un peintre réputé. Artemisia va en profiter pour étudier le dessin et sublimer son talent naturel. Elle va développer tout comme son père une fascination pour Le Caravage, peintre italien qui a révolutionné son domaine par son style si particulier. Les premiers tableaux d’Artemisia vont donc laisser entrevoir cette influence. Victime d’un viol par l’un des proches de son père, Artemisia Gentileschi réussira tant bien que mal a passer outre cette expérience traumatique sans pour autant abandonner ces objectifs. Alors mariée à Florence, elle reprend sa carrière de peintre. Elle est consciente du du poids qu’elle porte sur les épaules et écrit à son commanditaire Antonio Ruffo la chose suivante : “Vous me trouvez pitoyable car avant même de poser les yeux sur mon travail, le nom d'une femme soulève des doutes. » Dotée d’un talent incontestable et louée par ses confrères de l’époque, Artemisia doit pourtant compter sur une tutelle masculine pour pouvoir évoluer dans une société qui n’accepte pas aisément les femmes peintres. En 1616, arrive la consécration : elle sera la première femme a entrer à l’Académie du dessin de Florence, première académie artistique d’Europe. Elle collabore, à ce moment-là, avec les plus grandes figures florentines du moment, comme Galilée ou encore Michelangelo Buonarroti le Jeune, grand neveu de Michel Ange. L’un des tableaux d'Artemisia les plus populaires, tiré de l’Ancien Testament, représente Judith décapitant Holopherne. Il fut peint en 1620. Bien que l’artiste en ai fait 2 versions à quelques années d’intervalles, on reconnaît là ses caractéristiques propres : la gestion des contrastes entre lumière et obscurité, et le réalisme troublant dans la représentation des corps. Après sa séparation de son mari, Artemisia peut alors vivre en femme indépendante. Elle qui reçoit de nombreuses commandes de tableaux et qui gagne sa vie sans être obligée de reverser de l’argent à un époux. De Florence à Naples, en passant par Londres, Artemisia G a su s’imposer comme l'une des premières peintres baroques et certainement l'une des plus accomplies de sa génération. Après sa mort, son œuvre est pourtant oubliée, ou attribuée à d’autres, comme ce fut le cas avec le Judith décapitant Holopherne attribué au Caravage. Il faudra attendre le 20ème siècle pour la voir réellement réhabilitée et consacrée pour sa personnalité et son art. Voila, vous en savez un peu plus sur Artemisia Gentileschi, une artiste qui aura marqué son époque tant pour son indépendance que pour son talent qui lui a permis de s’extraire de sa condition de femme italienne du 17ème siècle. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le terme MacGuffin ne vous dit peut-être rien, et pourtant, vous le rencontrez dans chaque film de fiction ou presque, que vous regardez. Sauriez-vous dire ce qu’on en commun le crâne de cristal dans Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal, un disque dur volé dans Skyfall ou encore un diamant de 24 carats dans le film  Snatch de Guy Ritchie ? Hé bien ce sont tous des MacGuffin. Ce mot cache en fait une technique utilisée au cinéma pour développer un récit. Il faut voir le MacGuffin comme un prétexte au développement d'un scénario mais qui se révèle capital pour les personnages principaux du film. Bien que le principe soit utilisé depuis les débuts du cinéma, l’expression est en réalité popularisée par l’un des réalisateurs britanniques les plus influents au monde, le célèbre Alfred Hitchcock. Il va d'ailleurs en fournir une définition lors d'une conférence donnée en 1939 à l'université Columbia. Il décrit ainsi le MacGuffin comme, je cite : “l'élément moteur qui apparaît dans n'importe quel scénario. Dans les histoires de voleurs c'est presque toujours le collier, et dans les histoires d'espionnage, c'est fatalement le document.” Mais d'où vient son appellation? Selon Donald Spoto, biographe de Hitchcock, l’expression viendrait de Angus MacPhail qui était l’ami et le scénariste du ‘Maitre du Suspense’. Hitchcock utilise d’ailleurs ce principe à maintes reprises : On retrouve comme MacGuffin une somme d’argent volée dans Psychose sorti en 1960 ou des bijoux dans La Main au collet en 1955. Mais pour Hitchcock, son meilleur MacGuffin reste celui présent dans son long métrage La Mort au Trousses sorti en 1959. Pourquoi ? Parce qu’il est représenté dans le film par des secrets du gouvernement, qui sont évoqués tout du long mais qui ne sont jamais représentés physiquement : ils restent purement abstraits. Dans l'œuvre d’Hitchcock, le MacGuffin perd de l’importance à mesure que l’intrigue avance. En effet, le réalisateur comme il le confiera notamment à François Truffaut, va à l’encontre des personnes qui exigent une cohérence parfaite pour tous les détails d’un film, qu’il appelle alors les “vraisemblants”. Il prône le film comme un spectacle en soi qui ne doit pas nécessairement copier à l’identique la réalité. Principe fondamental du 7ème art, le MacGuffin est présent dans un nombre très conséquent de films de fiction, qui peuvent alors se l’approprier chacun à leurs manières et lui donner une importance variable. Cela va de Tarantino avec une mallette mystérieuse dans Pulp Fiction à Marvel avec les pierres d'infinité dans les films des trois premières phases de l’univers, en passant par Claude Chabrol, avec une statue de flore dans La Demoiselle d’Honneur. Voilà, vous en savez un peu plus sur le MacGuffin, un élément bien connu des réalisateurs mais également des écrivains, qui passe parfois inaperçu ou presque parmi les spectateurs. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

S’il y a un fossile que nous avons tous en mémoire aujourd’hui, c’est bien celui de Lucy.  Mais qui est-elle ? Découvert le 24 novembre 1974 à Hadar en Ethiopie sur les bords de la rivière Awash, le fossile que l’on surnomme Lucy, ou encore Dinqnesh, a bouleversé la manière dont les scientifiques se représentaient jusqu’alors nos origines humaines. Lucy appartient à l’espèce des Australopithecus afarensis et date selon les experts de 3.18 millions d’années. C’est le premier fossile retrouvé qui soit aussi ancien et relativement complet, avec 52 ossements sur les 206 qui composent un corps humain, . Lucy a permis le réajustement des connaissances concernant la bipédie, le fait de marcher sur ces deux membres postérieurs. Mais alors, pourquoi a-t-on donné le surnom de Lucy à cette découverte majeure ? Le groupe de recherches qui a découvert Lucy, composé de scientifiques éthiopiens, américains mais aussi français, était alors mené par deux paléontologues, Donald Johanson et Yves Coppens et un géologue Maurice Taieb. Au moment de la découverte par l’un d'entre eux du fossile, il fut d’abord répertorié sous le doux nom de code AL 288-1. Mais pour une trouvaille aussi importante, on se doute qu’il était préférable de pouvoir identifier plus facilement les restes australopithèques. Et le choix du surnom Lucy a au final était inspiré par une chanson des Beatles ! Alors que les chercheurs répertoriaient les ossements découverts le soir sous leurs tentes, ils écoutaient en même temps à la radio, la chanson Lucy in the Sky with Diamonds sortie sur l’album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band en 1967 par les Beatles. L’origine de ce nom si célèbre provient donc directement d’un des groupes de rock anglais les plus emblématiques du monde. En ce qui concerne son deuxième surnom, prononcé Dinqnesh, il provient de l’amharique, qui est la langue parlée en Ethiopie. En amharique donc la dénomination n’est pas inspirée d’une œuvre artistique mais n’en est pas moins pleine de sens. Dinqnesh signifie en effet la phrase « tu es merveilleuse ». Voilà, vous en savez un peu plus sur l’origine des surnoms de celle qui serait une cousine très éloignée de la lignée des humains, mais qui a longtemps été considérée comme le symbole de ses origines. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Cela peut sembler étonnant au vu des catégories actuellement présentes, mais il a bel et bien existé des épreuves d’arts aux Jeux Olympiques. Hé oui, les Jeux olympiques modernes inaugurés en 1894 dans la ville d’Athènes n’ont pas accueilli uniquement des catégories sportives au cours de leurs histoire. Mais dans un premier temps, comment l’art est-il apparu au programme des JO ? Le baron Pierre de Coubertin, d’abord militant pour l’instauration du sport dans les établissements scolaires français, va s’imposer comme le rénovateur des Jeux Olympiques modernes, et créera pour ce faire le Comité international olympique en 1894. Et C’est également à son initiative que seront mises en place les épreuves d’art dans la compétition olympique. En effet, le souhait de Pierre de Coubertin était de pouvoir rassembler sport et art dans un même événement, comme ce fut le cas dans la Grèce Antique. Il se réunit donc avec des experts pour arriver en mai 1906 à faire émerger 5 disciplines d’art qui seront par la suite en lice : l’architecture, littérature, musique, peinture et sculpture. Il réussit finalement après plusieurs échecs à faire accepter les épreuves artistiques pour les Jeux olympiques de 1912 qui se passent en Suède, à Stockholm. Seuls 35 participants sont recensés pour cette première des 5 épreuves d’art, que Coubertin appelle alors assez joliment le "pentathlon des muses”. Vous vous en doutez peut-être, il y a un prérequis pour participer, il faut que l'œuvre ait un lien avec le sport. Mais, les candidats étant bien évidemment autorisés à réaliser leurs œuvres en amont de la compétition, elles doivent par conséquent être originales, aucunes copies n’étant acceptées. Les gagnants remportent comme pour les autres types d’épreuves, une médaille d’or, d'argent et de bronze. L’apogée de ces disciplines artistiques se fera lors des jeux olympiques d'Amsterdam en 1928 , ou plus de 1150 œuvres sont exposées dans la discipline de la peinture seulement, sans compter les autres catégories d’art. Par la suite, les épreuves d’arts seront présentes à chaque session des jeux olympiques jusqu'à ceux de Londres en 1948, avec une baisse constante du nombre de participants. Mais alors pourquoi ont-elles disparu du paysage olympique ? Hé bien, en 1949, un rapport est présenté au comité international olympique et va faire grand débat. Il affirme que la quasi-totalité des participants aux épreuves artistiques sont professionnels contrairement à l’amateurisme demandé par le comité. En effet, les artistes avaient par exemple le droit de vendre leurs œuvres à la fin des expositions pendant les JO, ce qui donnait lieu à différentes polémiques. Ainsi, les critères olympiques du comité prônant la participation d’athlètes amateurs eurent raison des épreuves d’arts, qui bien que plusieurs fois reproposées par la suite pour d’autres Jeux olympiques comme ceux de 1952, ne furent pas remises en place. Voilà, vous en savez un peu plus sur l’histoire des épreuves artistiques aux Jeux Olympiques. Il semble bon de préciser que l’art reste néanmoins présent dans la charte olympique, qui demande aux organisateurs des Jeux de prévoir un programme d'événements culturels pour promouvoir les relations humaines et l'entente mutuelle entre les participants. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Elles trônent fièrement et surveillent aujourd’hui les nombreux visiteurs qui les admirent pour leurs particularités ornementales. Ces gardiennes, les gargouilles, apparaissent au début du 13ème siècle en Europe et se rattachent à de somptueux monuments souvent gothiques comme des cathédrales ou bien des églises. D’abord, pourquoi les appelles t-on comme cela ? Le mot gargouille est composé du terme latin “garg” qui signifie gorge et de celui d’ancien français “goule”, qui veut dire gueule. Mais quelles sont les fonctions de ces créatures ?  La gargouille est généralement en pierre, et désigne aujourd’hui toute figure qui est sculptée, qui représente le plus souvent un animal monstrueux ou encore un humain, et surtout qui évacue de l’eau. En effet, la première fonction originelle de la gargouille est une fonction pratique. Elle servait à faire écouler les eaux de pluies à une distance relativement éloignée des murs. C’est en cela que la gargouille se différencie de la chimère qui elle est une sculpture uniquement destinée à une fin décorative. Au départ plutôt rares et larges, les gargouilles vont se multiplier avec l’essor du style gothique au cours du 13ème siècle dans un souci d’accroissement des voies d’évacuations, tout en acquérant à ce moment-là un véritable intérêt décoratif. On voit se démocratiser des gargouilles entières plutôt qu’une seule partie de buste, avec des motifs sculptés qui se complexifient au fur et à mesure. La gargouille peut représenter un animal, un être hybride, une créature, ou encore comme on en voit apparaître au début du 14ème siècle, un humain. Et c’est dans ces différentes représentations qu’elle prend également ces autres fonctions. Mais pourquoi la gargouille est-elle la plupart du temps effrayante? On s’accorde à dire aujourd’hui que la gargouille exerce une fonction apotropaïque. Un mot un peu compliqué pour désigner un objet qui vise à conjurer le mauvais sort. En effet, la gargouille s’impose en gardienne d’un lieu, qui éloigne alors les démons mais également les personnes qui ont commis des péchés. Plusieurs textes médiévaux viennent corroborer cette idée-là de gargouilles gardiennes, d'où la représentation récurrente de chiens, de lions ou encore de dragons sur ces sculptures. Enfin, la gargouille a, au fil du temps, acquis une fonction morale qui visait à moquer les travers de la société de l’époque. Renforcées par la multiplication des représentations humaines mais également par la liberté conquise par les sculpteurs, les gargouilles tardives cherchaient à faire rire, par le grotesque mais aussi par l’obscène. Bien que beaucoup de celles que l’on observe aujourd’hui datent de restaurations amorcées au 19ème siècle, ces créatures immobiles restent rattachées à notre patrimoine culturel. Ainsi, les gargouilles ont endossé plusieurs fonctions dans l’histoire et sont principalement connues à notre époque comme le symbole d’un temps passé, celui du Moyen-Age. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le 15 décembre 1990 à 19h05 sur canal +, le public français a pu faire la connaissance de la plus célèbre des familles américaines moyennes, celle d’Homer, Marge, Bart, Lisa et Maggie Simpson...31 ans et 717 épisodes plus tard, la recette de la série d’animation Les Simpson reste intacte.  Créée par le dessinateur et scénariste Matt Groening, la famille Simpson, satire du mode de vie américain, a marqué l’histoire de la série humoristique d’animation pour les adultes au point d’avoir sa propre étoile sur le Walk of Fame d’Hollywood. Après 33 saisons, la série n’a pas perdu de son efficacité, preuve en est qu’en 2020 durant la pandémie de Covid19, Les Simpson ont été la série d’animation la plus suivie sur Disney +, au niveau international, selon le site TVTIME. Mais alors, pourquoi les personnages des Simpson ont-ils la peau de couleur jaune ?.Il existe plusieurs explications à ce choix, que je vais m’empresser de vous donner. D’abord, la première relève d’un choix esthétique. En effet, un des scénariste de la série, Mike Reiss, à déclarer que l’équipe ne voulait pas de démarcation entre les cheveux des enfants de la famille et leurs peaux, le jaune pouvait alors servir à effacer cette frontière entre les chevelures blondes et le reste du corps des personnages. On retrouve également une dimension un peu plus marketing à cette décision. Ce choix  viendrait aussi du fait que le jaune est une couleur qui attire l’attention, et que la série serait donc de facto plus rapidement identifiable pour un spectateur qui tomberait dessus à la télévision. En effet, le jaune était à cette époque très peu utilisé dans les séries et permettait de se démarquer. Enfin, une dernière raison à l’utilisation de cette couleur mais pas des moindres, est tout simplement une raison financière. Alors que la couleur verte était également envisagée pour la série, c’est finalement le jaune qui sera choisi pour des raisons de couts. Le vert étant une couleur secondaire composée de jaune et de bleu, elle coutait plus cher à produire que les couleurs primaires. L’équipe de la série voulant néanmoins une couleur chaude, le jaune fut finalement sélectionné et devint l’une des nombreuses marques de fabriques de la série les Simpson. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Il vous est sûrement déjà arrivé, de vous rendre à un concert et d’y croiser un grand nombre de spectateurs, qui comme vous, venaient voir leurs groupes ou leurs artistes préférés. Pour vous donner un ordre de grandeur en France, l’AccorHotels Arena à la possibilité d’accueillir au maximum 20 300 personnes comme ce fut le cas pour le concert de Muse en 2019. Plus encore, le stade de France a atteint lors de la représentation de U2 le 18 septembre 2010 une affluence de 96 540 personnes. Mais qu’en est il du concert ayant enregistré le plus grand nombre de spectateurs au monde ? Figurez vous que le record est détenu par un artiste français et dépasse de loin les chiffres évoqués précédemment. Le site  américain Songkick a fait le top 5 des concerts les plus fréquentés de tous les temps, et on retrouve des groupes comme les Rolling Stones ou encore des chanteurs comme, par exemple, Rod Stewart dans la liste. Mais arrive en première place avec 3,5 millions de personnes présentes pour le voir, l’auteur compositeur Français Jean-Michel Jarre présent à Moscou, pour les 850 ans de la ville, le 6 septembre 1997. Il faut dire que l’artiste français est un habitué des records, lui qui était rentré dans le Guinness Book une première fois pour avoir rassembler 1 million de personnes lors d’un concert à Paris sur la place de la Concorde. Il avait par la suite battu son propre exploit en réunissant 1,5 millions de personnes à Houston, puis une seconde fois avec 2.5 millions avant de réaliser ce quatrième record devant l’université de l'État de Moscou. Jean Michel Jarre, artiste réputé notamment pour son travail dans la musique électronique, était venu présenter une grande partie de son show de l’époque, appelé Oxygène tour. Le moins que l’on puisse dire, c’est que l'événement était réalisé en grande pompe : l’ouverture de la prestation était assurée par quatre avions de chasse de l’armée russe qui se sont également occupés de lâcher des feux d’artifices au moment de leur passage au-dessus de la scène. Le concert de Jean Michel Jarre était bien évidemment centré sur la culture russe, et l’on pouvait alors distinguer pendant les 2h15 de live des projections murales en l’honneur du pays, mais aussi des poupées géantes disséminées sur le lieu. En plus des 3,5 millions de personnes présentes physiquement pour célébrer Moscou avec Jean-Michel Jarre, le concert était retransmis en direct sur la célèbre Place Rouge grâce à un dispositif d’écrans géants. Le compositeur français s’est même offert une retransmission de son concert dans l’espace ! Il était en liaison avec les cosmonautes depuis MIR , la station spatiale russe. Un spectacle grandiose pour un artiste qui a, tout au long de sa carrière, voulu lié musique et technologie. Ainsi, le fils du grand compositeur de musiques de films Maurice Jarre, aura marqué à sa manière l’histoire de la musique et sera devenu, à travers ses nombreuses manifestations scéniques, un phénomène mondial. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous avez sûrement déjà vu ne serait-ce qu’une seule fois ce visage et son expression si particulière. Positionné au centre de notre toile du jour, un être que la frayeur semble déformer se tient dans un décor onduleux envahie par une couleur rouge vive. Le Cri, Skrik en norvégien, est une œuvre créée par Edvard Munch, artiste originaire d'Oslo qui s’inscrit dans le courant de l'expressionnisme. Mais le saviez-vous ? L'œuvre n’est pas unique, il en existe 5 versions au total qui ont été réalisées entre 1893 et 1917 dont 2 faites à la peinture, une au pastel, une au crayon et une lithographie. La plus célèbre d'entre elles reste une huile sur toile exposée à la Galerie nationale d’Oslo. La renommée de la toile est basée en grande partie sur l’atmosphère pesante qui en découle et l’angoisse qui semble presque tordre les différents éléments représentés dans la scène. Mais alors, que symbolise donc ce tableau ? D’abord, il faut préciser qu’Edvard Munch est un peintre qui aura eu pour thèmes récurrents dans ces œuvres la douleur, la peur de la mort ou encore l’angoisse. Cela vient en grande partie de son histoire personnelle, Munch connaissant de nombreux décès dans son entourage couplé à des dépressions nerveuses et des hallucinations qu’il avait tendance à combattre avec l’alcool. L’origine du Cri prend donc sa source dans une des angoisse de son auteur, qui se promenait alors avec ses amis face à un coucher de soleil rouge sang. Je cite les lignes du peintre écrites dans son journal : “ il y avait des langues de feu au-dessus du fjord de la ville, j'y restai, tremblant d'anxiété,” Ainsi, Munch nous donne ici par la même occasion l’explication du tableau en lui-même. Il représente un homme, traversé par une crise d’angoisse existentielle que l’auteur détaille comme “ un cri infini qui passait à travers l'univers et qui déchirait la nature. » d'où cette sensation de voir l’être central se couvrir les oreilles avec ces mains. Ce n’est donc pas le personnage principal qui pousse ce hurlement strident mais bien la nature elle-même, ce que confirme le premier nom de l'œuvre qui était "Le Cri de la nature". Mais, de quoi l’auteur s’est-il inspiré pour faire sa toile ? Ce visage si emblématique est dans sa forme calquée d’une momie péruvienne présentée à Paris durant l’Exposition Universelle de 1889, que l’on retrouve également dans le tableau "D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?" de Paul Gauguin. En fond, la couleur rouge vif du ciel que l’on pourrait croire sortie de l’imagination du peintre aurait pourtant réellement existé à la suite de l’éruption du volcan indonésien Krakatoa en 1883, dont la violence était telle que l’Europe en aurait ressenti les conséquences. Ainsi, vous en savez un peu plus sur un tableau unique en son genre, qui s’est au fil du temps profondément ancrée dans notre culture populaire moderne, se retrouvant dans nos portables au travers de l’émoji à son image, ou encore dans les films que nous regardons, le personnage du long-métrage Scream étant par exemple grandement inspiré du Cri de Munch. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le prix Pulitzer est une récompense mise en à place en 1917, à la mort de son créateur Joseph Pulitzer, un des précurseur du journalisme d’investigation. Mais dans quel but ce prix a-t-il été créé ? Il vise à saluer l’excellence principalement de personnalités américaines dans un total de 21 domaines, dont font bien évidemment partie le journalisme mais également la littérature, l’histoire ou encore la composition musicale. Il est aujourd’hui considéré comme l’une des distinctions les plus prestigieuses du monde. De nombreux lauréats du prix restent célèbres, comme le président américain John Fitzgerald Kennedy pour son autobiographie ou Carl Weinstein et John Woodward pour leurs investigations sur l’affaire du Watergate. Mais en 1992, tombe alors une nouvelle qui fait grand bruit parmi les plus fervents adeptes du 9ème art. Cette année-là, pour la première fois dans l’histoire du prix, est récompensée une bande dessinée. Une bande dessinée exposée l’année précédente au MOMA, celle de l’auteur américain Art Spiegelman. L’œuvre se nomme Maus, est publiée en noir et blanc de 1988 à 1991 et va marquer une rupture inédite dans l’histoire d’un art qui jusqu’ici était considéré par certains comme mineur. Maus, c’est un récit fondé sur les entretiens de l’auteur avec son père, juif rescapé des camps de concentrations. Art Spiegelman retrace avec précision l’histoire de son père, de son arrestation au milieu des années 1930 jusqu'à la Libération en 1945. Mais alors qu’est ce qui caractérise son œuvre ? Hé bien, Maus propose une vision de la seconde guerre mondiale zoomorphique, ou les nazis sont représentés par des chats, les polonais par des cochons et les Juifs par des souris. Alors, Pourquoi ces choix de représentation qui pourraient paraître ambigus ? Parce que la souris symbolise la déshumanisation intrinsèque au projet des Nazis, opposé à son prédateur, le chat qui incarne alors le bourreau. L’auteur considère que c’est au lecteur de “réinterpréter ces signes qui semblent être en porte-à-faux avec l'histoire racontée”. En recevant un prix Pulitzer spécial dans la catégorie lettres en 1992, Maus permet à un art qui peiné à se faire reconnaître comme légitime, de remporter une victoire symbolique forte. Art Spiegelman prouve que la bande dessinée peut elle aussi aborder des thèmes graves qui ne se destinent pas seulement aux enfants. Entre autobiographie, biographie et témoignage historique, les cases de Maus auront touché le public, inspirés de nombreux travaux universitaires, et aident encore actuellement certains professeurs d’histoire à aborder le thème de la Seconde Guerre mondiale. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le théâtre est un art qui accueille en son sein une grande quantité de termes précis et de superstitions propres. En se rapportant à son étymologie grecque, théatron, la discipline désigne également toute la partie cachée au public par le rideau. Et c’est en passant en revue le vocabulaire spécifique à cet art du spectacle vivant que l’on se rend compte des points communs qu’il entretient avec le monde de la marine. Jean Vilar, créateur d’une des plus importantes manifestations théâtrales du monde, le festival d’Avignon, disait lui même : « Les grandes traditions de la machinerie théâtrale sont celles de la marine à voile ». Mais alors, comment s’est effectué ce transfert étonnant d’un domaine à l’autre ? Nous allons voir cela... Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Vous vous en doutez peut-être, si je vous parle aujourd’hui de ce terme, c’est qu’il est dans ses racines étroitement lié au domaine des arts, et plus précisément rattaché au théâtre. Le mot “turlupiner” dans son sens originel, s’éloigne quelque peu de la définition que nous lui accordons aujourd’hui. Turlupiner signifiait selon le dictionnaire de la langue française, dans son utilisation première le fait “de se moquer de”, comme on le retrouve dans la correspondance de Joseph de Maistre, homme politique père de la philosophie contre-révolutionnaire. Il écrit par exemple en 1807 : “Il a reçu les papiers où on le turlupine, et il les a fait courir lui-même de fort bonne grâce”. Le terme a évolué pour rentrer dans notre vie courante comme le synonyme de “Se tourmenter, se faire du souci.” On retrouve une trace du sens moderne du mot dans les Œuvres complètes de Verlaine dans lequel il déclame en :” [L'amant] se turlupine donc à tort! Puisque il est l'aimé! “. Mais alors quelle est l’origine de ce mot étonnant ? Figurez-vous que ce terme rentre dans la catégorie des antonomases. L’antonomase est une figure de style qui consiste à transformer un nom propre en nom commun ou dans notre cas en verbe. En effet, le mot turlupiner découle du nom Turlupin, qui était un personnage de théâtre inventé et incarné par le comédien parisien Henri Legrand au 17ème siècle. Il sera apprécié pour son personnage présent dans des farces, qui lui fait valoir un certain succès aux alentours des années 1620. Il développe un personnage inspiré des "zannis", les valets de comédies descendant des bouffons de la comédie antique, à ceci près qu’il lui insuffle un caractère fourbe et une tendance à la moquerie. Faisant partie d’un trio avec deux autres farceurs du nom de Gaultier Garguille et Gros-Guillaume, Turlupin reste néanmoins le plus italien des trois personnages, en se montrant au public galant et jovial. Il est donc dans cette optique l'ancêtre du Scapin de Molière. Turlupin donnera son nom à un genre de farce, que l’on nomme Turlupinades , dans lesquelles se côtoient calembours, mises en scènes burlesques et jeux de mots faciles. De là, le mot sera tombé dans notre vocabulaire comme “une plaisanterie de mauvais goût”, avant de glisser sémantiquement dans la peau d’un verbe passant de la moquerie à la tourmente et au souci. Aujourd’hui, le mot s’est enrichi dans notre utilisation d’un pronom réfléchi de la même personne que le sujet, comme dans l’exemple : “Cela me turlupine”. Voilà, vous en savez donc un peu plus sur ce mot à l’histoire riche et sinueuse que l’on aura hérité du monde du théâtre et plus précisément de la farce. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La Vénus de Milo est sûrement l’une des statues, si ce n’est la statue, la plus célèbre du Musée du Louvre. Composée de marbre de Paros, d’une excellente qualité, cette statue date de la période hellénistique, et a été faite en Grèce entre 150 et 130 av. J.-C. Selon la principale hypothèse, elle représenterait la déesse grecque Aphrodite, divinité de l’amour debout, le torse dénudé et les jambes recouvertes d’un drap. Mais alors qu’est ce que cette statue a de spécial? Hé bien d’abord, la célébrité de la Vénus de Milo provient de la grande qualité du travail apporté à ce corps sculpté. En effet, première statue venue de Grèce à entrer dans les collections du musée du Louvre, les spécialistes ont rapidement vu la différence entre cette œuvre et les copies romaines auxquelles l’Europe était habituée jusqu' alors. Mais comme vous vous en doutez, la Vénus de Milo tient aussi sa renommée du fait qu’elle ai été retrouvée et exposée sans ses bras. Pour être précis, il lui manque également son pied gauche, une partie de son socle et d’autres micro fragments. Elle devient à son exposition en 1821, il y’a un peu plus de 200 ans, la première pièce incomplète à être montrée au Louvre. Et cette absence de membres supérieurs entretient encore aujourd’hui les doutes sur son identité et son attitude, qui été entre autres définis par ce que tenait la statue dans ses mains. Des chercheurs dont fait partie Marianne Harnaux défendent la thèse selon laquelle cette statue aurait porté le bouclier d’Arès, dieu grec de la guerre, dans lequel elle pouvait se contempler. Mais pourquoi la Vénus de Milo n'a-t-elle plus de bras ? A sa découverte en avril 1820 sur l'île de Milo en Grèce, par un paysan qui la voit par hasard, l'œuvre n’a déjà plus de bras rattaché à son buste. Une des explications les plus répandues concernant la perte de ses membres pourrait être la suivante :Dans l’antiquité grecque, les sculptures étaient créées en pièces détachées. Elles étaient par la suite assemblées à l’aide de pièces en métal, qui comme vous le savez, rouillent au fil du temps. Il semblerait ainsi que les bras de cette célèbre statue se soient détachés du bloc supérieur de l'œuvre avec les années et aient disparus dans la nature. Ainsi, bien des éléments entourant La Vénus de Milo restent encore flous à ce jour, comme par exemple le nom de son ou de ses créateurs. Malgré tout, l’absence de ces bras continue à alimenter les hypothèses des experts et à faire rêver les millions de visiteurs qui passent devant elle chaque année. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

John Cage est un compositeur américain qui a vécu de 1912 à 1992 et qui s’est illustré principalement dans le domaine de la musique contemporaine expérimentale. Tout au long de sa carrière, John Cage aura axé son travail sur la recherche de nouvelles formes sonores. Pour lui, l’une des facettes les plus riches de son domaine était le facteur d’imprévisibilité, le moment où la musique rencontre des éléments externes qui viennent la modifier de manière aléatoire ou accidentelle. Tout cela nous amène donc à l’une de ses œuvres les plus médiatisées : le morceau 4'33", interprété par David Tudor le 29 août 1952, au Maverick Concert Hall de Woodstock dans l'État de New York. Vous devez vous en doutez, le titre du morceau fait référence à sa durée. Ainsi, pendant 4 minutes 33, le public du Maverick Concert Hall a pu écouter… le silence face à un orchestre quasi-immobile, mais pourtant bien présent, musiciens et chef d’orchestre étant à leurs postes devant instruments et pupitres. L'œuvre de John Cage est un morceau expérimental composé de trois mouvements silencieux. Sur la partition, chaque partie est annoté du mot TACET, je me tais en latin, qui signifie que les musiciens ne doivent pas jouer pendant toute la durée du mouvement. Plus exactement, John Cage voulait une œuvre constituée des bruits de l’environnement créés par le public lui-même. Une œuvre conforme à sa vision qui représente “un acte dont on ne prévoit pas l’issue”, dans laquelle presque tout peut arriver. Cage eut l'idée de créer ce morceau en visitant la chambre insonorisé de l’université de Harvard, à la fin des années 40. Il s’attendait à pouvoir entendre le silence, mais en réalité, il perçut le bruit de son système nerveux résonné. Alors convaincu qu’on ne pouvait pas trouver le véritable silence, il se mit à créer son œuvre la plus populaire : "4’33". Au-delà du mécontentement de certains spectateurs sur place, l'œuvre aura polarisée. Là où certains y voient une imposture, d’autres interprètent cette œuvre dans le même courant que les ready-mades de Marcel Duchamp ou encore la considèrent comme une remise en question de la notion de contexte musical. Ce qui est sûr, c’est qu’avec John Cage et sa composition "4'33", le silence aura eu sa dose de résonance dans le domaine de la musique contemporaine du 20ème siècle. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Ce nom ne vous dit peut-être rien, mais vous connaissez sûrement Georges Rémi. Ayant marqué les esprits sous le nom d’Hergé, né en 1907 et mort en 1983, il est comme vous le savez un auteur de bande-dessinée belge de renom. Il reste inscrit dans l’histoire comme le créateur des aventures de TINTIN, un jeune reporter globe-trotter accompagné de son chien Milou et de ses acolytes, comme le capitaine Haddock, ou encore le professeur Tournesol. Mais savez vous d'où vient le fameux pseudonyme de Georges Rémi ? A partir de 1924, il commence à signer toutes ces planches sous le nom d’Hergé. Tout simplement, l’auteur a décidé de prendre la première lettre de son prénom, G pour Georges, et de son nom, R pour Rémi, et les a inversé en gardant le résultat phonétique, RG. Malgré certaines polémiques, Hergé s’étant notamment fait accuser de collaboration pour avoir publié dans un journal dirigé par l’occupation allemande pendant la seconde guerre mondiale, il est aujourd’hui, considéré comme l’un des pionniers de la bande dessinée européenne. Au cœur du riche univers qu’il a créé tout au long de sa carrière, on totalise ainsi 24 albums des aventures de Tintin qui se sont vendus à la bagatelle de 250 millions d’exemplaires dans le monde. Mais, figurez-vous que l’on retrouve dans les travaux d’Hergé une œuvre inachevée de Tintin qui, bien que retravaillée plusieurs fois, ne sera jamais publiée. En 1960, après la sortie de Tintin au Tibet, Hergé s’inspire d’un fait divers pour écrire une nouvelle aventure du reporter qu’il nommera par la suite Tintin et le Thermozéro. Il reprend des brouillons, à la base destinée à un autre album, Tintin et la piste Indienne, qu’il réadapte pour l’occasion. Le début du synopsis ? Je cite les mots d’Hergé lui-même :” Un flacon contenant un produit mortel a été emporté par quelqu'un. Tintin poursuivra le bonhomme et le rejoindra au moment où le produit en question allait commencer ses ravages”. Mais par la suite bloqué dans son récit, Hergé demande au dessinateur Greg, créateur d' Achille Talon de lui réaliser un scénario. Le père de Tintin tente alors de l’utiliser mais abandonne rapidement l’idée, déclarant : "je me sentais prisonnier d’un carcan dont je ne pouvais me défaire. Or, j’ai besoin d’être constamment surpris par mes propres inventions”. Malgré plusieurs versions d’un scénario et 8 planches crayonnées par Hergé, le projet Tintin et le Thermozéro, similaire en certains points à l’album L’affaire Tournesol, sera abandonné au profit de l’album Les Bijoux de la Castafiore. Parmi les trois histoires qu’Hergé n'a jamais terminées, Tintin et le Thermozéro reste néanmoins la plus aboutie, avec 43 pages réunies au total contre 62 dans un album de Tintin complet. Ainsi, cette histoire n’a toujours pas finie de fasciner les adeptes de Tintin, comme en témoigne la vente aux enchères d’une des pages crayonnées du Thermozéro en 2016 pour la modique somme de 230 000 euros. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La récente entrée de Joséphine Baker au Panthéon a remis un coup de projecteur sur cet édifice incontournable. Monument qui a depuis la Révolution française vocation à accueillir et honorer de grands personnages ayant marqué l'Histoire de notre pays, le Panthéon réunit actuellement en son sein les dépouilles de 81 personnalités de divers horizons. Chose étonnante : parmi tous ces personnages illustres, ne figure qu'un seul peintre: Joseph Marie Vien, inhumé le 31 mars 1809. Mais qui est donc cet artiste, unique acteur de sa discipline à avoir pu accéder à cet honneur? Joseph Marie Vien est un peintre et graveur français né en 1716 à Montpellier dans une famille dont le père est serrurier. Il devient rapidement un artiste salué notamment par le grand prix de Rome, qui lui accorde une bourse lui permettant d’aller exercer en Italie. Là-bas, il se prend de passion pour l’art antique et recentre son travail autour de ce thème, qui ne trouvait pourtant pas franc succès chez le public à cette époque. Homme qui concentre son art sur la captation de la nature et les techniques des maîtres anciens, il est considéré aujourd’hui comme l’un des précurseurs du néo-classicisme en peinture. A côté de cela, Joseph Marie Vien fonda sa propre école, dans laquelle il forma de nombreux élèves talentueux dont le meilleur exemple reste Jacques-Louis David, célèbre pour avoir imposé le style néoclassique et pour s’être engagé comme artiste impérial. Ruiné par la Révolution Française, Vien sera néanmoins couvert d’honneur par Napoléon, qui le fera sénateur en 1799, comte de l’Empire en 1808 et commandeur de la Légion d’honneur, avant d’ordonner ses funérailles nationales au Panthéon. Ainsi, Joseph Marie Vien aura été un peintre et un pédagogue reconnu, malgré tout relégué au second plan dans l’histoire de l’art par rapport à certains de ces élèves. Il reste un acteur majeur de la transition du style rococo au néo-classicisme et laisse derrière lui pas moins de 179 toiles dont La Douce Mélancolie (1756) ou encore La Marchande à la toilette (1763). Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Dans cette histoire, ce sont deux grands univers qui se rencontrent. D’un côté, nous retrouvons Salvador Dali, l’un des peintres les plus célèbres du 20e siècle, apprécié pour son art surréaliste et pour la manière dont il s’est approprié des thèmes comme le rêve ou encore la sexualité. De l’autre, nous retrouvons Walt Disney, pionnier de l’animation et célèbre producteur de films, 'recordman' du nombre d’Oscars du cinéma obtenu avec 22 récompenses à son actif. Mais quel est donc le projet qui a pu réunir ces deux icônes, qui ont chacun suscité légendes et controverses ? Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

L’art de la sculpture est depuis son commencement associé à des fonctions spirituelles et religieuses. Permettant à son propriétaire de montrer sa propre croissance personnelle, la sculpture bouddhiste chinoise sert également de référence pour le culte et l'inspiration méditative. Mais, chose surprenante, en 2014, des universitaires néerlandais ont découvert une statue bouddhique du XI ou XIIe siècle qui renfermait les restes d'un moine chinois... Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Le 7e art voit naître chaque année de nombreux événements en son honneur, visant à récompenser les œuvres de cinéma les plus talentueuses. Du réalisateur à la lumière, en passant par les décors et bien évidemment les acteurs, toute la chaîne de création d'un film est célébrée dans ce genre d’occasions. Mais alors que l’on peut dater la création du cinéma à la fin du 19e siècle, combien de temps a-t-il fallu pour qu’un festival se mette à décerner des prix à cette discipline ? Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

La Sagrada Familia, de son nom complet le Temple Expiatoire de la Sainte Famille, est sûrement l’un des monuments espagnols les plus connus du pays à l’international. Cette œuvre phare de l’architecte Antoni Gaudi a été commencée en 1882 et reste 140 ans plus tard toujours en construction... Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

"Bonnardiser" consiste pour l'artiste à retoucher une œuvre, y compris à l'insu de ses nouveaux propriétaires... Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices