En el OCTAVO y ÚLTIMO capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicado a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, escuchamos música Ravel, Rachmaninov, Nadia Boulanger, Henry Cowell, Vladimir Horowitz, Manuel Castillo y Chopin. Terminamos nuestra serie con un recorrido por distintos países y los profesores de piano importantes en diferentes épocas. Selección musical:M. RAVEL:  Concierto para piano en Sol (fragmento) Orquesta Filarmónica de Berlín. Claudio Abbado (dir). Martha Argerich (p). N. BOULANGER:  Tres piezas para cello y piano (7.00). P. Kuzmin (vc), L. Gilman (p). H. COWELL: Aeolian Harp (5.00) Fausto Bongelli (p).  M. CASTILLO: Sonatina (II) (4.54) Ana Guijarro (p). M. CASTILLO: Toccatta (5.40) Ana Guijarro (p). S. PROKOFIEV:  Concierto para piano nº 3 (fragmento) Orquesta Filarmónica de Berlín. Claudia Abbado (dir) Martha Argerich (p). F. CHOPIN: Vals en La B Mayor Op. 69 nº 1. Alfred Cortot (p). Escuchar audio

En el SÉPTIMO capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicado a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, escuchamos música de Franz Liszt. Hablamos con Brenno Ambrosini sobre la influencia y la didáctica de Liszt, y escuchamos su disco publicado en 2021 con obras de Liszt, entre ellas, la famosa sonata en Si menor. Descubrimos también sus estudios de ejecución trascendental y aprendemos varias anécdotas sobre la vida y el carácter del compositor. Selección musical:F. LISZT:  Sonata en Si menor (I) (fragmento) Brenno Ambrosini (p). F. LISZT:  Wiegenlied. (04.24) Brenno Ambrosini (p). En la tumba de Richard Wagner (03.48) Brenno Ambrosini (p). R.W. Venezia (04.15) Brenno Ambrosini (p). Unstern! Sinistre (06.49) Brenno Ambrosini (p). F. LISZT:  Mazeppa (Estudio de ejecución transcendental) (04.24) (06.49) Félix Ardanaz (p). F. LISZT: Vals Mephisto No.1 (07.10) Félix Ardanaz (p).Escuchar audio

En el QUINTO capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicada a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, escuchamos música de Isaac Albéniz y Enrique Granados. Hablamos de los estudios para piano compuestos por estos dos compositores, sus características y las diferencias entre ellos. Contamos con grabaciones de Miguel Baselga, Juan José Mudarra Gámiz, Alicia de Larrocha, Rubén Ramiro, Antonio Oyarzábal, Antonio Ruiz-Pipo, Santiago Sacristán, entre otros. Selección musical:I. ALBÉNIZ:  Concierto Fantástico para piano y orquesta Op. 78. (II. Lento y Scherzo). Royal Philharmonic Orchestra. Clelia Iruzun (p) (3.00). I. ALBÉNIZ: 7 Estudios en los tonos naturales mayores Op. 65. Número 1 en Do Mayor (01.48). Juan José Mudarra Gámiz (p). I. ALBÉNIZ: 7 Estudios en los tonos naturales mayores Op. 65: Número 2 en Sol (05.24). Juan José Mudarra Gámiz (p). I. ALBÉNIZ: 7 Estudios en los tonos naturales mayores Op. 65: Número 3 en Re (03.32). Juan José Mudarra Gámiz (p). I. ALBÉNIZ: 7 Estudios en los tonos naturales mayores Op. 65: Número 4 (05.12). Antonio Ruiz-Pipo (p). I. ALBÉNIZ: Estudio Impromptu Op. 56 (06.13). Rubén Ramiro (p). E. GRANADOS:  Estudio póstumo para piano. (02.59). Alicia de Larrocha (p). E: GRANADOS:  Estudio expresivo como pieza fácil nº 1 (1.07)Escuchar audio

En el QUINTO capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicada a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, escuchamos música de Hélène de Montgeroult en la interpretación del pianista Luca Chiantore, quien nos presenta la producción de estudios de la compositora francesa y nos comenta los principales hechos de su biografía y de su obra.   Selección musical:M. ZUCCA:  Preludio Op. 73 (fragmento). Antonio Oyarzábal (p). H. DE MONTGEROULT:  Sonata para piano Op.1 nº3 en Fa menor (6.00). Edna Stern (p). H. DE MONTGEROULT: Estudio nº 35 (00.59) Luca Chiantore (p). H. DE MONTGEROULT:  Estudio nº 73 (3.04). Luca Chiantore (p). H. DE MONGEROULT:  Estudio 112b (05.09). Luca Chiantore (p). H. DE MONTGEROULT:  Estudio nº 37 (01.06). Luca Chiantore (p). F. CHOPIN: Estudio Op. 25 nº 1 (02.12). Maurizio Pollini (p). H. DE MONTGEROULT: Estudio nº 111 (02.05). Luca Chiantore (p). H. DE MONTGEROULT: Estudio nº 112c (03.26). Luca Chiantore (p).Escuchar audio

En el CUARTO capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicada a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, escuchamos música de Frederic Chopin y Robert Schumann. Hablamos de los estudios Op. 25 de Chopin y escuchamos otras obras contemporáneas. También analizamos los Estudios Sinfónicos Op. 13 de Schumann, y escuchamos música también de Clara Schumann y Johannes Brahms.Selección musical:R. SCHUMANN: Estudios Sinfónicos, Op. 13 (Fragmento). Vladimir Ashkenazy (p). CLARA WIECK- SCHUMANN: Soirées Musicales Op. 6, nº 1 y 2 (6.00) C. von Beenhouwer (p). Estudios Sinfónicos, Op. 13 nºs 3, 4 y 5 (5.00) Vladimir Ashkenazy (p). F. CHOPIN: Estudio Op. 25 nº 1 (02.12). Maurizio Pollini (p). J. BRAHMS: Etude nach Chopin (02.04) Vladimir Ashkenazy (p). J. BRAHMS: Balada Op. 10 nº 2 (07.00) Tilman Krämer (p). F. CHOPIN: Etude Op. 25nº5 (02.55) Maurizio Pollini (p). F. CHOPIN: Estudio Op. 25 nº 7 (04.51) Maurizio Pollini (p).Escuchar audio

En el TERCER capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicada a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, escuchamos música de Frederic Chopin y Robert Schumann. Hablamos de los estudios Op. 10 de Chopin y escuchamos otras obras contemporáneas. De Schumann, analizamos su relación con los estudios para piano e introducimos la escucha de sus Estudios Sinfónicos Op. 13 para piano.Selección musical:F. CHOPIN: Concierto para piano Nº 1 en Mi menor. Tercer movimiento (fragmento). Emil Gilels (p), Eugene Ormandy Coin (dir.) Philadelphia Orchestra. F. CHOPIN: Concierto para piano Nº 1 en Mi menor. Primer movimiento (fragmento). Emil Gilels (p), Eugene Ormandy (dir.) Philadelphia Orchestra. F. CHOPIN. Estudios Op. 10, números 1, 2, 3 y 12 (10.00). Maurizio Pollini (p). F. CHOPIN. Nocturnos Op. 9, números 1 y 2. (9.00) Arthur Rubinstein (p). R. SCHUMANN: Arabesco Op. 18 (6.30). Vladimir Ashkenazy (p). F. CHOPIN: Balada Op. 38 nº 2 (7.00). Krystian Zimerman (p). R. SCHUMANN: Estudios Sinfónicos, Op. 13 (Fragmento). Vladimir Ashkenazy (p).Escuchar audio

En el segundo capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicada a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, repasamos las principales figuras del clasicismo. Los grandes compositores no fueron solo grandes intérpretes, sino también grandes profesores, autores de tratados y obras fundacionales importantes para la técnica pianística y para su enseñanza.Selección musical:W. A. MOZART:  Concierto para piano K. 467 en Do mayor. Primer movimiento (10.00). Cristophe Coin (dir.), Ensemble Barroco de Limoges. W. A. MOZART:  Concierto para piano K. 467 en Do mayor. Tercer movimiento (7.00) Cristophe Coin (dir.), Ensemble Barroco de Limoges. W. A. MOZART:  Sonata para piano K. 576, primer movimiento (05.13) Friedrich Gulda (p). M. CLEMENTI: Sonata en Sol mayor Op. 40, primer movimiento (06.29) Stefan Irmer (p). CLEMENTI: Sonata en Sol mayor Op. 40, Finale Presto (06.29) Stefan Irmer (p). J. HAYDN:  Trío Nº 39 “Gypsy” (12:00) Trio Van Swieten. J. HAYDN: Sonata nº 34 en mi menor, tercer movimiento. András Schiff (p.). L.V. BEETHOVEN: Concierto nº 4 en Sol Mayor – segundo movimiento (03.56). Ensemble Cristofori, A. Schoenderwoerd (dir.). Johann Fritz (p.) L.V.  BEETHOVEN: Sonata para piano Op. 109 – primer movimiento (03.56) Jeno Jando (p.). C. CZERNY: Concierto para piano nº 1. Rami Musicali Orchestra. Massimo Belli (dir.). David Boldrini (p.).Escuchar audio

En el primer capítulo de TEMAS DE MÚSICA dedicada a la HISTORIA DE LA DIDÁCTICA DEL PIANO, vemos cómo fue el paso, en el siglo XVIII del uso del clave al del fortepiano como instrumento principal de tecla para salones y casas. Hablamos de los hijos de Bach, de los tratados de François Couperin, Carl Philipp Emanuel Bach, Jean-Philippe Rameau y las innovaciones técnicas que enseñaban los maestros para tocar en estos “nuevos” instrumentos.Selección musical:J.S. BACH:  Obertura francesa: Echo (3.01). Trevor Pinnock (cv.). J.S. BACH:  Obertura francesa: Gavotte (2.58). Trevor Pinnock (cv.). J.S. BACH:  Partita núm 1 en Si bemol Mayor: preludio (2.02). Trevor Pinnock (cv.). J.S. BACH:  PartIta núm 1 en Si bemol Mayor: minueto. (3.01). Trevor Pinnock (cv.). J.S. BACH:  PartIta núm 1 en Si bemol Mayor: giga. (2.28). Trevor Pinnock (cv.). W.F. BACH:  Preambulum (2.20). Jan Belder (cv.). W.F. BACH:  Polonesa 1 en Do mayor (2.41). Jan Belder (cv.). W.F. BACH:  Polonesa 12 en Sol menor (2.41). Jan Belder (cv.). F. COUPERIN:  L’evaporée (1.38). Alyne Zylberajch (cv.). F. COUPERIN:  La diligente (2.58). Alyne Zylberajch (cv.). J.P. RAMEAU: Gavota (1.43). Gilbert Rowland (cv.). J.P. RAMEAU:  Minueto (1.10). Gilbert Rowland (cv.). J.P. RAMEAU:  Premier Tambourin (3éme piéce de clavecin en concerts) (2.02). Impetus Baroque Ensemble. Yago Mahugo (dir.). J.S. BACH:  Cantata “Weinen, klagen” – Sinfonia (2.20). Bach Collegium Japan, Masaaki Suuki (dir.). J.S. BACH:  Minueto en Sol menor (02.26) Rosalyn Tureck (p.). J.S. BACH:  Preludio en La menor (1.26) Rosalyn Tureck (p.).Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. En este último episodio, explicamos las causas del pánico escénico, y posibles hábitos saludables para superarlo, o al menos, controlarlo. Escucharemos música de Shostakovich, Mozart, Rachmaninov, Lutoslawski, Schumann, Montsalvatge y Dvorak. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada.Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. Hoy descubrimos la infinidad de beneficios que proporciona el sueño para el aprendizaje y la consolidación de la memoria, así como sus ventajas en el estudio de cualquier disciplina. Escucharemos música de Dutilleux, Hahn, Crawford-Seeger, Sibelius, Thorvaldsdóttir, Lang y Mahler. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada.Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. Hoy nos ocupamos de entender des de una perspectiva académica cuál es el rol de las emociones en los estados de ánimo relevantes para el aprendizaje, la memorización y la interpretación musical. Escucharemos música de Sheppard, Byrd, Pergolesi, Litvinovsky, Lizée, Wagner, Elgar, Respighi, Albéniz y Chen. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada. Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. Hoy nos centramos en los diferentes tipos de sinestesia que existen, y cuáles son sus causas e implicaciones. Escucharemos música de Messiaen, Ellington, Butler, Scriabin y Bach. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada. Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. Hoy comparamos las ventajas y los inconvenientes de poseer oído absoluto u oído relativo. Escucharemos música de Gossec, Mozart, Prokofiev, Byström, Jobim, Rimsky-Korsakov y Milhaud. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada.Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. Hoy nos centramos en cómo se relacionan la memoria experta y el conocimiento preexistente con la habilidad de la lectura a vista, y cuáles son las principales causas de ser competente o no en esta tarea. Escucharemos música de Bach, Penderecki, Saint-Saëns, Chin, Vivaldi, Rachmaninov y Handel. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada.Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. Hoy nos centramos en las conclusiones a las que han llegado los académicos sobre la práctica física y la práctica mental de los músicos, además de cuáles son las estrategias de aprendizaje y memorización más eficaces. Escucharemos música de Ditters von Dittersdorf, Bach, Ferneyhough, Gerhard, Grisey, Reich y Handel. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada.Escuchar audio

Este mes dedicamos Temas de Música a la psicología de la interpretación musical y los resultados más recientes de las investigaciones en este campo. Hoy nos centramos en conocer y entender des de diferentes perspectivas la memoria humana: la literaria, la filosófica, la científica y la artística. Escucharemos música de Piazzolla, Haydn, Furrer, Dutilleux, Menotti, Richter y Strauss. Guión y locución a cargo de Laura Farré Rozada.Escuchar audio

En el octavo y último programa de Borges: música y espejo, nos acompaña Francisco García Jurado, catedrático de Filología Latina de la Universidad Complutense de Madrid y experto en la obra de Borges. Con él conversamos sobre las relaciones de Borges con el mundo clásico y la música, ilustradas por obras como El canto de la Sibila, la Sinfonía Dante, s. 109, de Franz Liszt, y varios motetes que versionan, el famoso verso de la Eneida Dulces exuviae, incluidos en el disco Le Chant de Virgile (2010) del Huelgas Ensemble y Paul van Nevel. Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva. Escuchar audio

El séptimo programa de la serie Borges: música y espejo aborda las relaciones entre Borges y la música argentina, en particular, el tango y la milonga. Escuchamos diferentes tangos de la guardia vieja, bajo la autoría de Enrique Pedro Maroni, Juan Rezzano, Abel Fleury o Aníbal Troilo, junto con un acercamiento a las composiciones que Borges compuso en la década de los 60 del siglo XX para su colaboración con Astor Piazzolla en El tango (1965). Suena también la Milonga de Manuel Flores, musicada por Aníbal Troilo, perteneciente al film Invasión (Hugo Santiago Muchnik, 1969) que Borges coguionizó junto con Adolfo Bioy Casares. Se cierra el programa con un ejemplo de las versiones musicadas que el cantautor cordobés Jairo realizó en su disco Jairo canta a Borges (1975). Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva. Escuchar audio

En este sexto programa de Borges: música y espejo nos acercamos a las diferentes aristas con las que el autor argentino se acercó a su compositor favorito: Johannes Brahms. Escuchamos diferentes composiciones del músico alemán en relación directa con poemas y relatos de  Jorge Luis Borges. Suenan el Concierto para violín op. 77, el Deutches Requiem, varios números de las Canciones Gitanas op. 103, y un fragmento del cuarto movimiento de la Cuarta Sinfonía en Mí menor, op 98. Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva. Escuchar audio

El quinto programa de la serie Borges: música y espejo aborda objetos y personajes icónicos que son verdaderos símbolos de la obra poética y prosística de Jorge Luis Borges. Con el ajedrez, la Cábala, el Golem o el filósofo judío de origen hispano Baruch Spinoza y las obras musicales que les sirven de reflejo, reflexionamos sobre temas fundamentales del autor argentino: la inmortalidad, el número y el universo, los libros, la verdad o el tiempo. Suenan obras de Tal Skloot, John Attic John Casken, Ivan Fischer y Georg F. Handel. Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva.Escuchar audio

El cuarto programa de Borges: música y espejo, propone un acercamiento a algunos temas característicos del autor argentino como el tiempo, la herejía o el mundo sajón, y los pone en relación con diferentes obras musicales que sirven de ilustración sonora a su obra, con composiciones de Johannes Berauer, Johann Sebastian Bach, Michael Haydn, Howard Hanson, Cheryl Frances-Hoad y Ernest Reyer. Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva. Escuchar audio

En el tercer programa de Borges: música y espejo, continuamos explorando las relaciones entre Borges y su obra en prosa, fijándonos en particular en El Aleph (1949). Hacemos dialogar algunos de los relatos de este volumen con músicas de diferentes periodos y estilos bajo la autoría de nombres tan variados como Smaro Gregoriadou, Óscar del Cerro, Robert Saxton, Richard Strauss o Elliot Carter, entre otros. Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva. Escuchar audio

El segundo programa de Borges: música y espejo, se detiene en su obra en prosa, en particular en varios de los relatos incluídos en Ficciones (1944), para trazar a través de ellos un recorrido por músicas que sirvan de reflejo e imagen de dichos textos, a partir de composiciones de Arvo Part, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms e Igor Stravinsky, entre otros. Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva Escuchar audio

En el primero de los ocho programas dedicados a las relaciones entre Jorge Luis Borges y la música, que hemos titulado Borges: música y espejo, nos detenemos en los sonidos vinculados a 1899, año de nacimiento del autor argentino. Los ilustran piezas de George Enescu, Scott Joplin, Maurice Ravel, Nikolai Rimsky-Korsakov, Johann Strauss, Alfred Schnittke y Héctor Panizza. Dirección y presentación: Xosé Antonio López Silva. Escuchar audio

El futuro de la guitarra, es relevante para conocer el estado de salud del instrumento, así que Temas de música ha invitado a dos estudiantes de guitarra del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Clara Manteca y Eva Dong Wu para que nos acerquen a su día a día con el instrumento y qué planes de futuro tienen. Escuchar audio

En este recorrido por la guitarra, faltaría conocer cómo se perfila el futuro. Con una juventud preocupada sobre las salidas profesionales de la música, conocer las posibilidades laborales de la guitarra clásica es parte necesaria del futuro. Escuchemos la música que viene. Escuchar audio

Para conocer de primera mano cómo se trabaja con la guitarra en un estudio, estará con nosotros Javier Salvador. Creador del sello JSM records y especializado en música de guitarra, Javier nos contará el proceso de grabar un cd. Escuchar audio

El momento de grabar un disco es un proceso complicado por el que pasan algunos músicos y dedicaremos el programa a la grabación y las discográficas. Un tema delicado que tiene múltiples variantes y un denominador común, conseguir reflejar el trabajo del músico.Escuchar audio

Llega el turno a la actualidad del instrumento. Para ello contaremos con la presencia de una guitarrista española cuya trayectoria profesional está acaparando el interés musical tanto dentro como fuera de España. Laura Verdugo del Rey, concertista, profesora y gestora de proyectos culturales.Escuchar audio

Durante el siglo XX la guitarra se convirtió en lo que es hoy gracias a las aportaciones de Torres, Ramírez, Arcas, Tárrega, Llobet, Sáinz de la Maza, Segovia, Yepes y Alirio Díaz, entre otros. En el camino, horas de esfuerzo y trabajo y un sinfín de puertas que permanecieron cerradas hasta que se abrió la que permitió a la guitarra pasar de la música popular a la música clásica. Escuchar audio

La luthier Yunah Park será la invitada al programa. Guitarrista de Seúl, Corea del sur, vino a España a continuar sus estudios musicales con Ignacio Rodes, pero el paso decisivo lo da cuando, una vez en Madrid, se decide a estudiar con el luthier Ángel Benito. Ahora tiene su propio taller en Madrid y se dedica a la construcción de guitarras.Escuchar audio

Es el turno de la construcción del instrumento. La guitarra llegó a su, digamos complexión actual, cuando Antonio de Torres le dio forma de una manera muy similar a la que conocemos hoy día. ¿Cómo es esta profesión? ¿Quiénes son los encargados de la construcción de guitarras hoy día? Un mundo apasionante que en nuestro país tiene una enorme tradición.Escuchar audio

Escucharemos de primera mano cómo describe una profesional de los instrumentos de cuerda pulsada su relación con la música antigua. Belisana Ruíz, concertista e impulsora de varios proyectos relacionados con la investigación de repertorio renacentista y barroco, será la encargada de desvelarnos todos los secretos de estos instrumentos.Escuchar audio

Para comenzar el recorrido por la guitarra que Temas de música ofrecerá en esta serie de 10 programas, desgranaremos cuáles eran sus predecesores. Precisamente podríamos remontarnos hasta el Renacimiento para encontrar el precedente más cercano a la guitarra, la vihuela. Después sonará el laúd, la guitarra barroca y, quizás, lleguemos a la guitarra romántica.Escuchar audio

Hoy, nos vamos a Roma. Allí estuvieron Elsa Barraine, Odette Gartenlaub y Marguerite Canal. Tres compositoras poco conocidas pero que merecen que nos paremos un rato a escucharlas... E. Barraine representa la lucha en la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial.  Barraine es también una fascinación por Debussy, Ravel, Bartok o Boulez. Barraine es un abanico amplio de géneros musicales: música para la radio, bandas sonoras, música para teatro, etc. Virtuosa, pedagoga, lo fue también Marguerite Canal, contemporánea de las hermanas Boulanger, segunda mujer en conseguir el Prix de Rome, en 1920. Camille Saint-Saëns felicita a Canal por su cantata Don Juan. Se quedará en Roma tres años con la voluntad de escribir para el teatro, pero también para la orquesta y dirigir ella misma esa orquesta. En cuanto a Odette Gartenlaub, es crítica con la propia existencia de esa distinción y de su peso en la construcción de la carrera de un compositor en Francia. “Solo dos genios lo han conseguido: Debussy y Berlioz; ni siquiera Ravel lo tiene. Es un premio anticuado…”. Al volver de Roma, trabajará más bien como pianista concertista - de renombre internacional - para luego ser contratada como profesor en el Conservatorio. Su virtuosidad, lo pone al servicio de la pedagogía.Escuchar audio

Algunas compositoras consiguieron el Grand Prix de Rome de composición musical. Un Premio que suena en Francia como un reconocimiento del mundo musical, una legitimidad casi intocable como compositor o compositora. Un premio que desempeña su papel en la conceptualización del oficio de compositora. Vamos a hablar de esas grandes atletas de género musical. Hoy, nuestras protagonistas son Julie-Marie Olga Boulanger, conocida como Lili, y Nadia Boulanger, las hermanas más famosas de la música.  Escuchar audio

Compositoras francesas de los siglos XVIII, XIX y XX. Hace tres años, en Besançon, la directora de orquesta Debora Waldman se puso al frente de la Orchestre Victor Hugo Franche-Comté para dirigir una Sinfonía en do sostenido menor, la Sinfonía “Grande Guerre”. Y no es cualquiera Sinfonía ya que fue escrita por una mujer, Charlotte Sohy. “Una sinfonía: un Everest mucho más impresionante que las melodías, nanas y demás canciones nostálgicas con las que ha probado suerte hasta ahora C. Sohy”, insiste Debora Waldman, en su libro con la periodista y experta en música clásica Pauline Sommelet, ‘La symphonie oubliée’. Además, en do sostenido menor, es decir una “tonalidad de las más equilibrista que existe”. Escuchar audio

Charlotte Sohy nace en 1887, el mismo año que una tal Nadia Boulanger con quién coincide en sus primeras clases de solfeo. Nace en una familia acomodada, un padre empresario y una madre cantante amateur. Cuando era pequeña, en el salón de su casa, apareció un órgano Cavallié-Coll, instrumento clave en el aprendizaje de la joven música y el despertar de su vocación de compositora. La vocación de Sohy también la debemos a un gran acontecimiento: la Exposición universal de París en el año 1900. Charlotte acude a este gran evento con sus padres para escuchar el Requiem de Gabriel Fauré. Escuchar audio

Germaine Tailleferre es desde luego totalmente del siglo XX, con sus guerras y sus cambios y con la inmigración de muchos europeos a Estados Unidos. Tailleferre fue una de ellos y ellas. Compuso música para orquesta, opereta, concerto, sonatas, ballets, música de cámara, piezas para piano e incluso música para películas. Una artista libre y optimista que vamos a descubrir a lo largo de todo el programa. Compuso alrededor de 170 obras, toda su vida, incluso a sus 89 años con el Concerto de la fidelidad. Perteneció al Groupe des Six desde su fundación en 1920. Germaine Tailleferre estudió con Maurice Ravel, “su mentor y amigo”, que le animó a acercarse al estilo neoclásico.Escuchar audio

“Que firme como un hombre y el éxito vendrá” fue el consejo que dio un tal Franz Listz a una joven compositora llamada Marie Jaëll, la “Schumann francesa"… Protagonista de hoy en Temas de Música.  Una mujer que vivió a caballo entre los siglos XIX y XX. Con Hélène de Montgeroult que presentamos en el primer programa comparte el hecho de haber elaborado un método de piano que hoy en día sigue siendo una referencia. Fue la primera en interpretar en París todas las obras de Franz Liszt en 1891. Para ello recurriremos a grabaciones recientes y entre otras cosas a su diario editado por Arfuyen hace 4 años y titulado: Je suis un mauvais garçon / I am a bad boy!.Escuchar audio

Nuestra protagonista del día se llama Mel Bonis. Mujer autodidacta, compositora pos-romántica. Compañera de clase de Claude Debussy, admiradora de Franz Liszt como lo fueron Marie Jaëll o Pauline Viardot, amiga de Gabriel Fauré. Autora de unas 60 piezas para piano además de 'recueils' para niños. "Se llama en realidad Mélanie Bonis pero utilizó un nombre neutro para conseguir algo en el mundo de la música" recuerda Aliette de Laleu, en su ensayo Mozart era una mujer. Hasta se inscribió como compositor - y no compositora - en la SACEM (equivalente en Francia de la SGAE). Escuchar audio

En Temas de música, este mes de marzo, lo dedicamos a varias compositoras francesas. Mujeres músicas que marcaron los siglos XVIII, XIX y XX. Mujeres que padecieron de la “enfermedad del olvido”. Una ‘enfermedad’ que vamos intentar curar, una tendencia que muchas y muchos ya intentan revertir para reconocer a tantas artistas con talento. Ser noble y mujer en la Francia revolucionaria de finales del 18 es como tener una valla delante imposible de escalar. Noble y mujer, lo era una de aquellas mujeres que abrieron un camino para las mujeres artistas. Era Hélène de Montegeroult, un nombre casi imprescindible si queremos hablar de las compositoras francesas de los tres últimos siglos… Una mujer noble que, según dice la leyenda, se salvó la vida en 1794 improvisando variaciones sobre las Marseillaise delante del jurado revolucionario del Comité de salut public: “Ciudadana, vemos que eres una buen patriota y te absolvemos de los cargos que se te imputan. ¡Ven y recibe el abrazo fraternal”. Escuchar audio

“El Karl Marx en el campo de la música” En este último capítulo de “El Sonido de Hollywood, un invento europeo” escucharemos la música de Hanns Eisler, nacido en Leipzig pero criado y educado en Viena, ciudad en la que fue alumno de Arnold Schoenberg. Como su cercano colaborador Bertold Brecht, y como su maestro Schoenberg, el nazismo le empujó a huir, y se estableció en Hollywood en dónde continuó realizando un proyecto de investigación financiado por la Rockefeller Foundation sobre la música en el cine, llamado en origen, Film Music Project, junto al filósofo, sociólogo, musicólogo y compositor Theodor W. Adorno, trabajo que cristalizó en el libro Composing for the films. Eisler consiguió establecerse en Hollywood como profesor de la UCLA y compositor para el cine, pero su carrera fue truncada por la llamada Caza de Brujas, resultado de las acusaciones del político Comité de Actividades Antinorteamericanas (HUAC) que originó las listas negras de Hollywood, es decir, una serie de nombres del cine (actores, directores, guionistas o músicos) expurgados por razones supuestamente políticas, muchas de ellas infundadas, como el caso de Charles Chaplin o la dramaturga y guionista Lillian Hellmann. Además, Chaplin, Kurt Weill, Bronislaw Kaper y Michael Legrand visitan con sus creaciones musicales este último programa, que hace un pequeño homenaje a otra disidente expulsada, Gioconda Belli. Escuchar audio

Continuamos en este penúltimo capítulo con distintas obras de Korngold para la pantalla, algunas de ellas convertidas en canciones para voz y piano, integradas en su Opus nº 38. La música de Korngold era tan apreciada por los espectadores de cine que muchos cinéfilos de aquellos años acudían a las salas hasta seis, siete u ocho veces, comprando la entrada, para poder escuchar nuevamente aquellas músicas de las bandas sonoras de sus películas que solamente se podían escuchar en las salas de cine. Otro europeo que trabajó más de 20 años para Hollywood fue Friedrich Hollaender, compositor predilecto de Marlene Dietrich, que cantó también canciones de otro autor muy famoso en los años 30, el austriaco Robert Stolz. La Dietrich tuvo la oportunidad de trabajar con Billy Wilder en dos películas, Foreing Affair (Berlín Occidente) y Testigo de Cargo, en ambas interpretó alguna canción. Precisamente en la primera de ellas, Foreing Affair, se la puede ver acompañada por Hollaender al piano cuando canta. Para terminar esta penúltima entrega, la música que Hollaender realizó para Sabrina (1954), una de las películas que popularizó el Chic Givenchy de Audrey Hepburn, al lado de dos galanes que competían por su amor, Humphrey Bogart y William Holden. Escuchar audio

Con esta sexta entrega decimos hasta la vista al poético y brillante Franz Waxman que transcribió un pasaje de Tristán e Isolda para una producción de Joan Crawford (Humoresque) y ofrecemos la llave de entrada a un músico excepcional en toda su trayectoria, un niño prodigio hijo de un reputado crítico musical que alcanzó la gloria muy pronto en Viena con sus óperas. Korngold, aunque criticado por algún cenizo gacetillero por hacer una música con más maíz que oro, (Corn=maíz y Gold=oro, en inglés), es decir, que fue acusado de músico palomitero, quizás sea, de entre todos los músicos de cine europeos asentados en Hollywood, el de más elevada calidad y mayor originalidad, y así fue reconocido por sus propios colegas compositores al cabo de poco tiempo. Con algunas de sus composiciones más aclamadas y ensoñadoras, como Captain Blood (1935) y Juárez (1939) nos adentramos en su obra cinematográfica, visitando además un relato de Jack London de ambiente marino y misterioso, El lobo de Mar. Como bonustrack, un pasaje de una obra para la escena escrita por Korngold con tan sólo 11 años. Escuchar audio

Nos despedimos del húngaro Rózsa con dos de sus partituras para el film noir, Double Indemnity (Perdición en España) y Tener y no tener, películas que integran el interesante catálogo de clásicos de este emblemático estilo visual de la era dorada del cine en blanco y negro, completado con un relato localizado en el Sáhara protagonizado por Humphrey Bogart. A continuación, nos adentrarnos en la figura de Franz Waxman, exquisito orquestador de partituras legendarias como la de Rebecca y de otras igualmente magistrales como Rear Window (La ventana indiscreta) o Sunset Boulevard (El Crepúsculo de los Dioses), esta última dirigida por su amigo y compañero de fatigas ya desde los tiempos de Berlín, Billy Wilder, música que le hizo ganar un Oscar académico. Dos músicos residentes en aquellas doradas colinas de los dorados años de Hollywood fueron Arnold Schönberg y Frederick Hollaender, un vienés y un berlinés nacido en Londres, respectivamente. Tanto Arnold Schönberg como Friedrich Hollaender tuvieron relación con Franz Waxman, el padre del dodecafonismo como profesor ocasional durante algunos meses en Hollywood y el segundo como introductor en Berlín a la música de cine, pues fue Hollaender quien le encargó a Waxman orquestar la partitura de El Ángel Azul, película que lanzaría a la fama internacional a la actriz, cantante y estudiante de violín, Marlene Dietrich. Escuchar audio

En esta nueva entrega Hollywoodiense nos acercamos a la figura del húngaro Miklós Rózsa, un interesante músico para el cine que en principio nunca fue aficionado al séptimo arte, según confesó en su libro de memorias A Double Life, título homónimo de una de las películas para las que realizó música incidental. Tras algunas canciones integradas en películas del Oeste por Dimitri Tiomkin como Solo ante el peligro o Gigante, nos adentramos en las partituras de Rózsa para Ben Hur, El Cid o Recuerda (Spellbound). Además, un descubrimiento estelar de manos del músico francés Charles Koechlin, docente y gran sinfonista, apenas conocido actualmente, que dedicó algunas páginas a estrellas de cine como Greta Garbo o Marlene Dietrich. Como muestra, un botón, en este caso la música concertística de Rozsa, de la que radiamos un movimiento de un intrincado cuarteto de cuerdas creado por su autor como parte de sus trabajos con raíces folklóricas. Casualmente, varias de estas músicas diversas de nuestro espacio usan profusamente un instrumento eléctrico, el theremín. Escuchar audio

El compositor Dimitri Tiomkin llegó a Hollywood como profesional tras pasar primero por Paris y Nueva York. Casado con la coreógrafa Albertina Rash, realizó giras con la compañía de ballet de su mujer por los Estados Unidos, ofreció un recital en el Carnegie Hall y de regreso a Europa fue el pianista encargado de dar a conocer la Rapsodia y el Concierto para piano de George Gershwin, por vez primera en Paris, con la presencia de su creador en la propia sala en la que se ofreció esta premier.En Hollywood intervendría primero en una versión para el cine de la opereta Amor Gitano de Franz Lehár, retitulada The Rogue Song, para la que compondría un ballet. Contratado por distintos estudios de la Meca del cine angloamericana, recaló en la Warner Brothers, estudio que le ofrecería la oportunidad de trabajar al lado de Max Steiner, Franz Waxman o Eric Wolfgang Korngold, los tres integrantes del departamento musical del estudio de los Warner.En este programa escucharemos, entre otras, algunas de sus composiciones musicales realizadas para los directores de cine Frank Kapra (Lost Horizon) y Alfred Hitchcock (Strangers on a Train), además de dos versiones diferentes de una de sus canciones más interpretadas y conocidas, Wild is the Wind. Salteadas, dos grandes superproducciones rodadas en España durante la etapa productora de Samuel Bronston en Las Matas (Las Rozas, Madrid): La Caída del Imperio Romano y 55 días en Pekín.Escuchar audio

Nuestro segundo programa alrededor de la figura de Max Steiner hace un recorrido por algunas de sus composiciones menos conocidas para el cine, con especial atención a su primer éxito de crítica y público, la versión cinematográfica de King Kong de 1933 que marcó un hito en la utilización de la música sinfónica como elemento decisivo en la producción de un gran lanzamiento fílmico. Curiosamente, los decorados de King Kong ( la valla y las torres de troncos) ardieron durante el incendio controlado que se grabó en los estudios de Culver City para representar el incendio de Atlanta para Lo que el viento se llevó (1939) cuya música también realizó Max Steiner como hemos explicado ya. Además, algunas partituras de las colaboraciones entre William Wyler y Bette Davis, como Jezabel y La Carta, cuyas músicas creó, y de otra producción de Curtis Bernhardt en la que la citada actriz hizo un doble papel de gemela, A Stolen Life, (Una Vida Robada). Algunos apuntes sobre su complicada vida, su manera de componer y su vida familiar, regados con alguna anécdota referida a su funeral en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery de Glendale, camposanto en el que quiso ser enterrado el músico nacido en Viena en 1888. Escuchar audio

Este primer programa está dedicado al gran compositor para el cine que de forma pionera comenzó a utilizar la música de manera relevante y ampliamente en las producciones de Hollywood, Max Steiner. Vienés de orígenes húngaros, los Steiner fueron los empresarios teatrales que trabaron amistad con Johan Strauss Jr., tanto que la opereta El Murciélago fue una sugerencia de Maximiliam Steiner al rey del vals e incluso Una Noche en Venecia tuvo sus orígenes en el gran parque temático veneciano que los Steiner montaron en Viena al que acudió el propio emperador austrohúngaro Francisco José. Dos de las grandes partituras musicales para el cine de Max Steiner siguen teniendo actualidad: Casablanca y Lo que el Viento se llevó, esta última basada en la novela de Margaret Mitchel (Premio Pulitzer 1936) que se acaba de reeditar en España con magníficas ilustraciones de Fernando Vicente. Además, repasamos algunos hits del autor Max Steiner con otra de sus insignes admiradoras, Bette Davis, actriz que reconoció en muchas ocasiones el valor añadido de la música en la interpretación actoral. Escuchar audio

Recibimos hoy nuestras últimas postales desde Italia, firmadas por H. Berlioz y R. Strauss, que guardaré, junto al resto de recuerdos italianos, como un tesoro en mi cofre personal de bellezas y emociones. Escuchar audio

¨La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso”. Palabras pronunciadas por nuestro protagonista de hoy: Franz Liszt. Una personalidad única, una sensibilidad sin parangón que quedó fascinado por los paisajes, el arte y por la literatura italiana. Una Italia que fue testigo de algunos de los pasajes más importantes de su biografía y que intentaré desgranar a lo largo de programaEscuchar audio

Francesco Valesio en su Diario de Roma escribe: “Ha llegado a la ciudad un sajón, excelente clavecinista y compositor que hoy ha hecho alarde de su virtuosismo tocando el órgano en la Iglesia de San Giovanni, asombrando a todos”. Un sajón del que J.S. Bach dijo “Händel es la única persona a la que yo desearía ver antes de morir, y la única persona que me hubiera gustado ser, de no haber sido yo Bach”. Italia fue parte de su vida, como su Alemania natal o su Inglaterra de adopción. Ese fue, es y será G. F. Händel. ¡Viva il caro Sassone! Escuchar audio

La familia Rachmaninoff llega a Florencia en 1906, una ciudad en la que el músico paseaba por los parques, visitaba las catedrales y vivía alquilado en casa de la Señora Luchesi, con dos cuartos a su disposición y un tercero, en el sótano, donde había un piano. Allí le permitió usar el instrumento por horas, de 9 a 13 y de 15 a 18. Para él aquello fue un alivio y fue en ese piano que recompuso las partituras del Caballero mísero y Francesca da Rimini. Mientras, En el caso de Stravinsky su opción fue impregnarse de los vientos meridionales de Nápoles para componer para Diaghilev su ballet Pulcinella, una partitura con la que “probablemente era inevitable que el resultado fuese una sátira, hasta cierto punto…pero…yo no me propuse componer una sátira”. Escuchar audio