Die neue Folge widmet sich einer der großen Vergessenen der 1970er Jahre: Liliana Cavani (*1933) erhielt 2023 in Venedig den Goldenen Löwen für ihr Lebenswerk. Die Laudatio hielt Charlotte Rampling, die Hauptdarstellerin des bekanntesten Films von Cavani DER NACHTPORTIER. Das provokante Kunstwerk – damals in Italien als „unmoralisch und obszön“ zensiert – schildert die sadomasochistische Beziehung einer KZ-Überlebenden mit ihrem ehemaligen SS-Peiniger. Gewalt und Nazismus, Leidenschaft und Sex prägten auch die weiteren Filme ihrer sogenannten Deutschland-Trilogie: JENSEITS VON GUT UND BÖSE (1977) und LEIDENSCHAFTEN (1985). Ein weiteres Thema, das Cavani immer wieder beschäftigte, ist die ungleiche Verteilung von Reichtum ‒ auch des Reichtums der Kirche. Mit insgesamt drei Verfilmungen zu Franziskus von Assisi (1966, 1989 und 2014) und mit DIE HAUT (1981) verwies sie auf soziale Missstände und plädierte für nachhaltige Veränderungen. In ihrer Verfilmung des Patricia-Highsmith-Romans RIPLEY’S GAME (2002) wiederum setzte sie bewusst andere Akzente als zum Beispiel Wim Wenders mit seiner Adaption DER AMERIKANISCHE FREUND (1977). Marcus Stiglegger spricht mit Dr. Bernd Aschenbrenner über Cavanis Lebenswerk, das beide bereits auf dem Mannheimer Filmseminar am 12.-14.1.24 diskutierten. Marcus kuratierte zudem die deutsche Bluray-Edition des Films DER NACHTPORTIER.

Nachdem Emerald Fennell in PROMISING YOUNG WOMAN toxischer Männlichkeit und Rape Culture auf den stinkenden Laib gerückt ist, taucht die britische Regisseurin in ihrem neuen Film SALTBURN (bei Amazon Prime erschienen) in den Maschinenraum der britischen Klassengesellschaft hinab. Queere Liebesgeschichte trifft auf einen zeitgemäßen Wiedergänger des talentierten Mr. Ripley. Benni und Sebastian diskutieren den mitunter provokativen Film.

Ridley Scott ist ein Filmemacher, der immer groß denkt. Hat er sich bei seinem NAPOLEON verhoben? Marcus und Sebastian diskutieren den viel kritisierten, aber auch viel geliebten Film zunächst im Kontext von Scotts Filmografie. Doch stehen auch weitere Fragen auf dem Plan: Ist die Zeit dieser Großfilme möglicherweise vorbei? Wie soll man mit dem Historischen oder eben der Fiktion in NAPOLEON umgehen? Und findet Scott einfach nicht die richtige Perspektive in diesem Film ohne dramaturgisches Maß?

Es reicht ein Name: CONAN. Der legendäre Film von Regisseur John Milius ist nur ein Aspekt dieser Welt – basiert dieser doch auf Motiven des Autors Robert Ervin Howard. Gemeinsam mit dem Film- und Literaturwissenschaftler Dr. Kai Naumann (Universität Siegen) taucht Marcus in diese mythische Welt ein. Das Coverartwork für diese Folge stammt von Comic-Künstler Chris Undirheimar.

Lediglich dreimal schwenkt die Kamera in diesem hochkonzentrierten Film, der dennoch alles andere als starr und unbewegt ist. Er erzählt von Unterdrückung und Befreiung, von Auflehnung und ja, auch vom Glauben. Beginning - das kristallklare Porträt einer undurchsichtigen Frau in existenzieller Krise.

Figuren, die rätselhaft bleiben. Geschichten, die fast zu verschwinden scheinen. Bewegungen, die ins Unbestimmte verlaufen. Stars at Noon ist alles andere als Spektakel oder Unterhaltung. Es ist existenzialistisches, es ist unvergleichlich sinnliches Kino. Claire Denis jüngster Film ist eine betörende Meditation über das Unausgesprochene und das Uneindeutige.

Das Drehbuch zu TAXI DRIVER machte Paul Schrader einst zur berühmten Ikone des New Hollywood. Als Regisseur gelangen ihm mit EIN MANN FÜR GEWISSE STUNDEN und KATZENMENSCHEN beachtlich Erfolge, und mit MISHIMA eines der großen Biopics der 1980er Jahre. Und während er kontinuierlich Filme drehte, gelang es ihm im fortgeschrittenen Alter nun tatsächlich, an seine frühere Bedeutung anzuknüpfen. Mit der 'Man in a Room'-Trilogie setzt er sich mit Männlichkeitsdefinitionen angesichts einer eskalierenden Weltlage auseinander: Klimakrise, Abu Graib, Neonazis. Und fast unbemerkt kam jetzt der Abschluss dieses 'magnum opus' auf den deutschen Heimmedienmarkt: MASTER GARDENER. Diesen Film an der schmalen Grenze zwischen Ästhetik und Gewalt, Liebe und Rassismus loten Sebastian und Marcus in einem intensiven Gespräch aus.

Barbie ist ein Diskursfilm, das hat sich deutlich erweisen. Und somit reichte eine Episode zum Thema nicht aus. Um das Bild zu erweitern, haben wir mit der Medienwissenschaftlerin und Managementforscherin Prof. Dr. Brigitte Biehl aus Berlin gesprochen, die in BARBIE durchaus das Potenzial eines positiven Rollenbildes für Female Leadership sieht.   Weitere Infos: „Gender und Leadership“, Videoserie von Brigitte Biehl und der FernUniversität in Hagen https://video.fernuni-hagen.de/Browse/Category/95 Tagung „Jenseits von Wonder Woman und Superman – Zukunftsweisende Führung in Film und Serien“ https://www.fernuni-hagen.de/gleichstellung/veranstaltungen/zukunftsweisende-fuehrung.shtml (Vorträge u.a. von Brigitte Biehl und Marcus S. Kleiner) - „Unmöglich, eine Frau zu sein“: Gender und Leadership im Barbie-Kinofilm, Beitrag von Brigitte Biehl auf „Leadership Insiders“ https://www.leadership-insiders.de/unmoeglich-eine-frau-zu-sein-gender-und-leadership-im-barbie-kinofilm/

Pink is Punk? Der Medienwissenschaftler Marcus S. Kleiner ist da etwas skeptisch – zumindest was BARBIE angeht. Marcus und Marcus sprechen über ihre Probleme mit diesem Film. Aber können sie als Männer überhaupt etwas dazu sagen? Das Gespräch ist der erste Teil einer breiteren Auseinandersetzung mit diesem Kinoereignis. Im zweiten Teil wird die Medienwissenschaftlerin und Managementforscherin Prof. Dr. Brigitte Biehl über das Frauenbild und Female Leadership sprechen.

Der Weise erfreut sich am Wasser, der Barmherzige an den Bergen. Dazwischen raubt der Nebel nicht nur die Sicht, sondern löst alles auf. Liebe scheint unmöglich zu sein, in Park Chan-Wooks jüngstem Film. Ob diese von fragiler Intimität durchzogene Geschichte über die Obsessionen des Begehrens ein gereiftes Meisterwerk, oder eine dröge Stilübung ist, darüber sprechen Marcus und Benni in dieser Folge.

Durch die "Cornetto-Trilogie" in den Geschmacksrichtungen Zombie-Apokalypse (SHAUN OF THE DEAD), Mystery-Cop-Thriller (HOT FUZZ) und Alien-Invasion (THE WORLD'S END) wurde Edgar Wright weltweit zum Kultregisseur. Was seine Filme so originell, amüsant und doch so anspruchsvoll macht, diskutiert Marcus mit der Mainzer Filmwissenschaftlerin Kathrin Zeitz - mit einem speziellen Blick auf LAST NIGHT IN SOHO. 

Der Regisseur und Autor Paul Schrader lobte den Film als Meisterwerk. Da können wir bei den Projektion nicht mitgehen. Während Marcus jedoch viele positive Aspekte in Christopher Nolans OPPENHEIMER entdecken kann, ist Sebastian skeptisch. Aber hört selbst.

Manchmal versteht man es einfach nicht: Da dreht eine Regisseur*in über Jahre großartige Filme – doch kaum jemand kennt sie oder ihn. Fabrice Du Welz ist einer dieser europäischen Unbekannten. Sicher, im Kreis der Genre-Liebhaber*Innen wird der Name gehandelt. Aber auch hier gilt er eher als Geheimtipp. Marcus, Benjamin und Sebastian nehmen sich das erschütternde Debüt CALVAIRE (2004) und den poetischen ADORATION (2019) vor, in der Hoffnung, die Aufmerksamkeit auf diesen fantastischen Filmemacher zu lenken. In seinen Filmen ist die Liebe ein Wahnsinn, eine mörderische Kraft. Was das mit APOKALYPSE NOW zu tun und welche Rolle die Landschaft spielt, darum geht es in dieser Episode.

DAS LEHRERZIMMER gehört schon heute zu den ganz großen Filmen des Jahres. Auf dem Deutschen Filmpreis gehörte das Thriller-Drama über eine junge Lehrerin, die an ihrem Idealismus zu zerbrechen droht, zu den großen Gewinnern: Bester Film, Auszeichnung für Regie und Drehbuch, die Hauptdarstellerin Leonie Benesch und die Editorin Gesa Jäger. Marcus und Sebastian haben Regisseur İlker Çatak und seinen Co-Autor Johannes Duncker als Gäste. Gemeinsam spricht man über die Rezeption des Films, die Enge der filmischen Räume und die Arbeit am Drehbuch. Hefte raus, Klassenarbeit!

AFTERSUN, der beeindruckende Debütfilm der Regisseurin Charlotte Wells, ist von komplexer Tiefgründigkeit: ein ergreifendes und berührendes Porträt einer Erinnernden, die versucht, sich ein Bild von ihrem Vater zu machen. Sebastian und Benjamin sprechen über die Form dieses Films, seine untergründige Musik und den Status der Bilder: Welche Wahrheit wirkt durch diesen Film? Und welche Dunkelheit steigt auf?

Immer noch gilt die Aufmerksamkeit beim Film vor allem den Schauspieler*Innen und den Filmemacher*Innen. Dabei ist Film immer eine komplexe Gemeinschaftsarbeit. Karim Hussain ist Cinematographer, das heißt Kameramann. Sein Stil, seine Art Bilder einzufangen, gibt Filmen eine ganz eigene Note. Seine Zusammenarbeit mit Regisseur Brandon Cronenberg (ANTIVIRAL, POSSESSOR, INFINITY POOL) hat etwas Zwingendes, ist von eigenwilliger Schönheit. Außerdem stand er bei Filmen wie ORPHAN: FIRST KILL und HOBO WITH A SHOTGUN hinter der Kamera. Karim hat aber auch selbst Filme als Regisseur inszeniert: SUBCONSCIOUS CRUELTY, ASCENSION, THE BEAUTIFUL BEAST. Marcus hat mit dem Bilderkünstler gesprochen.

Was passiert, wenn man die Möglichkeit hat, einer Todesstrafe zu entgehen, indem man einen Klon von sich in den Tod schicken kann? Der Haken daran: Man muss der Exekution beiwohnen, dem Tod ins Spiegelbild blicken. Darum geht es in Brandon Cronenbergs INFINITY POOL. Bleibt der Film unter seinen Möglichkeiten? Handelt es sich wirklich nur um eine blutige Satire über Tourismus? Oder steckt doch mehr in diesem mitunter rohen Werk? Sebastian und Benny sprechen mit dem Filmkritiker Marcus Fiedler und dem Kollegen Janick Nolting, den einige auch von CUTS kennen dürften. Auch POSSESSOR, der Vorgängerfilm, wird Thema sein. Fröhliches Klonen, wünschen wir!

THE MENU von Mark Mylod ist einer der besten Filme des vergangenen Jahres, wurde allerdings sehr schnell darauf reduziert, eine sehr eindeutige Kritik an der Haute Cuisine anzubringen. Satire also. Doch THE MENU ist der bessere TRIANGLE OF SADNESS, weil er viel tiefer in die Verwirrungen und Doppeldeutigkeiten des Systems hinabsteigt, als es der Film von Ruben Östlund tut. Letztere befriedigt eine ganz klare Sichtweise, ist eine fatalistische Genugtuung, in der letztlich alles so bleibt, wie es ist. THE MENU aber zwingt uns, die Rollen, die wir innerhalb der Produktion einnehmen, zu hinterfragen. Marcus, Benjamin und Sebastian dekonstruieren die Lasagne. Viel Spaß.

Die 1970er Jahre in Hollywood sind geprägt vom Paranoiathriller, der das Individuum als Spielball einer alptraumhaften Verschwörung zeichnete. Mit den späten 1990er Jahren veränderten sich die Spielregeln. Analog zum Internet und dem neuen Terrorismus entstand das paranoide Kino, das die Gesellschaft selbst als ein Netzwerk verschwörerischer Strukturen schildert und dabei selbst paranoid erscheint. TETRIS nun erzählt vom Ende des Kalten Krieges nach 1988 mit den Mitteln des gegenwärtigen paranoiden Kinos. Julia und Marcus tauchen in dieser Folge tief in die irritierenden Strukturen einer Welt unsicherer Relationen.

Der überwältigende globale Erfolg des Films AVATAR - THE WAY OF WATER von James Cameron ist in zweierlei Hinsicht bemerkenswert: Er sicherte im Alleingang den Betrieb der großen Kinos nach der Corona-Krise – allenfalls flankiert von TOP GUN MAVERICK. Andererseits wird der komplett digital überarbeitete Science-Fiction-Film als eine Variante einer Zukunft des Kinos diskutiert. Marcus sprach mit dem Medienphilosophen Prof. Dr. Lars Christian Grabbe (msd | muenster school of design) über film- und medienwissenschaftliche Perspektiven, die Auswirkung von digitaler Technik auf die Filmkunst und die Zukunft des Mediums allgemein. www.larsgrabbe.com www.movingimagescience.com https://www.fh-muenster.de/msd/personen/personenprofile/dr_grabbe.php https://twitter.com/Image_Studies https://www.instagram.com/larsgrabbe_msd_mediatheory/ https://www.instagram.com/msd_symposium/ https://www.facebook.com/larschristian.grabbe.7

Todd Fields aktueller Film TÁR mit Cate Blanchet in der Titelrolle ist viel diskutiert und wurde durchaus kontrovers aufgenommen. Was der "letzte Film" des Regisseurs sein könnte, wartet mit einer komplexen Bildsprache auf: Das Resultat ist ein fiktives Biopic im Modus des Mysterythrillers. Den tragischen Fall der gefeierten Dirigentin Lydia Tár diskutiert Marcus in dieser Folge mit dem Bonner Filmwissenschaftler Lucas Curstädt, der mit Die Zweite Produktion einen eigenen Videopodcast betreibt. Info: www.youtube.com/@diezweiteproduktion/ und www.instagram.com/realcurstaedt/

Brian De Palmas Kino ist ein Kino der Sinne. In dieser Episode diskutieren wir zwei der zentralen Werke des amerikanischen Regisseurs – BLOW OUT (1981) und DER TOD KOMMT ZWEIMAL (BODY DOUBLE, 1984). Während bei BLOW OUT das Hören im Zentrum steht, dreht sich bei BODY DOUBLE alles um die Lust am Sehen. Was ist Illusion? Welche Rolle spielt die Wahrheit? Wie gelingt es De Palma, das Hören in Bildern zu inszenieren? Sebastian, Marcus und Benny beleuchten einzelne Szenen und arbeiten die Kunstfertigkeit dieses grandiosen Filmemachers heraus.

Der  britisch-griechische Filmemacher Peter Strickland hat durch Filme wie Katalin Varga (2009), Berberian Sound Studio (2012), The Duke of Burgundy (2014), In Fabric (2018) und Flux Gourmet (2022) eine signifikante  Spur im internationalen Kino hinterlassen. Virtuos spielt er mit metafilmischen Reflexionen und  den Genres. IN dieser Episode spricht Marcus mit dem Filmemacher über den starken  Einfluss von britischer Post-Industrial-Musik auf sein Werk und seine eigene Formation The Sonic Catering Band. Diese Episode hat erstmals keine Eigenkomposition als Titelthema, sondern das Stück „White Light  from an Oven Above“ von der CD „A Gourmet's Slumber“ (The Sonic Catering  Band 2012). 

„Too Old To Die Young“ dürfte eine dieser Serien sein, die kaum jemand gesehen hat. Amazon hat diese Serienperle versteckt – da hat jemand nasse Füße bekommen. Regisseur Nicolas Winding Refn hat in der Tat einen Monolithen geschaffen, ein wütendes, apokalyptisch-feministisches Monster. Mit „Copenhagen Cowboy“ scheint sich der Däne in einer ähnlichen Welt zu bewegen und Netflix lässt die Gangster-Superheldinnen-Serie auch das sein, was sie ist: ein irrwitziger Trip. In dieser Episode wagen wir einen Tauchgang in die Serienwelt von Nicolas Winding Refn und versuchen Zugänge zu diesen sperrigen Meisterwerken zu legen: Marcus, Benjamin und Sebastian sprechen mit Filmkritiker und Kulturjournalist Jens Balkenborg (Freitag, epd Film, NZZ am Sonntag). 

In der ersten Episode des Jahres stehen alle Zeichen auch Crossover: Julia Weigl eröffnet mit Sebastian Seidler und Benjamin Johann die Themenreihe Lust & Desire. Über das gesamte Jahr verteilt soll dieses Thema filmisch eingerahmt und divers diskutiert werden. Was ist Begehren? Worin liegt der Unterschied zu Lust? Und braucht es die Liebe? Zum Auftakt wird es um drei Filme gehen: Alfred Hitchcocks VERTIGO, DER SEIDENE FADEN von Paul Thomas Anderson und Ninja Thybergs kontroversen PLEASURE. Verführung und Objektifizierung, ökonomischer Austausch und die Dosis der Gabe – darum wird sich vieles drehen.  Viel Spaß und ein frohes neues Jahr wüschen die Projektionen. 

Luca Guadagnino ist hauptsächlich für seinen zärtlich-sommerlichen und queeren Liebesfilm „Call me by your name“ bekannt. Doch gehört der italienische Regisseur zu den eigenwilligsten Filmemachern der Gegenwart, der es vermag, sich mühelos die unterschiedlichsten Stoffe und Genres einzuverleiben, sie zu verwandeln und über sich selbst hinauszutreiben. Seine Interpretation von Argentos „Suspiria“ ist ein sinnlich-choreographierter Fiebertraum über das Matriarchat, politischen Wahn und Trauma. Und das Kannibalen-Roadmovie „Bones and All“ ist mitunter das Spannendste, was das Kinojahr 2022 hervorgebracht hat. Sebastian und Marcus sprechen in dieser Episode über mäandernde Erzählstränge, tanzende Kameras und verzehrende Metaphern.   

Anfang 30 – und etwas lost. Kennen wir dieses Gefühl nicht alle?  Die großen Fragen des Lebens lauern um die Ecke oder haben den Alltag  längst vereinnahmt. Ein Blick ins eigene Familienarchiv spürt Parallelen  zu den Eltern auf oder versucht das eigene, vergangene Ich über die  Bildoberfläche hinaus zu begreifen. Glückliche Kindheiten, verzerrte  Erinnerungen, Camcorder-Nostalgie. Erstaunlich viele Filme spielen  derzeit wunderbar kreativ mit Archivmaterial. Ob Found Footage Film in  diesem Fall wirklich der passende Begriff für diese Werke ist, erkunden  Bianca Jasmina Rauch und Julia Weigl in ihrer neuen  Transitionen-Folge. Mal sind es die Bilder aus der eigenen Kindheit der  jungen Regisseurin Faustine Cros, die in A LIFE LIKE ANY OTHER der  Depression ihrer Mutter nachgeht. Mal sind es, wie in ANNIE ERNAUX – DIE  SUPER-8 JAHRE, die Archivbilder einer jungen kreativen Frau, die auf  der Suche nach ihrem selbstbestimmten Leben ist. Mal sind es die  Kindheitserinnerungen der Protagonistin, in dem wunderbaren Regiedebüt  AFTERSUN von Charlotte Wells, der am 15. Dezember bundesweit in die  deutschen Kinos kommt. Und zuletzt sind es die Bilder des Regisseurs  Faraz Shariat, die er in seinem Spielfilmdebüt FUTUR DREI einbaut, und  die Normen von Archivierung und Geschichtsschreibung indirekt infrage  stellen. AFTERSUN: Kinostart 15. Dezember 2023 FUTUR DREI: Bei unterschiedlichen Streamern abrufbar ANNIE ERNAUX – DIE SUPER-8 JAHRE: Kinostart 30. Dezember A LIFE LIKE ANY OTHER: Derzeit leider noch nicht verfügbar

Sie reist zu den Orten, an denen unsere Lieblingsfilme gedreht wurden. Auf ihrem Blog schreibt sie darüber. Nun hat Andrea David ein Buch veröffentlicht: „SZENE FÜR SZENE die Welt entdecken“ ist im Conbook-Verlag erschienen und ist mehr als ein einfacher Reiseführer. Mit Andrea taucht man in die Verschränkung aus Welt und Fiktion ein. Genau darüber hat sie mit Sebastian in dieser Episode gesprochen. Was hat Reisen mit Kino zu tun? Und was macht das mit uns? 

Die  Filmlandschaft befindet sich im Wandel. Die Kinolandschaft befindet  sich im Wandel. Das sind Sätze, die momentan auf unzähligen Panels,  Symposien, Konferenzen zu hören sind. Doch was können wir tun? Einfach  aufgeben, nichts? Uns zurückziehen und uns gemütlich auf den Sofas von  Streaminginhalten berieseln lassen? Oder einfach aktiv werden, wie die drei Österreicher:innen Martina Genetti, Julian Stockinger und Otto  Römisch: Sie gründeten ihren eigenen Verleih, KINEMA 21, auf  Vereinsbasis, mit Sitz in Wien. Ihr Antrieb ist ihre eigene  Filmleidenschaft, ihr vorrangiges Ziel, "die Programmkino-Landschaft  vielfältiger zu gestalten und marginalisierte Perspektiven  zeitgenössischer Filmkunst zu fördern und sichtbar zu machen", wie sie  es selbst auf ihrer Webseite formulieren. Dabei wollen sie vor allem  Debüts, Werke von Regisseurinnen*, sowie Filme mit starken Genrebezügen  in den Fokus rücken. Nun bringen sie zum 1. Dezember ihren ersten Film  ins Kino: "Medusa" von Anita Rocha da Silveira. Junges, wildes  brasilianisches Kino, das sich ungern in Schubladen stecken lässt, in  sich Horror, politisches Kino und Pop-Musical vereint. Wir sprachen mit  Martina Genetti und Julian Stockinger über ihre Pläne für das  österreichische Kino und über „Medusa", über den wir alle ins Schwärmen  gerieten.

Vom Komiker zum Filmemacher: Mit nur  drei Spielfilmen hat sich Jordan Peele als Genre-Erneuerer etabliert. In  GET OUT entlarvt er den versteckten Rassismus der Südstaaten, in US  entwickelt er eine beängstigende Metapher für die ‚inneren  Klassengrenzen’ der USA – und mit NOPE kreuzt er Metafilm und  Hollywoodkritik, Western und Science Fiction auf frappierende Weise. Mit  der Mainzer Filmwissenschaftlerin Kathrin Zeitz (Film- und  Medienbewertung) diskutiert Marcus das Werk dieses ungewöhnlichen  Regisseurs.

2011 brachte Tim Fehlbaum mit Unterstützung des Blockbuster Mavericks Roland Emmerich seinen ersten Spielfilm "hell" in die Kinos. Darin hat die Sonne unsere Erde weitgehend ausgetrocknet. Über Jahre blieben die Ernten aus, die Gesellschaft ist zusammengebrochen. Der Film spielt mit der Doppeldeutigkeit des Titels, und lässt uns die verzweifelte Suche einer kleinen Familie nach einem Refugium in den Bergen mit erleben. Sieht man den Film heute, ist seine Aktualität beklemmend. In einer Welt der Waldbrände, dem Austrocknen der Flussläufe und der Energiekrise erscheinen solche Ereignisse plötzlich ungeahnt real. In seinem zweiten Spielfilm "Tides" im Jahr 2021 kehrt ein Astronaut auf die von Wasser überflutete Erde zurück, um zu ergründen, ob diese wieder bewohnbar wäre. Anlässlich seiner beiden Science-Fiction- Filme diskutiert Markus mit dem Schweizer Regisseur über die Klimakrise und das Genre-Kino in Deutschland.

Während unsere Filmlandschaft stark von Produktionen aus Nordamerika geprägt ist, werden filmische Erzählungen von und mit Native Americans im Zentrum nur sehr wenig behandelt oder landen gar nicht erst am europäischen Markt. Die Coming-of-Age-Spielfilme „War Pony" (2022), „Songs My Brother Taught Me" (2016), „Beans" (2020) und die Teenie-Serie „Reservation Dogs" (seit 2021) sind nur einige Beispiele aktueller Produktionen, die indigene Stimmen und Geschichten aus erster Hand auf die Leinwand bringen. Wir werfen einen Blick auf die Produktionsprozesse und einige Aspekte der gewählten Filme. Zwei davon spielen etwa im sozial prekären Pine Ridge Reservat in South Dakota, einige thematisieren nebenbei historische Ereignisse, die im Gros der Filmgeschichten ausgelassen werden, für die Native Community aber von wesentlicher Bedeutung sind - z.B. das Massaker von Wounded Knee.

Wie entdeckt man heute Film? Was dringt zu uns vor und was übersehen wir? Wie wichtig sind Festivals? Und sprechen wir auf eine gute Weise über Filme? Wie wichtig sind heute Marken? Und ist Kritik gleich Urteil? Viele Fragen liegen auf dem Tisch. Gemeinsam mit Julia Weigl (Filmfest München) und Christoph Gröner (Filmfest München) spricht Sebastian darüber, ob der Film zum Publikum muss – oder das Publikum zum Film?

Das Kino ist voller Helden. Vor allem Superhelden retten jeden Monat die Welt. Was aber ist das genau? Wann ist ein Held ein Held? Welche Rolle spielt die Figur und welche Funktion erfüllt er? Anhand von DUNE, The BATMAN und THE NORTHMAN sprechen Marcus und Sebastian über den Heldenbegriff und nähern sich den Unterschieden zwischen den drei Filmen an.

In den 90ern explodierte der Actionfilm auf der ganz großen Leinwand. "Lethal Weapon" wird fortgesetzt, Bruce Willis stirbt weiterhin langsam und Arnold Schwarzenegger erzählt wahre Lügen. Ausgehend von SPEED, CON AIR und FACE OFF wird sich in dieser Episode alles um die Besonderheiten dieses Actionkinos drehen: Kann man das heute überhaupt noch anschauen? War die Action damals gar besser als im Kino der Gegenwart? Und wird Tom Cruise sich eigentlich bald Klonen? Fragen über Fragen, auf die Sebastian mit zwei wundervollen Gästen die Antworten sucht. An den Mikrofonen: Christian Eichler vom Cuts-Podcast und die Schweizer Filmkritikerin Denise Bucher. Anschnallen und einsteigen.

John Carpenter – dieser Name ist Ikone. Wir fühlen dem Master of Horror auf den Zahn: Wie gut ist dieser Regisseur eigentlich? Und was bedeutet er für die Gegenwart des Horrorkinos? Da Sebastian verhindert war, spricht Marcus mit gleich zwei wundervollen Gästen über den Altmeister. An den Mikrofonen gruseln sich Medienwissenschaftler und cinephiler Kurator Pelle Felsch (Filmclub Bali) und der Filmwissenschaftler Andreas Rauscher; eine Generation, die frühe Filme von Carpenter sogar noch im Kino sehen durfte/konnte. Setzt die Sonnenbrillen auf - los geht's.

Eugenie Brinkema is working on what form means in the context of film theory. She is Associate Professor of Contemporary Literature and Media at the Massachusetts Institute of Technology and with her writings she challenges concepts of film analysis we feel so used to. In her book THE FORMS OF THE AFFECTS she argued for a close reading of films: affects are not on the surface of a film, they are "written" in the form. With her new book LIFE DESTROYING DIAGRAMS, she is radicalizing her radical formalism: reading a film is an adventure in a formal analysis. Patterns, rhythms, lines and deadly grids. In this special and highly philosophical episode, Sebastian is talking with Eugenie about TITANE, philosophy, forms, colours and a lot more.

Welche Darstellungsformen, Entstehungs- und Rezeptionsgeschichten sowie Marketingtechniken verschaffen Filmen und Serien gesteigerte Aufmerksamkeit? Dynamiken und Wahrnehmungen innerhalb der Filmbubble bringen ein anderes Skandalpotenzial mit sich als Kinofilme zu einer Zeit, in der das Publikum noch mit anderen Sehgewohnheiten und Kommunikationskanälen ausgestattet war. Wir besprechen einige Skandale und Hypes der jüngsten Zeit sowie der Vorjahrzehnte und fragen uns, welche Verschiebungen stattgefunden haben, um Serien und Filme heute ins Licht der Aufmerksamkeit zu rücken.

Gaspar Noé gilt als Provokateur, als Berserker und Enfant terrible. All diese Labels verstellen den Blick auf ein lustvolles Kino, auf einen Regisseur, der sich in formale Abenteuer stürzt. Seine Filme sind ein Ereignis, sie entfalten sich mit einer Wucht, die es selten im Kino gibt. In dieser Episode wollen sich Sebastian und Marcus gemeinsam mit Christian Fuchs (FM4) dem Kino von Gaspar Noé nähern. In erster Linie ist Gaspar Noé nämlich einer der großen Meister der Form; jemand, der es versteht, mit neuen, überraschenden visuellen Mitteln zu erzählen. Und Christian meint sogar: Gaspar Noé ist ein großer Romantiker. Here we go!

Stephen King ist ein Phänomen. Alle, auch diejenigen, die seine Bücher nicht gelesen haben, kennen seinen Namen. Der Name steht für Horror. Aber ist das so? Liegen die Qualitäten dieses Autors nicht woanders? Warum sind so viele der Verfilmungen misslungen? Und ist King womöglich der perverse Zwilling von Michael Ende? Es gibt einiges zu klären. Gäste in dieser Episode: Drehbuchautor Christoph Mathieu und Filmkritiker Markus Fiedler.

Timothée Chalamet und Zendaya, beide Mitte der 90er geboren, sind aktuell zwei der beliebtesten und berühmtesten Filmschauspieler*innen Hollywoods. Ihre große Fangemeinde und öffentlichen Auftritte nutzen die beiden immer wieder, um ihre normkritische Haltung gegenüber Geschlechtervorstellungen zu äußern und auch direkt (modisch) zu verkörpern. Chalamets softboi-Image, das an seine Rollen ebenso geknüpft ist wie Zendayas Performance des rüpelhaften, etwas lost girl-next-door im burschikosen Look, scheinen Starbilder einer neuen Generation zu repräsentieren. Wir verknüpfen die filmischen bzw. seriellen Rollendarstellungen der beiden mit ihren öffentlichen (Selbst-)Inszenierungen und aktuellen gesellschaftskritischen/feministischen Diskursen. Außerdem stellen wir Vergleiche zu anderen Stars, deren Images sowie deren medialen Darstellungen an. Julia Weigl und Jasmina Bianca sind neu bei den PROJEKTIONEN und präsentieren die erste Folge der TRANSITIONEN. Das heißt mehr Diskurs, mehr Bezugnahmen und mehr POSITIONEN.

Paul Verhoeven gilt als Provokateur. Seine Filme sind voller Gewaltszenen und Sex. Sein letzter Film "Benedetta" spaltet die Gemüter und auch Sebastian und Marcus sind sich bei diesem Film nicht einig. Beiden halten aber das Werk von Verhoeven für ungemein komplex und wichtig. So wird es in dieser Episode um Verbindungslinien zwischen dem Frühwerk des Niederländers ("Türkische Früchte" und "Der vierte Mann"), der amerikanischen Phase ("RoboCop", "Basic Instinct" und "Showgirls") und eben "Benedetta" gehen.

Wie wird Horror-Genrekultur gelebt und gepflegt? Welche Unterschiede gibt es zwischen Deutschland und dem internationalem Geschehen? Mariam Draeger ist Cross media horror producer aus Frankfurt und gibt Einblicke in eine spannende und geheimnisvolle Welt des Genrekults, in dem sich Cinephilie, Subkultur, Conventions und Fachkonferenzen treffen.

Filmkritik ist in den Projektionen ja immer wieder ein Thema. Was ist das eigentlich? Wie macht man das? Und wo findet sie statt? In dieser Hinsicht muss man sich selbst auch immer wieder hinterfragen. Patrick Wellinski ist ein Teil der tollen Radiosendung Vollbild (Deutschlandfunk) und reflektiert gemeinsam mit Marcus über den Zustand des Kulturjournalismus, über die Verengung auf Meinungen und Geschmacksurteile und deutsche Filmkultur. Patrick Wellinksi betreibt mit Susanne Burg zusammen das radiomagazin Vollbild, jeweils Samstags 14:30 auf Deutschlandfunk Kultur.

What can BLACK CINEMA be? Julia Weigl (Filmfest München) and Sebastian are talking to two up-and-coming US-American directors: Merawi Gerima whose feature debut "Residue" celebrated its German premiere at Filmfest München and Skinner Myers who debuted his feature "The Sleeping Negro" at International Filmfestival Mannheim Heidelberg. Both filmmakers believe that making films has to be political. Where do they see themselves within the tradition of BLACK CINEMA? What has changed over the years? And how could we treat film more like a communal art form? A conversation about the film industry from the perspective of two African American artists.

Gerade am Ende des Kinojahres kann man sich vor Jahresbestenlisten gar nicht mehr retten. Was aber hat es damit auf sich? Welchen Sinn erfüllen diese Aufzählungen? Handelt es sich am Ende gar um eine Schwundstufe der Filmkritik? Marcus und Sebastian sprechen über ihre eigenen Listen, über verschiedene Kriterien und darüber, warum der Diskurs nicht vernachlässigt werden darf. Diese Episode ist also ein verspäteter Jahresrückblick mit kritischen Fußnoten.

In der letzten Folge des Jahren sprechen Bianca und Sebastian über einen kontroversen Film, der in Deutschland so dermaßen im Kino versenkt wurde, dass es eine Schande ist: "The Trouble With Being Born" ist ein Film, dem man in einem Atemzug mit Brandon Cronenbergs "Possessor" und Julia Ducournaus "Titaten" nennen muss. Unterkühlt und bis ins letzte Bild hinein unglaublich konsequent, hält uns der Film einen Spiegel vor: Nein, hier geht es nicht um die Frage, wann ein Android seine Menschlichkeit entdeckt. Vielmehr handelt der Film der Regisseurin Sandra Wollner von der Dunkelheit der Erinnerungen in uns. Der Film ist bei Kino-On-Demand.com abrufbar. Diese Episode beinhaltet Werbung für Kino-on-Demand.com.

In Frankreich werden seine radikalen Filme gefeiert. In Deutschland ist Bruno Dumont bislang kaum bekannt - obwohl im kommenden Jahr mit der großartigen Mediensatire France sein wohl zugänglichster Film in den Kinos. In der Arte-Mediathek kann man sich derzeit mit dem Schaffen von Bruno Dumont vertraut machen. Immerhin gehört der Regisseur zu den eigenwilligsten Filmautoren der Gegenwart. Über dessen herausforderndes Werk sprechen Marcus und Sebastian in dieser Episode: Welche Rolle spielen Landschaften? Warum arbeitet der Regisseur so häufig mit Laien? Und was soll eigentlich dieser Humor in den späteren Werken? Es wird abgründig; und wo es abgründig wird, da ist das Menschliche nicht weit. Diese Episode beinhaltet Werbung für Kino-On-Demand.com

In dieser neuen Episode unserer Kooperation mit dem deutschen Streaminganbieter Kino On Demand sprechen Sebastian und Bianca über den grandiosen Film PIG, in dem Nicolas Cage einen Koch spielt, der sich in den Wald zurückgezogen hat. Dort lebt er allein mit seinem Trüffelschwein. Wie spielt dieser Film mit den Erwartungen? Welche Genre dreht er ineinander? Und warum spielt der Film in der Gastroszene? Auf diese und andere Fragen gibt es in dieser Folge eine Antwort. Der Film ist auf www.kino-on-demand.com zu leihen. Diese Episode beinhaltet Werbung für Kino-On-Demand.com

In dieser Kooperation mit dem deutschen Streaminganbieter "Kino On Demand" sprechen Sebastian und Bianca Jasmina Rauch über "Jahrhundertfrauen" von Mike Mills und "Bohnenstange" von Kantemir Balagow: Beide Filme erzählen Geschichte durch die Perspektive der Frauen. Wie wird mehr die Person, die man ist? Welche Spuren laufen durch unsere Körper? Und wie entkommt man dem Trauma? Beide Filme sind auf kino-on-demand.com zu leihen. Diese Episode beinhaltet Werbung für Kino-On-Demand.com

Wo verlieben wir uns gegenwärtig eigentlich in den Film? Wo liegen die Chancen im Streaming und warum ist das Kuratieren eigentlich so wichtig? Marcus hat Filme im Fernsehen entdeckt. Für Sebastian war die Videothek in seinem Heimatort eine heilige Halle. Kino, das ist auch eine kulturelle Praxis, die sich um den Film herum einen Ort schafft. Das ist das Thema dieser Episode. Diese Episode beinhaltet Werbung für Kino-On-Demand.com

"Squid Game" zelebriert die Todesspiele. Wie aber hängen Spiel und Dystopie zusammen? Wohnt dem Spiel nicht immer eine Gewalt inne? Und wie ist die Gewalt in dieser Serie zu bewerten? Darüber spricht Marcus mit dem Filmwissenschaftler und Experten für Nachhaltigkeitskommunikation Thomas Klein.

Marcus hat gemeinsam mit Stefan Jung das Buch "Berlin Visionen" herausgegeben, das kürzlich im Martin Schmitz Verlag erschienen ist. Darin geht es um die filmischen Stadträume Berlin. Wie prägen die Filmbilder unsere Wahrnehmung dieser Stadt, unsere Vorstellungswelten? Und wie drängt sich die Stadt in die Filme? Um diese Fragen wird sich diese Episode der Positionen drehen.

In dieser Kooperation mit dem deutschen Streaminganbieter "Kino On Demand" sprechen Sebastian und Bianca Jasmina Rauch über "Wild" von Nicolette Krebitz und Jonas Alexander Arnbys "When Animals Dream". Es geht um Wölfe und Weiblichkeit, um animalisches Begehren und die Liebe. Dabei sind beide Filme alles andere als zahm. Beide Filme sind auf kino-on-demand.com zu finden. Diese Episode beinhaltet Werbung für Kino-On-Demand.com

THE DEVILS ist ein monströser Film. Die Geschichte der unheilvollen Verstrickung politischer Macht und religiöser Strukturen mündet in eine wilde Orgie aus sexueller Ausschweifung und Tod. Bis heute gibt es den Film von Ken Russell nicht in der eigentlich intendierten Fassung zu sehen. Marcus und Sebastian sprechen über Entweihung, Performance und die subversive Kraft dieses britischen Meisterwerks. Diese Episode beinhaltet Werbung für Kino-On-Demand.com

John Carpenter hat mit HALLOWEEN eine Legende geschaffen. Nach einer Reihe mehr oder weniger fragwürdiger Sequels sollte mit David Gordon Greens Reboot eine neue Ära eingeleutet werden: Michael Myers sollte endlich wieder Schrecken verbreiten. Nun läuft HALLOWEEN KILLS in den Kinos und der maskierte Killer tötet wie nie zuvor. Was ist angelegt im Ur-Slasher? Wie entwickelt sich der Konflikt weiter? Und was passiert mit dem Charakter Michael Myers? All diese Fragen sollen in dieser Position beantwortet werden. Dafür hat sich Sebastian den Drehbuchautor Christoph Mathieu ins Boot geholt. Happy Halloween!

In dieser Episode der Positionen spricht Marcus mit dem Medienproduzenten Danilo Vogt über die lange Geschichte der DUNE-Adaptionen. Er war in die Restauration der 3-stündigen TV-Version des Lynch-Films in Deutschland involviert.

Endlich startet Julia Ducournaus Film in den deutschen Kinos. "Titane" ist eine erfreuliche Zumutung, ein funkelndes Biest freudigster Subversion. Marcus und Sebastian sprechen über das Werden dieses FIlms, die Transformationen und das Verhältnis zu anderen Filmen. ACHTUNG: Es gibt massive Spoiler. Erst ins Kinos gehen, dann Projektionen hören.

Film und Gewalt sind untrennbar miteinander verbunden. Wie aber sind diese Bilder der Gewalt zu bewerten? Welche Haltung kann man ihnen gegenüber einnehmen? Und welche Mittel setzen Filme ein, um selbst zu einer Gewalt zu werden, die Zuschauerinnen und Zuschauer attackiert? Marcus und Sebastian sprechen über Terrorkino, "Saw" und "Hostel" und schlagen einen Bogen zu Michael Hanekes "Funny Games", der in Kontrast zu Gaspar Noés Skandalfilm "Irréversible" gesetzt wird.

Die Kulturwissenschaftlerin Katharina Rein hat vor Kurzem mit GOTHIC CINEMA eine umfassende Einführung in dieses vielschichtige Horror-Genre veröffentlicht. In welcher Tradition bewegen sich diese Filme? Welche Moral und und welche Weltvorstellungen kommen in ihnen zum Ausdruck? Welche Rolle spielen Geschlechterverhältnisse? Gemeinsam mit der Autorin durchstreift Marcus diese dunkle filmische Welt.

Mit PROMISING YOUNG WOMAN läuft gerade einer der spannendsten Filme des Jahres im Kino: Subversiv, poppig und durch und durch feministisch. Marcus und Sebastian analysieren den Film von Emerald Fennell unter Rückgriff auf die Episode zu FEMALE REVENGE. Wie entfaltet der Film sein verführerisches Potential? Und worin liegt die subversive Pointe? Es wird toxic ... ACHTUNG: Wer den Film noch nicht gesehen hat, sollte erst ins Kino gehen. SPOILER!

Manche Filme sind wie eine gute Tasse Kaffee, ein warmes Bett oder eine wohlige Umarmung. Was sind das für Filme, die uns Trost spenden? Wie gehen wir mit diesen Filmen um? Und wie verbinden sich diese Trostfilme mit unseren Leben? In dieser Sonderfolge nähern wir uns dem Thema TROST auf eine sehr persönliche und mehrstimmige Art und Weise. Gemeinsam mit vielen Mitstreiter_Innen lassen wir Geschichten aufscheinen. Als roter Faden fungiert ein Gespräch, das Sebastian mit dem Regisseur und Autor Till Kleinert ("Samurai", "Hausen") geführt hat. Mit dabei: Bianca Jasmina Rauch (Filmlöwin, NedWuascht), André Hecker (Devils&Demons, Schaubefehl, Genre Geschehen), Matze Holm (Schaubefehl, Welle Nerdpol), Lioba Schlösser (Filmwissenschaftlerin), Christoph Hochhäusler (Regisseur), Till Kleinert (Regisseur), Stefan Jung (Autor, Podcaster), Dominik Roth (Couch Tomatoes)

In dieser Episode der Positionen ist der Drehbuchautor Constantin Lieb ("Asphaltgorillas", "EDEN") zu Gast. In einer intensiven Zusammenarbeit mit Regisseur Dominik Graf hat Lieb Erich Kästners Roman "FABIAN" für die Leinwand adaptiert - wild, roh und empathisch zugleich nähert sich der Film den Figuren, die ihre Liebesverwirrungen in komplizierten Zeiten durchleben müssen. Eine Drecksgeschichte vor dem Hintergrund der Weimarer Republik und ihres Untergangs. Was ist das für eine Kunst, das Drehbuchschreiben? Wie lassen sich Bilder überhaupt schreiben? Und wie ist das Verhältnis zwischen Regisseur_In und Autor? Um all diese Fragen wird es in diesem Gespräch gehen.

Der griechische Regisseur Yorgos Lanthimos gehört zu den eigenwilligsten Filmemachern der Gegenwart. Von Kinetta (2005) bis zu The Favourite (2018) ziehen sich thematische rote Fäden: Es geht um Machtstrukturen, die Absurditäten der Kommunikation, die Banalitäten des Alltags und die Gewalt der Liebe. Aber wie funktionieren diese seltsamen Filme, die so ähnlich und gleichzeitig so unterschiedlich sind? Wie entfaltet Lanthimos seinen analytischen Schrecken, der immer auch von einem eigentümlichen Humor durchzogen ist? Und sind diese unterkühlten Filme nicht am Ende empathische Zeugnisse eines tiefen Humanismus? Gemeinsam mit dem Musiker und Podcaster Wolfram a.k.a. Phasenmensch versuchen versuchen wir uns über zwei Filme anzunähern: „Dogtooth“ (2009) und „The Killing of a Sacred Deer“ (2017). Ein Blick auf die anderen Film darf dabei nicht ausbleiben.

Bali, die "Bahnhofslichtspiele", sind ein Phänomen der Nachkriegszeit bis in die 1980er Jahre. Analog zu den Grindhouses in den USA konnte man hier nonstop Sex, Gewalt und zotigen Humor erleben. Und manchmal verirrte sich auch ein Pasolini-Film unter die Sex- und Kung-Fu-Filme. Diese marginale Filmkultur lässt der Hagener Medienwissenschaftler und Cinephile Pelle Felsch (Mitherausgeber der Buches "Fulci. Filme aus Fleisch und Blut", 2019) im Filmclub Bali wieder aufleben. Marcus diskutiert mit ihm die muffige Romanik des Bahnhofskinos und die Notwendigkeit einer alternativen Filmgeschichtsschreibung...

Mit "Rammbock" hat er den Zombiefilm im kleinen Fernsehspiel des ZDF platziert. Mit "Blutgletscher" holte er John Carpenters "Das Ding" in die österreichischen Alpen. "Mordkommission Berlin 1" nahm "Babylon Berlin" vorweg. "4 Blocks" hat die deutsche Gangsterserie neu definiert. Und mit "Freud" lotete er die Abgründe des Streamingformats intensiv aus. Die Rede ist von Marvin Kren. Marcus hat den Wiener Filmemacher getroffen, um über die Bedeutung der Filmgeschichte für die Praxis zu sprechen, über Filmleidenschaft und Intensitäten, über reale Gangster in Berlin und das okkulte Wien des späten 19. Jahrhunderts. Es wird spannend, nostalgisch und morbid. Eigentlich selbstverständlich. Immerhin begegnen sich hier zwei Österreicher ...

In dieser Episode der Projektionen stellen wir das Schaffen zweier Regisseure gegeneinander: Die Filme von Jeremy Saulnier ("Green Room") gegen die Filme von S. Craig Zahler ("Dragged Across Concrete"). Beide Filmemacher arbeiten sich am Thema der Gewalt ab. Explizite Gewaltspitzen und konzentrierte Ruhe wechseln sich ab. Es ist eine Spirale der Eskalation, die sich ins dunkle Herz der USA dreht und dabei Konflikte offenlegt, die uns mit existentiellen Fragen konfrontieren. Zahler provoziert dabei heftigste Ablehnung. Wieso? Worin liegt der Unterschied zu Saulnier? Wie gehen beide mit ihren Figuren und Themen um? Und welche Rolle spielt der amerikanische Gründungsmythos? Nach der Episode über "Female Revenge" ist erneut die wundervolle Lioba Schlösser zu Gast. Die Schwerpunkte der Filmwissenschaftlerin sind kulturtheoretische Betrachtungen des Androgynen in Film und Mythos, Gender- und Queerstudies, Körper- und Normativitätsdebatten sowie Transgressions- und Ritualtheorie.

Im August startet (wenn alles gut geht) "Promising Young Woman" in den deutschen Kinos. Die britische Regisseurin Emerald Lilly Fennell schickt darin Carey Mulligan auf einen Rachefeldzug gegen toxische Männlichkeit und Rape Culture. Fünf Oscarnominierungen hat der Film erhalten und eine Auszeichnung für das beste Originaldrehbuch gewonnen. Den baldigen Kinostart wollen wir zum Ausgangspunkt nehmen, um über Female Revenge im Kino nachzudenken. Drei Filme bilden die Diskussionsgrundlage: „I Spit on Your Grave“ (2010) – das Remake des gleichnamigen Exploitationfilms von 1978 – „Art of Revenge/M.F.A.“ (2017) und „The Neon Demon“ (2016). Ausgehend vom Rape&Revenge-Subgenre ziehen wir die Linie von "They Call Her One Eye/Thriller" (1973) bis in die Gegenwart. Wie ist das Verhältnis von Rape & Revenge zu Female Revenge? Wie wird männliche Gewalt und Weiblichkeit verhandelt? Und wie subversiv kann Rache sein? Zu Gast: Die Filmwissenschaftlerin Lioba Schlösser. In ihrer Dissertation arbeitet sie zu Perspektiven filmischer Überwindung der bipolaren Geschlechternorm durch Rekurs auf mythisches Potenzial. Ihre Arbeitsschwerpunkte sind das Androgyne in Film und Mythos, Genderstudies und Transgressionstheorie.

In dieser Episode widmen sich die Projektionen dem dänischen Regisseur Lars von Trier und seiner Trilogie der Depression: „Antichrist“ (2009), „Melancholia“ (2011) und „Nymphomaniac“ (2013). Alle drei Filme handeln von Weiblichkeit und Sexualität, von Schuld und Befreiung und den Abgründen der Seele. Keine leichte Kost, zumal die Dichte an Verweisen auf die Film- Kunst- und Geistesgeschichte überbordend ist. Allerdings geht es weniger um eine dezidierte Interpretation der einzelnen Filme als vielmehr um die verstellte Rezeption. Vehement hält sich der Vorwurf des Frauenhasses. Aber ist dies überhaupt haltbar? Was liegt hinter den expliziten Sexszenen und den unerträglichen Gewaltszenen? Und ist die Trilogie der Depression gar als feministische Studie zu interpretieren? In der Episode zu Gast: Joachim Kurz, kinoliebender Tausendsassa. Nach dem Studium der Film- und Theaterwissenschaften und der Kunstgeschichte in Bochum verdiente er sich als Lektor, Autor und Journalist. Er ist Mitbegründer des Arthouse-Filmportals kino-zeit.de und seit 2009 Mitglied in der Jury der Filmbewertungsstelle Wiesbaden. Außerdem ist er Festivalmacher und Kurator und baut gerade ein Filmfestival auf, das sich mit dem Begriff der Heimat auseinandersetzt – ein Festival als Diskursort, so die Idee. Und das passt natürlich wunderbar, der Diskurs und die Projektionen.

In der Episode wird es um Zwielicht, Verbrechen und Melancholie gehen. Was ist das für eine Figur – der Gangster? Nicht einfach Verbrecher und dennoch jenseits des Gesetzes, nie ohne Ehre und doch im Taumel oder zumindest kurz davor, an den Rändern der eigenen Überzeugungen. Was verbinden wir mit dem Gangster? Was begehren wir an dieser Figur? Und welche gesellschaftlichen Strukturen scheinen auf? Besprochen werden THIEF von Michael Mann, SUPERMARKT von Roland Klick und ARMEE IM SCHATTEN von Jean-Pierre Melville Zu Gast: Der Regisseur Christoph Hochhäusler, der uns mit „Milchwald“ eine realistische und fremdartig beklemmende Aktualisierung von Hänsel und Gretel geschenkt, im großartigen „Unter dir die Stadt“ die Strukturen der Kapitalmacht erforscht und in „Die Lügen der Sieger“ einen Anti-Thriller gedreht hat, der sich den Exzessen der Deutlichkeit und den typischen Auflösungen verweigert.

Mit „Carrie“ hat er eine der besten Stephen-King-Verfilmungen abgeliefert. Mit „Dressed to kill“ ist er tief in die Gewalt des Begehrens hinabgetaucht. Und in „Mission Impossible“ hat er den klassischen Suspense-Thriller mit adrenalingeladener Action vermählt. Die Rede ist von Brian de Palma, dessen Werk so umfangreich und komplex ist, dass sich Marcus und Sebastian einen Gast in die Sendung eingeladen haben, der Brian de Palma förmlich atmet: Filmwissenschaftler Andreas Rauscher (Institut für Medienkulturwissenschaft; Albert-Ludwigs-Universität Freiburg). In der zweiten Folge geht es um die Eigenheiten von De Palma, seine Fetische und den Split Screen.

Mit „Carrie“ hat er eine der besten Stephen-King-Verfilmungen abgeliefert. Mit „Dressed to kill“ ist er tief in die Gewalt des Begehrens hinabgetaucht. Und in „Mission Impossible“ hat er den klassischen Suspense-Thriller mit adrenalingeladener Action vermählt. Die Rede ist von Brian de Palma, dessen Werk so umfangreich und komplex ist, dass sich Marcus und Sebastian einen Gast in die Sendung eingeladen haben, der Brian de Palma förmlich atmet: Filmwissenschaftler Andreas Rauscher (Institut für Medienkulturwissenschaft; Albert-Ludwigs-Universität Freiburg).

Identity Politics ist ein kompliziertes Thema. Vereinfachend ausgedrückt, werden politische Forderungen aus den Bedürfnissen von spezifischen Gruppen abgeleitet; ganz besonders aus den Erfahrungen von Oppression, Gewalt und Missachtung. In der Gegenwart wird diese politische Position kontrovers diskutiert, weil die Gefahr besteht, dass die gemeinsame Suche nach Werten und Sinn immer weiter fragmentiert wird. Wie steht es um Identity Politics auf dem Feld des Films? Wie wirkt sich das auf die Filmkritik aus? Und wie lässt sich in dieser Debatte besser differenzieren? Darüber hat Sebastian in einer ersten Runde mit der Autorin und Filmkritikerin Silvia Szymanski gesprochen und den Fokus auf weibliche Perspektiven gelegt.

Ganze vier Spielfilme hat die schottische Regisseurin Lynne Ramsay bislang nur gedreht. Und dennoch gehört sie mit ihren Filmen zu den ganz großen ihrer Zunft: "Ratcatcher" (1999), "Morvern Cellar" (2002), "We need to talk about Kevin" (2011) und „You were never really here / A beautiful day“ (2018). Diese komplexen Filme handeln von Erinnerung und Tod, von Trauma und Gewalt. Sie sind bevölkert von Außenseitern, erzählt mit einer poetischen Imaginationskraft und durchzogen von einer Hoffnung auf eine zweite Chance. Marcus und Sebastian tauchen ein in die Motive und die erzählerische Kraft dieses Werks.

Für Marcus Stiglegger und Sebastian Seidler ist das Kino Kunst. Das Sprechen (und auch das Schreiben) über Film gehört zum Kino dazu. Der kurze Trailer gibt einen Einblick, was euch erwartet.

Monika Treut ist eine lebende Legende des Queer Cinema. Radikal, erfinderisch und verführerisch ist ihr Kino. Sie durchstreift bis heute leidenschaftlich und provozierend die Landschaften der Geschlechter. Mit Marcus spricht die Filmemacherin über ihr Werk, ihren neuen Film "Genderation" und die Irrwege der Identitätspolitik. Ein Gespräch über queere Ironie, Offenheit und progressive Fluchtlinien.

"Frauentag in New York" war eine Performance im Ballhaus (Berlin) aus Anlass des 50sten Jahrestages der aufsehenerregenden Panel-Diskussion »A Dialogue on Women’s Liberation« in New Yorks Town Hall. Norman Mailer diskutierte dort, nach seiner streitbaren Schrift »The Prisoner of Sex«, mit Protagonistinnen der feministischen Bewegung der 70er Jahre – Jacqueline Ceballos, Germaine Greer (The Female Eunuch), Jill Johnston (Lesbian Nation) sowie Diana Trilling. Der sich darauf beziehende Film von Regisseur, Schauspieler und Hochschulleherer RP Kahl verdichtet Ausschnitte aus dieser Diskussion als Reenactment in deutscher Übersetzung mit Verbindungen in die Gegenwart hinein. Es geht um Sex und Gender, um Männer und Frauen, um Hegemonien und Gleichberechtigung. Marcus im Gespräch mit RP Kahl ...

Sebastian und Marcus sprechen mit Dennis Vetter, dem künstlerischen Leiter der Woche der Kritik. Was ist die Woche der Kritik überhaupt? Ein Festival oder eine kuratierte Reihe der filmischen Reflexion? Wieso braucht es dazu eine Konferenz? Und was soll das mit dem Thema der Konsequenz in Zeiten von Corona? Fragen über Fragen.

Terrence Malick ist der große Eremit des Kinos. Nach seinem Debüt "Badlands" (1973) und dem träumerischen "In der Glut des Südens/Days of Heaven" (1978) drehte er 20 Jahre lang keinen Film. Erst 1998 kehrte er mit "Der schmale Grad/The Thin Red Line" (1998) kehrte er wieder ins Kino zurück. Seitdem hat sich das Schaffen des Amerikaners zunehmend radikalisiert und vom klassischen Plot verabschiedet. Eine schwebend-existentialistische Suche prägt die Filme wie "The Tree of Life" (2011), "Knight of Cups" (2015) oder "Ein verborgenes Leben" (2019). Aber was sucht Malick mit seinen Filmen? Was sind die prägenden Elemente in seinem Werk? Darüber sprechen Marcus und Sebastian mit dem Fm4-Moderator, Filmkritiker und Musiker Christian Fuchs.

Marcus hat sich mit dem Berliner Maler und Filmemacher Andreas Marschall zusammengesetzt um die Intensität des filmischen Erlebnisses zu diskutieren. Die beiden gehen der Frage nach, was "performatives Kino" eigentlich ist und diskutieren ihre Kinosozialisation, Marschalls eigenen Ansatz als Filmemacher und warum das wilde Kino der 1970er Jahre noch heute so fasziniert.

Es gab eine Zeit, da haben die großen, namenhaften Regisseure die bürgerliche Gesellschaft mit ihren Filmen provoziert – man spricht in diesem Zusammenhang gerne von Skandalfilmen: "Das Schweigen" von Ingmar Bergmann (1963), "Die 120 Tage von Sodom" von Pasolini (1975) oder Bertoluccis "Der letzte Tango in Paris" (1972). Was ist die Provokation im Film? Gibt es das noch? Sind Skandalfilm und Provokation zu unterscheiden? Das sind nur einige der Fragen, die Marcus und Sebastian gemeinsam mit dem Filmkritiker, Autoren und Filmemacher Rüdiger Suchsland diskutieren.

Bava. Argento. Fulci. Oh my god ... Giallo our love. Yes, we love Italian gerne cinema. Very much. What was going on back then? And does Italian genre cinema still matter? Eugenio Ercolani is a profound connoisseur of italian genre cinema and has some answers to our questions.

Mit ihrem bisherigen Schaffen hat die österreichische Regisseurin Jessica Hausner bewiesen, dass sie zu den ganz großen Stilistinnen des europäischen Kinos gehört. Ihre Themen sind vielfältig. Sie reichen von nicht zu bändigender Adoleszenz bis zu genmanipulierten Pflanzen. Der Umgang mit Genreversatz-Stücken ist komplex und die formal-ästhetische Haltung zurückgenommen radikal. Sebastian und Marcus konzentrieren sich auf drei ihrer Filme: "Hotel" (2004), "Lourdes" (2009) und letztlich "Little Joe" (2019). Zu Gast ist die Filmwissenschaftlerin Sabrina Gärtner, die kürzlich eine Monographie über das Werk von Jessica Hausner im Büchner-Verlag vorgelegt hat.

Gemeinsam mit dem Filmkritiker Daniel Kothenschulte diskutieren Marcus und Sebastian die Rolle des Körpers, das Abstoßende und Anziehende. Ist Body Horror ein Genre? Oder vielmehr eine bestimmte Ausdrucksweise, eine Metapher? Muss es immer Horror sein? Und kann der Schrecken des Körpers auch über das Ohr vermittelt werden? Von David Cronenberg zu "Der Mann, der lacht" (1928). Über "Taxidermia" (2006) und Coming of Age. Es gibt vieles zu besprechen.

"Cruising" von William Friedkin ist ein Skandalfilm der 80er. Wild, roh und provokativ. Al Pacino taucht als undercover cop in die schwule S&M-Szene New Yorks hinab, um einen Serienkiller zu schnappen. Marcus und Sebastian folgen ihm und erkunden einen der besten und eigenwilligsten Filme der 80er. Handelt es sich dabei gar um einen Horrorfilm? Findet es heraus!

Tötet Streaming das Kino? Wie hat sich unser Medienkonsum verändert? Und welche Macht haben Streaming-Giganten wie Netflix oder Disney+? Diese Fragen diskutiert Marcus mit dem Medien- und Kulturwissenschaftler Marcus S. Kleiner, dessen neues Buch "Streamland" (erscheint im Oktober bei Droemer) sich genau mit diesen Themen beschäftigt.

Miriam Gossing und Lina Sieckmann gehören zu den interessantesten und aufregendsten Medienkünstler_Innen unserer Gegenwart. Ihre Filme siedeln sich irgendwo zwischen Kunstfilm und Dokumentarfilm an. Auf jeden Fall entfalten Filme wie OCEAN HILL DRIVE oder SOUVENIR einen unheimlichen Sog, der einen durch die klare Oberfläche zieht. Sebastian hat mit den beiden Filmemacherinnen über das Unheimliche, the weird and the eerie gesprochen.

Die unheimliche Landschaft. Okkultismus und Rituale. Paganismus und Menschenopfer. Um all das wird es in dieser Episode gehen. Sebastian und Marcus spannen den Bogen von HÄXAN über THE WICKER MAN bis zu MIDSOMMAR. Was genau ist eigentlich Folkhorror und auf welcher Klaviatur der Angst spielt dieses Subgenre überhaupt?

In dieser Episode der Positionen spricht Sebastian mit dem Filmkritiker Daniel Kothenschulte (Frankfurter Rundschau) über die Kunst der Kritik, die Krise dieser Textform und seine Liebe zum Kino.

Filmkritik scheint allgegenwärtig? Auf YouTube, in Podcasts und auf Fanportalen wie Letterboxd. Aber handelt es sich dabei wirklich um Filmkritik? Marcus und Sebastian rekapitulieren die Geschichte dieser Textgattung und wagen sich an eine Kritik der gegenwärtigen Kritik. Welche Rolle dabei der Fan spielt und warum ideologiekritische Filmkritik ein Taschenspielertrick sein kann - davon handelt diese Episode. Viel Spaß!

Teil 2 unserer Episode über Catherine Breillat. Romance XXX und Anatomy of Hell stehen im Fokus der Diskussion und in der Tat wird es expliziter und thesenhafter: Menstruation, Penetration und Bondage ahoi. Erneut ist die Filmwissenschaftlerin Lioba Schlösser an Bord.

Catherine Breillat gehört zu den umstrittensten Filmemacherinnen der Gegenwart. Verfolgt von Zensur, werden ihre Filme häufig als Arthouse-Pornographie abgetan. Dabei gibt es kaum eine Regisseurin, die sich derart radikal mit Begehren, Weiblichkeit und Sexualität auseinandersetzt. Es gibt also genug Stoff, über den diskutiert werden muss. Als Gast begrüßen Marcus und Sebastian die Berliner Filmwissenschaftlerin Lioba Schlösser. In Teil 1 wird es um Catherine Breillat als Person und um ihren Film À ma Soeur/Fat Girl gehen.

David Lynchs letzter Kinofilm ist gleichzeitig sein unzugänglichster Film. Mit seiner DV-Kamera-Ästhetik, seinem wilden Bilderstrom aus Wiederholungen und narrativen Brüchen zelebriert INLAND EMPIRE absolute kreative Freiheit. Marcus und Sebastian holen tief Luft und tauchen hinab in diese düstere Welt, in der die Zeit aus den Angeln gehoben wird.

Die Schauspielerin und Autorin Mateja Meded liebt das Kino. Leidenschaftlich kämpft sie für einen intersektionalen Feminismus, der sich gegen jegliche Form von Diskriminierung stellt: Frauenhass verknüpft sich fast immer mit Rassismus oder Homophobie. Außerdem bringt es ja nun wirklich nichts, wenn nur weiße Frauen eine bessere Bezahlung fordern und sonst alles so bleibt wie es ist. In der ersten Episode den POSITIONEN spricht Mateja über feministischen Film, Superwoman und den japanischen Film IM REICH DER SINNE.

Ursprünglich sollte "Mulholland Drive" eine Serie werden. Der Pilot war abgedreht, wurde aber vom Studio abgelehnt. Ein großes Glück für das Kino. David Lynch zaubert mit einem Nachdreh einen der faszinierendsten Filme aller Zeiten auf die Leinwand. Marcus und Sebastian stürzen sich in die Abgründe dieses Films, die, wie bei Lynch üblich, aus düsteren Rätseln bestehen.

Sebastian und Marcus nehmen euch in dieser Episode der Projektion mit auf eine Reise in den Kosmos von David Lynch. "Lost Highway" ist der erste Film der L.A.-Trilogie des großen Surrealisten: Ein düsterer Neo-Noir-Thriller, ein wild-psychologisches Ehedrama, eine Reise in die Finsternis der Schuld. Welche Rolle spielt der Mystery Man? Wer ist wer? Und worum zur Hölle geht es in diesem Verwirrspiel? Darum geht es in diesem Teil des David-Lynch-Specials.

Wir sagen David. Ihr sagt Lynch. Marcus und Sebastian sprechen in dieser Episode über den großen amerikanischen Surrealisten, sein Schaffen und ihre persönliche Bindung zu David Lynch. Dies ist der erste Teil eines Specials. In drei weiteren Episoden wird es um die L.A.-Trilogie gehen: LOST HIGHWAY, MULHOLLAND DRIVE und INLAND EMPIRE. Und jetzt Kaffee in die Tassen und rein ins Möbiusband. Viel Spaß!

Zweiter Teil der Apokalypse-Episode. Marcus und Sebastian sprechen mit Gast Stefan Jung über den großartigen "Children of Men" und den hypnotischen "Take Shelter". Es geht um Rassismus, erhabene Ästhetik und das Schicksal der Propheten.

Der apokalyptische Film wird in Zeiten von Corona überall in den Mittelpunkt gerückt. Auch Marcus und Sebastian sprechen über Filme, die nach dem Zusammenbruch spielen. Im ersten Teil der Episode wird es um "Mad Max 2" und Romeros "The Crazies" gehen. Mit dabei ist diesmal Stefan Jung vom "deep red radio" - Podcast: https://www.deep-red-radio.com/

Alexandre Ajas "High Tension" machte 2003 den Anfang. Ein Welle aus harten, aber auch politischen Horrorfilmen aus Frankreich testete die Grenzen des Ertragbaren: Xavier Gens "Frontier(s)", Julien Maurys und Alexandre Bustillos "Inside" und schließlich Pascal Laugiers "Martyrs". Marcus und Sebastian untersuchen den Kontext dieses "Terrorkinos", folgen den Spuren in das Arthouse-Kino und diskutieren den Einfluss der französischen Splatterkomödie "Baby Blood" aus den 90ern.

In dieser Episode wird es um die Frage gehen, was einen Film eigentlich zu einem politischen Film macht. Dafür haben sich Sebastian und Marcus drei Filme ausgesucht: "Import Export" von Ulrich Seidl, "Der Wert des Menschen" von Stéphane Brizé und "I, Daniel Blake" von Ken Loach. Drei Filme, die das Thema Arbeitslosigkeit und Armut behandeln. Drei Filme, die man dem sozialrealistischen Kino zuordnen kann und die dabei nicht unterschiedlicher sein könnten. Welche Rolle spielt die Form dieser Filme? Was hat Godard dazu zu sagen? Und wo steckt eigentlich die Utopie? Viel Spaß!

Kathryn Bigelow hat mit "Near Dark" einen Klassiker des Vampirfilms abgeliefert. Die französische Filmemacherin Claire Denis mit "Trouble Every Day" einen kühlen Arthouse-Horrorfilm zwischen Vampirismus und Kannibalismus geschaffen. Und Julia Ducournau holt mit "RAW" zum feministischen Kannibalen-Schlag aus. Drei Regisseurinnen mit Filmen aus drei unterschiedlichen Jahrzehnten: Es geht um Begehren, Außenseiterum und weibliche Perspektiven. Frohe Weihnachten!

"Stranger Things", "Es" und "Ready Player One" - die 80er erobern die filmische Gegenwart. Und mit dem Jahrzehnt der schlechten Frisuren kehren auch Kinder und Jugendliche als Protagonisten und Helden zurück. Marcus und Sebastian werfen einen Blick zurück auf "The Outsiders", "Stand by Me" und Co. und fragen sich, was es mit der heutigen Faszination für diese Dramaturgie der Jugend auf sich hat.

Zweiter Teil des Stiglegger'schen Berichts vom Film Festival Cologne: Neben Abel Ferrara, hat er auch den dänischen Regisseur Nicolas Winding Refn ("Drive", "Bronson", "Too old to die young") getroffen. Um dessen herausforderndes filmisches Werk wird es in dieser Episode gehen. Style is substance!

Marcus hat auf dem Filmfestival Cologne einen Preis überreicht - an den legendären Regisseur Abel Ferrara ("The Driller Killer", "King of New York", "Bad Lieutenant"). Damit aber nicht genug: Er hat auch Nicolas Winding Refn ("Bronson", "Drive") getroffen. Das haben wir zum Anlass genommen, über eben diesen Abend und natürlich über diese beiden faszinierenden Regisseure zu sprechen. Hier nun Teil 1 über Abel Ferarra, seine Anfänge im Underground-Kino, die Dämonen der Süchte und den Wandel zum Autorenfilmer.

Wie beginnt man einen Podcast? Indem man sich den Hörer_Innen erstmal vorstellt. Aber es geht ja nicht um uns, sondern um unsere Liebe zum Kino. Daher sprechen wir über die filmischen Erlebnisse unserer Kindheit und Jugend. Wir tauschen und darüber aus, warum das Kino früher ein so geheimnisvoller Ort war und wieso man sich das Kino auch erlesen kann.